La Pantalla Mágica

FIRE!!, la crónica (Parte II)

2010-09-02T16:03:00.009+01:00

Después de un verano caluroso y ante unas vacaciones no anunciadas (os pedimos mil disculpas), volvemos con las pilas cargadas. Y para no perder el hilo de lo que ya os adelantamos hace un mes y que queremos retomar, seguimos con la Muestra de Cine Gay y Lésbico de Barcelona, o como su nombre oficial indica, el FIRE. Nuestro colaborador Jorge Vañó continúa en las próximas líneas con la crónica.

Aunque me faltaron por ver las películas de “Je te mangerais” de Sophie Laloy y “L’homme de sa vie” de Zabou Breitman, que completaban la sección oficial, me gustaría destacar “J’ai tué ma mère”, del joven realizador Xavier Dolan, revelación en el ultimo festival de Cannes. Esta película habla de la tormentosa relación entre un adolescente y su madre, a la que no soporta. Una película no exenta en su narración de chiches modernos, en ocasiones excesivos, que acaban construyendo, sin embargo, una historia conmovedora. Una película histriónica y caprichosa, como su personaje, que es el realizador de la misma. Se trata de un narración irónica, divertida y que en ocasiones logra poner al espectador de los nervios, pero que, sin duda, fue de lo más interesante de la sección oficial.

Poco que decir de los cortometrajes que se proyectaron en el festival y que acompañaban a algunos largometrajes. Su característica, que tenían como protagonistas a los adolescentes y eran fruto de una campaña contra la homofonía, del Ministerio de salud Francés. En este caso, los cortometrajes se quedaron en eso, en mensajes políticamente correctos, victimas de una institucionalización y con historias, desde mi punto de vista, desprovistas de cualquier emoción.

Dejando de un lado la ficción, también hubo un interesante surtido de documentales que abordaron de una manera diferente a la ficción de la realidad gay. Con un lenguaje clásico más propio del reportaje televisivo, “Outrage” (Kirby Dick, 2009), nos presenta, o nos reafirma en algo que todos sabemos, la hipocresía de la derecha política. De actualidad, tanto en Estados Unidos como en España, recordemos el reciente caso de aquel concejal mallorquín que de día defendía la familia y de noche se gastaba el dinero en drogas y compañía masculina. No obstante, este documental no aprovecha para nada el hecho cinematográfico y se convierte en una retahíla de declaraciones y voces en off. Un film militante e ilustrativo, pero poco convincente desde el punto de vista cinematográfico.

Personalmente, me quedo con otros dos documentales, curiosamente, diarios filmados ambos. Hablo de “Fan” (Nienke Eijsink, 2009) y de “Omelette” (Remi Lange, 1997). Tanto en uno, como en otro, la relevancia de la personalidad de sus autores es tan importante como el motivo o la razón que da inicio a su documental. Omelette, que constituye un clásico del cine francés, es un diario filmado en super 8 donde su protagonista pretende grabar a sus familiares en el momento más importante de su vida para él, el día que confiesa su homosexualidad. Filmado en los años 90, en plena psicosis del VIH, el documental va más allá de lo que se esperaba, haciendo partícipes al espectador en todo momento de la evolución y consecuencias del relato. Es una película completa, emocionante y cautivadora.

Fan, es un relato más sencillo y honesto, donde la autora se desnuda emocionalmente, y acaba creando un personaje, el de ella misma, más interesante y emotivo que el de su actriz fetiche. La búsqueda de la actriz amada en la adolescencia, personaje de una popular serie de televisión, que es la excusa que abre el documental, acaba convirtiéndose en eso, una simple excusa. Ya que el film habla de otras cosas que acompañan el viaje de la realizadora, trata también la pasión como generadora de sueños, que es en definitiva lo que hace cualquier realizador.

De esta sección y acabada la muestra, me quedo con las ganas de ver de el documental “Sex Positive” (Daryl Wein, 2008) y la Sección Experimental “Open” (Jake Yuzna, 2009).

Para terminar, comentar lo que para mi fue sin duda, una de las mejores partes del festival: Los largometrajes de Sébastien Lifshitz. No sólo por tener la oportunidad de volver a ver en pantalla grande, la magnifica “Presque Rien”, sino por presentarnos sus dos últimas películas “Wild Side” y “Plein Sud”, ninguna estrenada en circuitos comerciales en España. La primera, es un film donde pasado y presente se mezclan formalmente sin ningún reparo y en el que poco a poco, con mucho cuidado, se construye la difícil relación, a tres, entre un transexual, un chapero y un inmigrante. Una historia de personajes solitarios con la necesidad de ser amados. Personajes rechazados por el sistema, que encuentran fuera de las normas y convenciones de este, la felicidad. La segunda, representa un tipo de narración cuya destreza vemos completada en Plein Sud, para mí la joya del festival. En ella se narra la emotiva road movie de Sam, que viaja en busca de su pasado acompañado por tres polizones; dos hermanos fugados de casa y un autostopista. Una película que no trata de ser resolutiva, pero que construye una historia donde las relaciones y pasados de los diferentes personajes, acaba creando momentos memorables y tremendamente emotivos.

FIRE!!, la crónica (Parte I)

2010-07-26T09:29:00.001+01:00

Seguimos aquí. Habíamos desaparecido, pero aquí estamos. Sentimos haberos tenido tan abandonados pero, y aunque no es excusa, hemos estado muy liados. Nuevos proyectos, nuevas historias... todo sumado al calor sofocante que no nos deja ni respirar. En fin, que vamos a intentar seguir donde lo dejamos. Pero es verano, así que tened en cuenta que pueden haber días de sequía por aquí por el equipo de La Pantalla Mágica está un poquitín dispersado ahora mismo. Tenemos nuevos temas y entrevistas para ofreceros, y así lo iremos haciendo. De momento, comenzamos con una genial crónica de la Muestra de Cine Gay y Lésbico de Barcelona a cargo de otro de nuestros colaboradores, Jorge Vaño. Tras el salto, la primera parte.

En su 15 edición FIRE!! La Muestra de Cine Gay y Lesbico, que organiza el Casal Lambda, ofreció durante los diez primeros días Julio, una selección de películas que reúne, seguramente, parte de la mejor producción durante este año, de largometrajes de esta temática. Se preguntaba el director del festival en la presentación, el por qué de La Muestra, en un país que ya ha alcanzado la igualdad legal y que esta por encima de muchos otros en tolerancia social. Él esgrimía el argumento, de que la muestra no tendrá sentido cuando encontremos en las salas comerciales las películas que aquí se programaban. Y es que por desgracia seguramente pocos, por no decir ninguna de ellas, será estrenada comercialmente fuera de su país, y las que lo hagan, seguramente, lo harán de una manera residual. Por esto me gustaría también con este post reivindicar la vigencia y necesidad de este tipo de festivales que se dedican a cinematografías más minoritarias (cine gay, de mujeres, africano…), que constituyen un ventana imprescindible para la difusión de otro tipo de cine, que pese a no formar parte de la cultura de masas, ayuda a completar aquellas visiones que muchos requerimos.

No se me ocurre ninguna película mejor para abrir el festival que, la película de François Ozon, “Le Refuge”. Ozon, con una trayectoria impecable y cuyas películas representan siempre un punto de vista diferente sobre la sexualidad humana, no defraudó con este film. La película apunta en su comienzo al Ozon más trasgresor y ácido con unas escenas, exageradamente realistas, en la que la protagonista, una drogadicta, se pincha con su novio que acaba falleciendo de una sobredosis. Sin embargo nada tiene que ver con el resto del film que poco después deja este dramatismo físico, para crear una historia más calmada y compleja. La película es el drama de una mujer que decide tener, en soledad, el hijo de su novio muerto, pero la irrupción del hermano homosexual de éste, hará cambiar sus vidas. No es, a mi juicio, el mejor film de Ozon, pero si, una película correcta, con momentos geniales, que no deja indiferente.

La Muestra continuó su sección oficial de largometrajes, con películas como la israelí “Eyes Wide open”, de Haim Tabakman, que nos presenta una película valiente, que sitúa el amor homosexual en la homófoba sociedad ultraortodoxa judía. Así en un barrio de Jerusalén, donde todo gira en torno a la fe y la tradición, nace el amor entre Aaron y Ezri, un carnicero respetado por la comunidad y un joven que acaba de llegar a la ciudad y empieza a trabajar de aprendiz en la carnicería. A pesar de lo dramático que pueda parecer esta relación, el peso de ese entorno hostil, que describe muy bien Tabakman, sobrepasa a la relación de los protagonistas, de manera que no llega a transmitir todo lo que debería. La película acaba convirtiéndose en un retrato de la intolerancia y fundamentalismo religioso, pero no logra profundizar en el drama de los personajes.

En el mismo contexto, una sociedad profundamente religiosa que rechaza cualquier tipo de relación que no sea la normalizada por Dios, se presenta “Contracorriente”, de Javier Fuentes León, este retrato, aunque en ocasiones narrado de manera mas torpe que el anterior, presenta una historia donde la relación de los personajes, sobresale por encima de su entorno. La historia de Miguel y Santiago. Miguel un pescador, respetado en su circulo religioso, y Santiago un pintor, llegado a una comunidad en la que no acaba de encajar. En las dos películas se repite el binomio, de personaje respetado y referente en su entorno, que se enamora de otro, ajeno a la comunidad, que con otro estilo de vida arremete contra está. La película de Fuentes León parte con un pretexto más surrealista, que en ocasiones chirría: Santiago muere una noche y se presenta en forma de fantasma para que Miguel lo entierre como es debido y pueda descansar en paz. No obstante, pese a lo singular del argumento, la relación de los personajes si es el eje fundamental de la película, construyendo, con sus más y sus menos, un emotivo relato que lleva hasta las ultimas consecuencias el fin de una pareja. Supongo que para Latinoamérica es importante también la elección en el film de Manolo Cardona, ver a este actor, famoso en Latinoamérica por su papel de eterno galán heterosexual en telenovelas, interpretar a un sensible pintor homosexual, rompe en ocasiones sin querer más clichés que muchas película.

Siguiendo la Muestra, bajo el pretexto de una comedia sin mas pretensiones que la de saltar alguna sonrisa, se presento “Plan B” (Marco Berger, 2009). Narrado con un lenguaje mas propio de un cine contemplativo y profundo latinoamericano, que de las comedias a las que estamos acostumbrados en la gran pantalla. Plan b consigue al mismo tiempo hacer sonreír al espectador, con mas de un momento cómico, como emocionarte por el amor, en principio imposible, de sus dos protagonistas. Una comedia romántica atípica pero correcta en su forma y pretensiones.

Ya para acabar con el cine latinoamericano presentado en la sección oficial, hablaríamos del “Cuarto de Leo”, de Enrique Buchichio, que explota el cliché de un adolescente, ya crecidito, atormentado por el descubrimiento de su sexualidad. Historia que se cruza, de manera torpe, con la vida de una antigua amiga del colegio, en plena depresión por un trauma del pasado. Dos personajes que en principio no tienen nada en común, y que a lo largo de la película no acaban de compenetrarse, pero que acaban solucionando mutuamente sus problemas. En mi opinión el espectador no llega a entrar lo suficiente en su mundo y motivaciones, con lo que se desdramatizaba tremendamente la película que pretendía jugar con dos personajes emocionalmente al limite.

En breve, la segunda parte de lo que fue esta muestra; también a cargo de Jorge Vañó.

Galerianki / Mall Girls, de Kasia Roslaniec, gana la Luna de Valencia 2010

2010-06-27T12:26:00.000+01:00

La cinta polaca Galerianki / Mall Girls, ópera prima de Kasia Roslaniec, ha conseguido la Luna de Valencia a la Mejor Película en la Sección Oficial de Largometrajes a Concurso del XXV Festival Internacional de Cine Cinema Jove, organizado por la Conselleria de Cultura y Deporte a través del Instituto Valenciano del Audiovisual y la Cinematografía, y con el patrocinio del IVAJ. El premio, valorado en 30.000 euros, se entregó ayer en la gala de clausura de lo que han sido ocho días llenos de buen cine. Conozcamos un poco mejor la película ganadora y lo que se ha dicho sobre ella. Tras el salto, también os contaremos cuál ha sido el cortometraje ganador de la Sección Oficial.

El jurado en esta categoría, ha estado compuesto por la actriz rumana Hilda Peter, la intérprete española Ana Álvarez, el actor húngaro Ivan Fenyo, el guionista alemán Holger Jäckle y el intérprete alemán Ingo Scholl. La calidad de todas las películas presentadas era evidente. Tanto es así, que se decidió conceder una mención especial a Submarino, de Thomas Vinterberg. Durante la rueda de prensa, Scholl ha argumentado las razones que pesaron en la elección definitiva de la ópera prima de Roslaniec: “Galerianki / Mall Girls recoge una Polonia que no se había visto antes en el cine, una sociedad post comunista en la que niños y mayores se hallan perdidos. La película refleja la insatisfacción actual entre la juventud, donde pesa más el placer inmediato (prostituirse) a cambio de dinero, que los objetos materiales”. Además, la actriz Hilda Peter, destacó la dureza de la cintaque plasma “una situación que no sólo afecta a este país, sino que es una realidad contemporánea extendida”. El director del festival, Rafael Maluenda, destacó que que la Luna de Valencia está concebida “para apoyar la distribución de la película ganadora en los cines españoles” y espera que el premio “ayude a la llegada de Galerianki a nuestros cines”.

Mall girls se elaboró lo largo de seis meses de entrevistas y contactos con adolescentes que frecuentan los centros comerciales a través de la red social grono.net, el equivalente polaco de Facebook. La película ha causado una conmoción en Polonia por su retrato realista de las llamadas ‘hijas del consumismo’, que ofrecen sexo a desconocidos a cambio de pequeños obsequios, como vaqueros o móviles.

Rumbo a peor, del actor (ahora tras la cámara) Alex Álex Brendemühl, fue premiado como el mejor cortometraje de la Sección Oficial. El premio, dotado con 10.000 euros, fue escogido por el jurado formado por el crítico checo Michal Prochazka, la directora, actriz y guionista española Ángeles Maeso y la directora italiana Stella Di Tocco. El jurado decidió premiar el corto “por la originalidad con la que ha plasmado lo absurdo de la existencia humana, mostrando la realidad cotidiana a través de un delicado humor negro, lleno de reminiscencias del cine mudo”.

Cinema Jove se despide hasta el año que viene. La maquinaria para presentar la 26 edición de este Festival, seguro que ya está en marcha. Ahora toca descansar y reponerse, porque después vendrá la morriña y, cuando ya menos lo esperemos, llegará una nueva edición.

Seguimos con más Cinema Jove...

2010-06-24T17:14:00.000+01:00

La magia de Cinema Jove sigue pululando por Valencia. Cada vez esta más cerca el final, pero la gente sigue asistiendo a las proyecciones y actividades, como si se tratase del primer día. Nosotros, después de habernos quedado prendados el lunes con la gran Natasha Yarovenko, decidimos ir a ver una de las cintas que se proyectaban a propósito de su premio “Un futuro de Cine”. La película en cuestión, una tv movie titulada Omar Martínez, nos dejó un buen sabor de boca. Además, vimos también el Programa 9 de la sección oficial de cortometrajes, y asistimos a la presentación del libro 25 años inquietos. ¿Quieres saber qué tal estuvo?

Omar Martínez o la historia que nos descubrió a Natasha
Omar Martínez, de Pau Martínez, nos cuenta una gran historia. Si dejamos a un lado lo de que la cinta ya tiene cuatro años y, por supuesto, que se trata de una tv movie; nos encontramos ante una cruda historia sobre inmigración. Un inmigrante marroquí ilegal que intenta conseguir dinero con el top manta y luchando en combates de boxeo en los que no tiene nada que hacer; trata de reunir lo suficiente para volver a Marruecos y ayudar a su madre enferma. En este contexto, nos encontramos a Olga (personaje interpretado por Natasha), otra ilegal que quiere quedarse en España para ser una “señora”.

La verdad es que es un lujo poder ver estas joyitas en Cinema Jove que igual no tendríamos oportunidad de ver en otro sitio. Esta interpretación sirvió a Natasha para darse a conocer y es que, la verdad, interpreta a su personaje con el dramatismo justo. El personaje de Olga podía dar pie a una sobre actuación, pero aquellos que confiaron en Natasha vieron que podía expresar lo justo en cada momento. Y esto es lo encomiable, que pese a ser una tv movie que ya por definición suelen ser exageradas y extremas; los personajes, especialmente el de Natasha y el de Álex Brendemühl están muy bien definidos e interpretados. Tal vez, el momento más criticable sea el final, que se veía venir desde los primeros compases de la cinta.

Programa 9 Cortometrajes Sección Oficial

Ver seis cortometrajes de un tirón, no tendría que ser en principio tan tedioso como lo fue la jornada de ayer. Y no os equivoquéis, no es que los cortos fuesen malos, pero es que había algunos que se hacían interminables y poco amenos para una sesión en la que deberían hacerse más llevaderos. Para mi, un cortometraje ha de transmitir una historia en el mayor tiempo posible y hacernos llegar a alguna conclusión. Bueno, esto dicho grosso modo. Ayer, sí pudimos ver algunos cortos de una gran calidad y que, bajo mi punto de vista, destacaron sobre el resto.

Soltau, del alemán Peter Hümmeler y Slitage, del sueco Patrik Eklund, destacaron sobre el resto. Soltau nos narró a modo de road movie el trayecto de un grupo de personas que acaban en el mismo coche por circunstancias de la vida. La clave des este cortometraje es la construcción de unos personajes con los que empatizas rápidamente. Los dos adolescentes están a la altura del, en teoría, protagonista, e incluso a ratos, lo llegan a superar. Slitage nos dejó con una sonrisa en la boca con una tierna historia sobre Rolf y Eva, una pareja de mediana edad en la que la mujer comienza a sentirse sexualmente frustrada. El drama de los personajes de la historia se nos cuenta con un sutil toque cómico que hace el cortometraje tremendamente ameno.

Además, también pudimos ver Mei Ling, una extraña historia sobre una joven que decide adoptar a un pulpo. La historia fue cuanto menos, curiosa. Y la animación, bastante acertada. Limbo, o Karai Norte, fueron los dos otros cortos que entraban en competición pero que se hicieron lentos y tediosos. El primero, porque quiso contarnos una historia sin palabras pero que no llegó a ser más que una combinación de planos pictóricos sin llegar a ir más allá. Y el segundo, a pesar de que la historia tenía fuerza y la imagen estaba muy cuidada; se contó de manera bastante lenta para llegar a una conclusión que ya esperábamos. Ex Libris, que no entraba a concurso, fue un gran homenaje al placer de la lectura con una técnica y realización muy atractivas y acertadas por parte de María Trénor.

25 años inquietos

Rafa Maluenda, director del Festival, presentó junto a algunos de los autores, el libro homenaje al 25 aniversario de Cinema Jove. Sobre el libro, nos contaron que trataba de recoger todo el recorrido que había seguido el festival durante estos años, pero además, también contaba anécdotas, o trataba géneros como la animación o el documental. Una recopilación que trata de hacer honor a lo que representa Cinema Jove en el panorama de festivales internacionales. Al acto asistieron, entre otros, Jorge Castillejo, coordinador del volumen junto a Antonio Llorens y el director cinematográfico Hannes Stöhr.

Después de la presentación, se proyectó Public Access, de Bryan Singer, un viejo conocido del Festival. La cinta, muy difícil de encontrar hoy en día, representa el espíritu del festival, que trata de acercarnos a todo tipo de cine y lucha por conseguir que veamos películas, que de nos ser por iniciativas así, jamás podríamos llegar a ver.

Cinema Jove continúa hasta el sábado. Entramos en la recta final y todos apuran ya las últimas proyecciones y actividades. Os seguiremos contando qué más se cuece por allí.

Cinema Jove arranca con fuerza

2010-06-22T21:09:00.001+01:00

El pasado sábado 29, el Festival Internacional Cinema Jove dio el pistoletazo de salida a lo que será una semana llena de actividades y buen cine en la capital del Turia. Gainsbourg, un biopic del mayor icono francés de la música pop, fue la cinta encargada de abrir el festival. A ésta, le siguen muchas otras, dentro de la sección oficial de largometrajes y cortometrajes, pero también muchas otras proyecciones dentro de los ciclos especiales. Ayer, por ejemplo, pudimos ver a la gran artista Joana Quinn, una artesana en la era del 3D, que hizo una demostración de sus técnicas y proyectó sus cortometrajes animados. Además, asistimos al encuentro con la premiada Natasha Yarovenko, y visionamos una de las películas de la sección oficial, El fruto.

Natasha Yarovenko eclipsa Valencia

Las abrumadora belleza de la actriz ucraniana dejó anonadados a todos los que tuvieron la suerte de verla en persona. Después de recibir el premio “Un futuro de cine” en la gala de inauguración; el domingo, Natasha presentó su última película, Room in Rome, ante todos los asistentes. La última cinta de Julio Médem ha lanzado la carrera de la actriz afincada en Barcelona. Como bien explicó ayer en el encuentro con medios y público en el acogedor Punto del Carmen, la película de Médem la sacó de una encrucijada en la que estuvo a punto de dejar la interpretación. “Necesitaba respuestas para mi vida. Y me llamó Julio Médem”. ¡Gracias Julio por llamarla! Porque gracias a él, hemos descubierto a una gran actriz que quizás no había podido brillar lo suficiente todavía. Room in Rome nos ha servido, además de para emocionarnos con el buen cine, para conocer mejor a esta actriz. El premio “Un futuro de cine”, según el director del festival Rafa Maluenda, no trata de impulsar la carrera de jóvenes actores como muchas veces informan los medios, si no que, en palabras del propio Maluenda: “el impulso a las carreras, es el trabajo del propio actor o de la propia actriz en este caso. […] Lo que sí busca el premio, es ser un estímulo a actores que lógicamente, por su juventud, no tienen una carrera muy extensa todavía, pero que nos han llamado la atención con sus interpretaciones”. Sí, eso está claro, Natasha nos ha puesto a todos alerta de repente, porque esta chica va a dar mucho que hablar. Con deciros que un joven cineasta incluso se acercó a ella para darle un guión… Todos quieren trabajar con ella.

Pero empecemos por el principio. Natasha Yarovenko llegó ayer al Punto del Carmen con un vaporoso vestido y una gran sonrisa que dejó a muchos y muchas en estado de shock. Durante el encuentro, no dejó de mirar a todos y cada uno de los asistentes mientras hablaba. Allí, respondió amable a todas las preguntas que se le hicieron, entre flashes de cámaras que no parecían cesar. La actriz se mostró muy contenta con el premio, del que dijo que le vino en un momento de bajón, justo cuando había abandonado ya a su “niño”, la película, en la que sentía que ya no le quedaba nada por hacer. “Me siento muy feliz de haber emocionado a la gente”, confesó. Además, nos habló un poco de todo; de cómo empezó a actuar, del trabajo con Médem y la película, de sus nuevos proyectos, y del tipo de papeles que les gusta interpretar. Natasha afirmó que le encantaría hacer comedia, pero que su bagaje emocional, la hace saber cómo interpretar el drama porque también ha sufrido mucho.

Rafa Maluenda destacó el trabajo de Natasha en la película, que supo ponerse a la altura de una gran actriz y “aguantarle las réplicas” y estar a su altura. Room in Rome es una película en la que dos personajes se ponen el uno frente al otro y llevan todo el peso de la película, algo muy difícil de llevar, pero que estas dos grandes actrices logran de una manera extraordinaria. La ucraniana nos habló también del desgaste que supuso un rodaje tan íntimo e intenso. “La última semana estábamos muy agotadas emocionalmente. […] Al final de la película las emociones eran muy fuertes", dijo.

Sobre su director, Natasha habló maravillas. Algunas de sus frases fueron: “La clave fue su dirección”, “fue muy fácil trabajar con él”, "tenía ganas de interpretar para él. Cuanto más difícil era la escena, más lo necesitaba cerca de mi” o “realmente existe el universo Médem”. Además, nos contó que la escena más difícil de rodar, para ella, fue la que dan vueltas en la bañera, porque, aunque parezca muy bonito, era muy incómodo y Elena y ella acaban siempre con muchos moratones que las maquilladoras tenían que camuflar.

El fruto, el camino hacia la soledad

La sala Luís G. Berlanga del Edificio Rialto se llenó para ver el film de los jóvenes argentinos Miguel Baratta y Patricio Pomares. Un silencio sepulcral, como en el que vive Juan, el personaje; reinó en la sala durante toda la hora que duró la proyección. El fruto es, según los realizadores, “un drama rural” en el que seguimos el viaje de Juan, a veces un poco lento, pero que trata de ser fidedigno con las vidas de los habitantes de Carlos Keen. Esta vida llena de creencias populares y ritos, en un lugar en el que parece que no pasa nada, se refleja en la cinta. Juan, como bien explicaron sus realizadores, puede estar horas y horas sin hablar con alguien; y así lo vemos en El fruto.

La fotografía y la composición de bellos planos que conforman casi una obra de arte, cobran especial importancia durante esos momentos de prolongado silencio. Bueno, silencio parcial, ya que el ambiente rural lo tenemos presente a lo largo de la obra. Ese vacío que dejan las conversaciones y que se trata de llenar con el refuerzo del sonido ambiente, es quizás lo más criticable de la cinta. Personalmente, creo que se ha reforzado en exceso dicho sonido para adentrarnos en el paraje y tal vez no hiciese falta; y mucho menos cuando tenían lugar algunas de las pocas conversaciones.

Los jóvenes directores se mostraron receptivos durante la charla con el público y explicaron sus experiencias en aquel poblado. También nos confirmaron que los personajes no eran actores, si no los propios habitantes del pueblo, de los cuales nos contaron que tenían un concepto muy diferente al nuestro sobre la muerte. Además, nos explicaron numerosas anécdotas como la de un personaje que tuvo que ser interpretado por el “borracho del pueblo”, pero que al final consiguió hacer lo que se le pidió. Según ellos, el compromiso verbal de los habitantes del pueblo tenía una gran importancia, y si se les citaba a determinada hora; ellos estaban allí tal y como se les había dicho. Por lo tanto, es imposible desligar la película del lugar filmado y sus habitantes, por lo que se convierte en un “entrecruzamiento entre la ficción y el documental”, según los realizadores.

Cinema Jove sigue hoy en Valencia, como muchas más actividades y proyecciones sobre las que os iremos hablando. Sentimos no poderos informar de todas, pero hay tantos eventos que tienen lugar a la vez, que nos es imposible poder asistir a todo.

Futuros Cineastas: 'Instrucciones para dar un abrazo a distancia'

2010-06-19T15:04:00.000+01:00

“Nadie debería quedarse con las ganas de recibir un abrazo... porque sin abrazos no se puede vivir.” Bajo esta atractiva premisa, Assisi Producciones nos presenta el tráiler musical de esta comedia con toques dramáticos de Federico Calabuig. El tema principal está compuesta e interpretado por Vaivencida y se ha hecho especialmente para este cortometraje. Instrucciones para dar un abrazo a distancia... un sugerente título, ¿no? ¿Pasamos a ver el tráiler?

Federico Calabuig es Licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad Politécnica de Valencia. Su interés por el cine lo conocemos ya a través de sus diversos blogs cinematográficos. Ahora, Fede pasa detrás de la cámara en lo que será su primer cortometraje como realizador. El corto está interpretado por Ciro Martinez, Álvaro García, Cristina García, Pepe Galotto, Marta Calabuig, Ariana Sánchez y Mª José Blesa; y lo podremos ver próximamente (os iremos informando). Ahora nos llega el primer tráiler musical con el tema principal compuesto e interpretado por Vaivencida. Una canción muy tierna para lo que intuimos también como un cortometraje conmovedor.

INSTRUCCIONES PARA DAR UN ABRAZO A DISTANCIA (Trailer/Videoclip Vaivencida) from Assisi Producciones on Vimeo.

Nos conformamos de momento con el tráiler, pero esperamos poder ver pronto el cortometraje al completo. Podéis encontrar más información sobre el cortometraje aquí.

La psicóloga de moda: ‘La pecera de Eva” renueva por dos temporadas

2010-06-18T10:29:00.001+01:00

Bueno, bonito y barato. Así es La Pecera de Eva. El sueño de cualquier productor. La Pecera de Eva es una serie sencilla y de sorprendente calidad que está enganchando a los espectadores de La Siete de Telecinco. Tanto es así que se ha renovado por dos temporadas más. A Telecinco le salió bien la jugada, porque después de pasar por su primera cadena y ver que tal vez el target no era el adecuado; decidió reubicarla en uno de sus canales de TDT, para focalizar su atención en un público más joven que ya disfruta de la variedad de canales de la Televisión Digital Terrestre.

Sí, la jugada salió bien. La pecera de Eva funciona en la TDT, sí. Pero no sólo funciona por esta reubicación tan bien pensada para esta nueva era digital (estrategia de la que muchos deberían tomar nota); si no que la serie funciona también, para qué negarlo, porque está muy bien realizada. No obstante, la serie en si no nos cuenta nada nuevo. Psicología aplicada en los adolescentes. Vale, eso ya lo vimos en El grupo. Pero es que ahora no es un grupo, si no una terapia personalizada que tan bien lleva Alexandra Jiménez. La actriz aragonesa está evolucionando cada vez más; ya no es la misma África que veíamos en Los Serrano, si no que interpreta personajes más adultos y maduros con un saber estar incríble. Estemos atentos a ella, porque nos va a sosprender de un momento a otro. Eva, por su parte, irónica y mordaz al más puro estilo doctor Gregory House, va llevando los jóvenes a su terreno hasta hacerlos ceder y abrirse ante ella. Los jóvenes problemáticos que van pasando por la “pecera” de Eva conforman personajes bien construidos, con un background lo suficientemente potente como para enganchar al espectador. Hemos visto desde un chico tartamudo que no habla por vergüenza, otro chico aparentemente normal pero con una rutina sexual un poco curiosa, o una chica que va de moderna pero está dominada por su machista novio, entre muchos otros. Seguramente, cada espectador empatiza con un paciente más que otro. Es lo mismo que ocurre en la americana In treatment, de la que de bien seguro La pecera de Eva se ha visto influenciada. La serie norteamericana nos presenta un formato muy similar, con pocos personajes y con una sola localización. Eso sí, los traumas de los pacientes son mucho más "americanos".

La realización de la serie es sencilla, pero muy adecuada para el formato. A veces, una buena realización no significa una realización ostentosa; si no más bien ajustada a lo que el producto pide. Además, se economizan las localizaciones; todo se reduce al despacho de la propia Eva. Bueno sí, también hay flashes fuera del despacho, pero son mínimos y muy sencillos. Esto es lo que podríamos llamar: producción barata y de calidad. Los actores que pasan por la pecera van rotando y, además, cuando se agotan las tramas de algunos, simplemente desaparecen para dejar paso a otros con nuevas historias que contar.

La pecera de Eva está emitiendo actualmente su segunda temporada que está funcionando de maravilla. La avalan los buenos datos de audiencia, un 1,7% de share, un récord para la serie, con más de 300.000 seguidores, según apuntaba ayer la página web Fórmula TV.

La serie es, cuanto menos, un producto interesante que nos deja entrever una adaptación al nueva panorama televisivo actual. En un momento en que las grandes producciones, al menos en España, están en crisis; los nuevos creadores han de saber adaptarse a estas nuevas necesidades de abaratar la producción. Enhorabuena a los responsables de La pecera de Eva por ser pioneros en este aspecto.

Una de actores: Alex O'Dogherty

2010-06-17T18:36:00.003+01:00

Seguimos con más entrevistas actores. Hoy tenemos con nosotros a un actor que tan pronto nos hace reír, como nos hace llorar. Alex O'Dogherty, actor, monologuista, director y músico. Para quien no le conozca por el nombre, seguro que le reconoce por ser el huraño e irónico Arturo Cañas en Camera Café. Ahora le vemos también en el gran éxito de los domingos, Doctor Mateo, interpretando al buenazo de Alfredo. Alex es un actor versátil y polifacético, como podemos comprobar con estos dos personajes tan diferentes. Pero, todavía hay más. ¿Queréis conocerle mejor? Pasad adentro...

- Bienvenido Alex a La Pantalla Mágica y gracias por recibirnos. Te estamos viendo ahora en la tercera temporada de Doctor Mateo y te vimos anteriormente en Camera Café o Fibrilando. Eres uno de los actores españoles más activos del momento, pero según tenemos entendido, no te fue fácil llegar hasta donde estás ahora. ¿Cómo ha sido tu trayectoria hasta este punto?

Pues es difícil resumirlo. Muy poco a poco, sin prisas y sin parar. Empezando con pequeños papeles en pelis y series. Escribiendo monólogos, tocando con mi banda. Muchos kilómetros, muchas actuaciones en muchos sitios… Hasta que llegó Camera Café y lo cambió todo.

- Como decíamos, te vimos en Camera Café como Arturo Cañas y ahora te vemos haciendo un personaje radicalmente diferente. Eres un actor, por lo que vemos, muy versátil. ¿Cómo afrontas dos personajes tan distintos?

Encantado de la vida. Creo que sería más difícil hacer dos personajes parecidos. Al ser tan diferentes, es un gustazo. El sueño de cualquier actor.

- Te hemos visto también en algunos monólogos en la Paramount Comedy. Parece que, pese a tu versatilidad, te tiran más los personajes cómicos. ¿Realmente te sientes más cómodo en la comedia? ¿Qué tipo de personaje prefieres interpretar?

Hombre, la comedia va un poco con mi naturaleza y sin humor no entiendo la vida en general, pero a mi lo que me gusta es actuar. Un buen personaje dramático, como el que hice en Arte, es un disfrute. En definitiva, a mi lo que me gusta es hacer personajes lo más variado posible.

- ¿Cómo es la experiencia de trabajar en televisión? ¿Es muy diferente del cine o del teatro?

Es más parecido al cine que al teatro, obviamente. En la tele es todo más rápido, con más prisas. En una jornada de tele se puede grabar el doble o incluso el triple que en una de cine.

- ¿Qué tal te llevas con tus compañeros de reparto en Doctor Mateo?

Aunque suene a tópico, genial. Creo que la experiencia de vivir todos juntos en Asturias nos ha unido a todos mucho. Es un ambiente muy especial y hay muy buen rollo. Si a eso le sumamos que Gonzalo de Castro es el payaso más grande que he visto nunca, ¿para qué te digo más?

- Adelántanos algo… ¿cómo seguirá la relación de Alfredo y Elena en su nueva casa en la tercera temporada? ¿Qué tal les irá con la convivencia con el doctor Sagredo?

Si te digo la verdad, poco te puedo contar porque estamos grabando el capítulo 7 de la 3ª y no se lo que va a pasar después. Esta pareja es cada vez más sólida, aunque si el doctor Sagredo se enamora de Elena, no se yo lo que puede pasar ahí…

- En cine, te hemos visto en Cabeza de perro, Alatriste o Los Managers. ¿Tienes algún proyecto a la vista en la gran pantalla?
Tengo dos películas para hacer, pero cada vez cuesta más levantar en proyecto de cine y no se cuándo las rodaré y ni siquiera si se llegarán a rodar… está la cosa mu mala…

- Ya has hecho teatro, televisión y cine. ¿Qué te queda por hacer en el mundo de la interpretación? ¿Cuáles son tus retos?

Me queda mucho, casi todo. Siento que acabo de empezar. Quiero hacer muchos papeles diferentes en cine o en tele. Escribir mis espectáculos. Actuar en muchos teatros que aun no he trabajado, grabar un disco… mil cosas.

- No podemos olvidar tu faceta de director. Dirigiste el cortometraje Tocata y fuga. ¿Cómo se te presentó esta oportunidad?

Más bien la busqué yo. Siempre he sido mucho de la auto gestión. Quería hacer algo con mi banda y con Antonio Dechent. Escribí el guión, lo presenté a las subvenciones, me la dieron, busqué una productora, un equipo, engañé a mucha gente y lo rodamos.

- Pero esto no acaba aquí. Además de esta faceta de realizador y la más conocida por la interpretación, sabemos también que eres un gran compositor y tienes una especial predilección por la música. ¿Prefieres la música a la interpretación o la dirección, o se trata de algo completamente diferente que puedes compaginar?

Para mi no hay nada comparable a tocar y cantar en un escenario con una buena banda. Es lo más. De hecho, en un futuro no muy lejano, espero dedicarme de lleno a la música. Por lo pronto, el próximo 30 de Julio tocaré con mi banda, “La Banda de la María” en la Sala Galileo de Madrid.

- Finalmente, ¿cómo ves el panorama de la ficción española? ¿Crees que nuestras series y películas pueden competir con las del mercado norteamericano?

Bueno, aquí en España puede que sí. Las series españolas se ven cada vez más. Cada vez tienen más calidad y a la gente le gusta más. Espero que siga así y se contagie al cine.

PANTALLAZOS:

- 3 series que adoras:

Weeds, La que se avecina, Los Soprano.

- 3 series que no soportas:

Cualquier culebrón.

- 3 personajes inolvidables:

Jack Nicholson en El Resplandor , Peter Sellers en El Guateque y, sobre todo: Jeff Bridges en El Gran Lebovsky.

- 3 personajes para olvidar:

Cualquiera de cualquier culebrón.

- 3 películas para recordar:

La vaquilla, Amanece que no es poco, La vida de Brian.

- 3 películas para olvidar:

Cualquier peli porno. No he conseguido terminar de ver ninguna.

- Mejor serie española:

Camera Mateo

- Muchas gracias por tu tiempo Alex. Síguenos deleitando con tus interpretaciones por mucho tiempo.

Gracias a ti. En Octubre volveré a hacer mi monólogo “Y tú, ¿de qué te ríes?” en la sala Triángulo de Madrid y en Noviembre en el teatro Capitol de Barcelona. Un beso.

¡Intentaremos ir a verte a Barcelona! No nos lo queremos perder.

Homosexualidad y televisión: 'Sexo en Chueca.com' da el salto a la televisión

2010-06-16T11:49:00.005+01:00

Se aproxima el día del Orgullo Gay. La homosexualidad está cada vez más presente en la televisión de hoy en día. Las ficciones nacionales e internacionales tratan de incorporar, cada vez más, personajes homosexuales a sus repartos. Estos personajes, unas veces mejor y otras peor, se mueven entre el resto de caracteres y tratan de ser uno más. Algunas veces se consigue normalizar al personaje, pero hay casos en que el personaje se estereotipa hasta el exceso y pasa a ser una parodia en si mismo. En otras ocasiones, los personajes gays son el motor de la propia serie. A propósito del estreno en La Siete de lo que fue una serie para Internet que ahora pasa a la televisión, Sexo en chueca.com, analizamos el tratamiento de la homosexualidad en distintas ficciones televisivas actuales y de hace algunos años.

La Siete de Telecinco estrena hoy miércoles, en horario de late night, Sexo en Chueca.com. La pasada temporada, la serie se emitió por la Red como una iniciativa emprendedora de la propia cadena para promocionar una ficción interactiva y multimedia. El experimento funcionó tan bien que ahora la serie se reinventará para saltar a la televisión en un formato de mayor duración, nuevas tramas , nuevos actores, y nuevos decorados. Dafne Fernández, Octavi Pujades, Nacho López, Laura More, Mario Angulo, Paco Hidalgo y Elsa Pinilla; son los nuevos actores que tratarán de transportarnos a este barrio madrileño en el que las aventuras amorosas homosexuales convivirán con las heterosexuales de una manera tan cómica, como natural.

Sexo en Chueca.com no es la única serie nacida en Internet. Los chicos de Lo que surja consiguieron llegar donde muchos no han podido. Lo que empezó como una serie hecha entre amigos, consiguió tener una gran repercusión en la Red y las visitas se multiplicaban en cuestión de horas. Ni ellos mismos podían creerse el éxito que les vino de repente. Los medios de comunicación se hicieron eco de este éxito repentino. Recibieron decenas de premios, algunos de ellos a nivel internacional, y ya están a punto de concluir la tercera y última de sus temporadas. No obstante, la serie, debido a su carácter amateur, presentaba personajes excesivamente estereotipados como la rata del ambiente o el gay que no ha salido del armario. A Lo que surja, le siguió otra serie, esta vez de mujeres, ubicada en Chueca, Chica Busca Chica. Esta serie ya contaba con una producción mayor y actrices profesionales que aumentaban la calidad de la misma.

Otras series nacionales incorporan personajes homosexuales en sus repartos como un carácter más. Desde Hospital Central, pasando por los Hombres de Paco, Física o Química y acabando por Al salir de clase, la primera serie española que mostró abiertamente la relación de dos hombres. En algunos casos se tiende al estereotipo, y en otras se resuelve bastante bien, como en el personaje de Maca en Hospital Central. Hay que resaltar el intento por normalizar también la homosexualidad femenina, que durante muchos años se ha considerado casi como un tema tabú y sólo se había mostrado la masculina a través de chicos muy afeminados y finos.

En Estados Unidos el primer beso homosexual romántico se vio abiertamente en la tercera temporada de Dawson’s Creek, cuando Jack McPhee se atrevía a besar a Ethan antes de que éste le rechazase. Después hemos visto tratar la homosexualidad en diversos ámbitos. Will & Grace la retrató desde la comedia, y las aclamadas Queer as Folk (basada en una mini serie británica con el mismo nombre) y The L Word se convirtieron en grandes referentes para el mundo gay. Las dos series de Showtime retrataban la vida de un grupo gay y lésbico, respectivamente, en donde los personajes tenían éxito, dinero y sexo, y los heterosexuales casi les envidiaban. Aunque se mostraba todo de una manera excesivamente exagerada y se mitificaba la homosexualidad, la calidad de ambas ficciones las llegó a convertir en series de culto. Brian Kinney se convirtió en un Dios y las chicas de The L Word corrieron cada una diferente suerte; desde Jenny a quien todo el mundo acabó odiando, hasta la idolatrada Dana que se convirtió en uno de los personajes más amados de la serie. The L Word contó con realizadores del mundo del cine que le dieron prestigio a la serie y firmaron capítulos verdaderamente maravillosos. Los personajes, en ambas series, tenían un background tan potente, que conectaban rápidamente con el espectador. Podíamos encontrar personajes de distinta índole que se iban alejando cada vez más del estereotipo. El personaje de Shane, en The L Word, se nos presentó como alguien que huía de las relaciones duraderas, hasta que rompió su faceta de rompecorazones al enamorarse de Carmen. y llegar a comprometerse con ella. Además, las dos series trataban abiertamente el sexo (muchas veces, demasiado explícito), el SIDA, la transexualidad, y el amor entre homosexuales, que no es más que el amor entre dos personas normales y corrientes. Ambas series se convirtieron en un referente para la comunidad homosexual, que veía sus problemas reflejados de una manera normal (una normalidad siempre ficcionada) y como podría verse en cualquier serie de relaciones heterosexuales.

Lo que deberíamos dejar claro a nuestros lectores, porque tanta belleza puede confundir; es que no todos los homosexuales son la belleza personificada. La televisión y el cine tienden a mostrarnos unos estereotipos que resultan exagerados al espectador. En el intento de normalizar la homosexualidad, se retrata a los personajes homosexuales como si fuesen todos modelos profesionales. No todos los gays ni las lesbianas son guapísimos; igual que ellos no tienen por qué ser afeminados, ni ellas tener apariencia masculina. Los gays y las lesbianas son gente corriente. Los hay de todo tipo, al igual que heterosexuales. Y eso es lo que debería retratarse en la pantalla para realmente normalizar la homosexualidad. No obstante, en muchos casos es de agradecer que se intente tratar con la mayor normalidad posible y se incluyan tramas para los homosexuales que no solo tengan que ver con su condición sexual.

Os dejamos con dos vídeos de dos grandes momentos con dos pares de parejas muy queridas por los seguidores, uno de Queer as Folk, y otro de The L Word, dos de las series que mejor han retratado la homosexualidad y que, opción sexual aparte, son dos grandes series que merecen ser vistas:

Una de actores: Virginia Maestro

2010-06-15T17:42:00.004+01:00

Que el arte se lleva en las venas y que un artista ha de ser polivalente son dos afirmaciones que no podrían ser más ciertas para la nueva actriz que nos acompaña hoy. Virginia Maestro, más conocida por su faceta de cantante en la banda Labuat, se estrena en la interpretación. Muñecas es el primer cortometraje dirigido por Paco Pérez y Virginia es una de las actrices protagonistas. ¿Cómo es el paso del mundo de la música a la interpretación? ¿Volverá a repetir? Hablamos con ella el pasado día 12 antes de una actuación acústica en el Harlem Jazz Club de Barcelona. ¿Queréis saber lo que nos contó?

Una larga cola espera a la puerta del Harlem Jazz Club unas horas antes de que empiece la actuación. Hay algunos jóvenes que de bien seguro vienen arrastrados por el fenómeno fan que arrastra Virginia tras ganar el famoso concurso televisivo, Operación Triunfo, en 2008. Pero nos encontramos también con gente más adulta que realmente valora su estilo y vienen a ver un buen espectáculo.

Entramos dentro y nos encontramos con Virginia a la guitarra y cantando el Hallellujah de Leonard Cohen. Tan sólo es la prueba de sonido y ya nos damos cuenta de que no se trata de la típica actuación de un ex triunfito. Cuando termina la prueba, Virginia se prepara el escenario y habla con su amiga Tania, a la que conoció en la Academia y con la que ha seguido una buena amistad. Tania llegará unos minutos después. Cuando acaba de atender todos sus asuntos, Virginia nos atiende antes de entrar al camerino. Sus grandes ojos azules casi llegan a intimidar. Ahora entendemos por qué la llamaban la "niña azul". Le brilla la mirada cuando nos habla, muy ilusionada, sobre su incursión en el mundo de la interpretación.

- Hace unos meses rodaste en Barcelona Muñecas, el primer cortometraje de Paco Pérez. ¿Cómo surgió la oportunidad de meterte en el mundo de la interpretación?
Hace un año y pico estaba en un local de aquí de Barcelona que se llama Arena y Paco, el director, estaba allí también. Se me acercó y me dijo: “estoy preparando un guión para un cortometraje y quiero contar contigo. ¿Lo harías?” Y yo le dije que claro, que me pasase el guión. Y al año o así, contactó conmigo. Hace unos meses contactó con la compañía, la compañía me lo dijo, me leí el guión; me gustó… Tenía un papel para hacer de hermana mayor de tres hermanas, una niña de 19 años… era muy sencillo y la verdad es que siempre he tenido el gusanillo ese de querer interpretar … Nunca me he atrevido, pero siempre me ha apetecido.

- ¿Qué tal fue la experiencia?
La verdad es que había secuencias que me costaban más sobre todo por el acento porque cuando tienes que hacerlo neutro y eres andaluz como es mi caso, a veces la frescura que tienes al decir una frase con tu acento natural pues no es la misma que si de repente te dicen “repite otra vez que suena muy andaluz”. Pero hubo algunas secuencias que realmente, aunque quede mal que lo diga yo, sí que sentí que lo estaba haciendo bien y fue cuando más lo disfruté. Y por primera vez me di cuenta de que me llenaba y dije: aquí pasa algo. Y a partir de aquí pensé: pues me voy a interesar un poquito más por esto.

- ¿Te gustaría repetirla?
Ojalá repita, Ojalá me surja la oportunidad… También las estoy buscando, estoy preparando un videobook… Me estoy interesando, a raíz de eso, por el mundo de la interpretación.

- Has trabajado con una gran actriz a tu lado, la gran Victoria Vera. ¿Crees que te ha ayudado tener a una actriz de tanto nivel para tu primera incursión en la interpretación?
Es una mujer con unas tablas… Sobretodo me sorprendió la facilidad para estar hablándote de que si el maquillaje no se qué, que la luz no se cuantos… y como cambiaba el chip cuando decían “acción”. Súper rápido. Una gran capacidad para desconectar. Y la vi muy en su sitio, una mujer muy experimentada.

- ¿Podrías avanzarnos un poco sobre el argumento?
Victoria Vera es la que hace de mamá. Yo soy la mayor de tres hermanas. La verdad es que la historia no tiene nada de particular entre comillas, aparentemente. Es una historia sencilla que tampoco quiero contaros mucho, pero estamos muy acostumbrados a ella. Es una historia familiar en un entorno familiar que pasa todos los días. Pero está contada desde un punto de vista un poco almodovariano . No sé, me parece gracioso por los colores, por la actitud de cada personaje. Cada personaje en si, sin el papel del corto, es ya un personaje, creo yo. Yo destacaría también el feeling que hay entre los personajes y los tonos del corto. No la historia en si; la historia es muy sencilla pero yo creo que puede estar muy entretenida.

- Has grabado varios videoclips de tu disco, que al fin y al cabo son también como pequeños cortos, pero, ¿cuán diferente ha sido el rodaje de un video musical a la grabación de un cortometraje de ficción?
Sí bueno, el segundo videoclip, “De pequeño”, sí tenía ya un poco de actitud interpretativa. Pero no es lo mismo. No es lo mismo porque cuando tienes la cámara sin música y sin nada, tienes que transmitir algo, no es sólo soltar un texto y ya está. Tienes que transmitir con tus gestos, con tu mirada… que sea fresco, que sea natural … Son muchos factores a tener en cuenta, pero sí que es verdad que en la parte de la cámara sí que iba como más experimentada. A mi las cámaras hoy en día ya no me intimidan. Y no sé, la verdad es que fue un trabajo muy intenso de 5 días full desde por la mañana súper temprano hasta última hora de la noche. Pero coincidimos un grupo de personas que de repente congeniamos muy bien. Yo nunca había estudiado interpretación ni he estudiado y estaba rodeada de gente que llevaba como poco 3 años estudiando interpretación. Y la verdad es que me ayudaron mucho. Hicimos terapia en equipo y la experiencia me moló mucho, la verdad. Me llevo un recuerdo genial y estoy deseando que salga en septiembre pero también estoy muerta de miedo porque no he visto el montaje y no sé si me voy a gustar o voy a salir corriendo y voy a decir: Virginia, nunca más.

- ¿Vas habitualmente al cine?
Voy mucho al cine y veo mucho cine en casa. Me gusta desde pequeña. La verdad es que en mi casa siempre… como en la música… bueno, en la música bastante más; pero siempre me han inculcado en casa para ver mucho cine; desde el cine clásico en blanco y negro, hasta el de hoy en día.

- Y, ahora cambiemos de tema y hablemos de la música, ¿para cuándo podremos escuchar algo de tu nuevo disco?
Pues lo más que te puedo decir, que además va en relación con el cortometraje, es que dos canciones de las que salen en el corto las he compuesto y cantado yo. Hay una, en una secuencia, que he compuesto a medias con Iñaki García que es el pianista con el que voy a tocar esta noche y el productor de mi disco, con el que lo he estado coproduciendo. Otro de los temas es mío. Iba a meterse en el segundo disco pero se quedó fuera y no quería perder esa oportunidad de tener ese tema que me gusta mucho. Supongo que ya lo podréis descubrir en septiembre que es cuando más o menos saldrá el corto.

- Te diste a conocer en un programa que algunos critican bastante, Operación Triunfo. Pero, ¿crees que te marcará siempre el haber entrado en la academia?
Más de una vez me entran ganas de decir: sí, gané Operación Triunfo y ¿qué pasa? ¿Por eso ya no puedo hacer buena música? De hecho, me da mucha rabia. No reniego de lo que hice porque tenía 25 años, tres euros en el bolsillo, vivía en Sevilla y estaba muy lejos de poder hacer un contrato con una discográfica para empezar una carrera. Y fue la única alternativa que se me ocurrió y tuve la suerte de pasar un cásting en el que es bastante complicado que te cojan. Y tuve también la suerte o la mala suerte de ganar, eso no lo sé… porque de cara al público, Operación Triunfo y tener la peste parece que viene a ser lo mismo. Y la verdad es que llevo dos años trabajando en eso; en intentar desvincularme del estigma de OT pero no porque yo reniegue de lo que hice, si no porque la gente tiene el concepto de que quien ha estado en OT hace música hortera y, como entendemos hoy en día, comercial. Pero yo quiero pensar que la música comercial que yo quiero hacer no es la música comercial que entiende la gente; si no que puede haber buena música que llegue a mucha gente. Pero bueno, ahí estoy; en el camino de currármelo y hacer bolos como el de hoy y hacer la música que me gusta. Lo que quiero es que la gente al escuchar “Virginia Maestro” o “Labuat” no diga: buff, la “esta” de OT. Pues mira, sí, estuve en OT. Lo gané, sí. Pero también sé componer, sé tocar la guitarra, sé cantar… y no canto lo que la gente se cree por el estigma que tengo. La verdad es que es como una losa y me da mucha rabia porque por un lado te abre una puerta, pero luego de repente te la cierra de golpe. Se meten en Internet y ven tu nombre y ven que has estado ahí y dicen: no, no; yo de esta no quiero saber nada. Pero les invito a que vengan a los conciertos y entonces juzguen.

- Vemos día a día que la crisis está afectando a todos los ámbitos de la cultura también. ¿Cómo ves el panorama cultural español?
La verdad es que llega un punto que dices: me sale más barato regalar los discos y que por lo menos me conozcan y así que vengan a los conciertos. Porque entre la crisis, la piratería que viene ya desde hace mucho tiempo y todo, parece que nadie va a comprar un disco. Pero también es el momento en que más música escucha la gente por el Spotify o bajada. Internet es una plataforma para darte a conocer muy buena y eso es estupendo para un concierto y para que la gente te conozca sin necesidad de gastarse la pasta que se gasta. Lo que la gente no sabe que no está en mi poder el elegir que un disco cueste 17 euros o no. Es la distribuidora quien sube siete u ocho euros que se van a quedar ellos; es decir, El Corte Inglés, la FNAC y todos estos sitios. Y claro, te suben al doble el precio del disco y luego la gente dice que es muy caro. Pues sí, es muy caro pero yo es que no puedo hacer nada. Ojalá pudiese poner de repente el precio del disco a cinco euros y que estuviera en El Corte Inglés, lo cual es inviable; o hacer otro tipo de promoción del disco de otra manera. No es compatible. Internet y vender un disco a 16 euros, no es compatible.

- Y para acabar, ¿crees que se apuesta bastante por nuevos talentos, tanto en música como en cine? Porque, ¿cómo puede alguien darse a conocer? Si entras en un programa como Operación Triunfo te critican pero si no, ¿qué haces?
Es muy complicado. Eso sí que no lo sé. Yo he estado desde los 15 años, con la guitarra colgada, pisando bares, pubs y salas donde tocar. A los 25, un día que estuve ya a punto de ni presentarme porque ya iba como cabreada porque pensé que no me iban a coger porque yo no canto la música esta que suelen cantar en este programa. Al final me cogieron; y gané. La vida da mil vueltas y gira, gira y gira. Y no sabes si vas a estar toda tu vida intentándolo y por algo ajeno a ti, vas a tener un punto de suerte; o si lo vas a buscar en un sito en concreto que ya tenga prejuicios y lo vas a conseguir o no. Yo creo que nada es mejor ni peor. Creo que hacer una carrera artística, ya seas pintor, cantante, compositor o lo que sea; es muy difícil hoy en día porque hay mucha competencia. Y además con la piratería, en el cine y en la música; pues ganarte la vida con esto es muy difícil . Yo le diría a la gente que quiera intentarlo, ya se más joven o más mayor; que lo busque por todos los cauces que pueda y que llame a todas las puertas que pueda. La verdad es que ahora no le aconsejaría a nadie que se presentase o no a Operación Triunfo porque no lo sé. Para mi ha tenido muchas cosas buenas y muchos puntos negativos también. Como os he contado, me cierra muchas puertas a la hora de tener credibilidad musical. Pero también te abre muchas plataformas que antes tenía fuera de mi alcance. Tal y como están las cosas, yo creo que nadie está en posición de negarse a nada. Pero sobretodo que cada uno crea lo que tenga que creer y que siga sus principios a saco. Ese es el mejor consejo: sigue tu instinto.

La charla con Virginia ha sido verdaderamente agradable. Ahora empezará el concierto que nos deja realmente sorprendidos. Ya la habíamos visto en concierto otras veces, pero hoy está realmente animada y conecta con el público y éste le responde. Su dulce y particular voz calla a todos aquellos que en la Academia le decían que desafinaba. Tiene un estilo propio. Antes de llegar a mitad del concierto se descalza; le molestan los tacones y con toda naturalidad, se los quita. Pero el concierto acaba con una gran versión de "Mujer contra mujer", de Mecano. Nadie quiere irse, e incluso algunos a esperan a la salida. Los fans le son fieles hasta el final, se nota cuánto la apoyan.

Nos despedimos de Virginia y le damos las gracias por concedernos esta entrevista. Esperamos verla pronto en el estreno de Muñecas en el que realmente podremos valorar su interpretación que estamos seguros que estará a la altura.

Os dejamos con un tema cantado en el pasado concierto.

Más sangre, sexo y colmillos en la tercera temporada de True Blood

2010-06-15T11:06:00.005+01:00

La cadena de cable estadounidense HBO estrenó el domingo la tercera temporada de una de sus series más exitosas, True Blood, creada por Allan Ball. El primer capítulo de la nueva temporada articuló de nuevo algunos de los elementos básicos que identifican a la serie: fantasía, terror, sexo, sangre, misterio, amor y golpes de efecto. Durante las dos primeras temporadas, la serie fue fiel a estos ingredientes y los hizo funcionar de forma efectista y resultona. Parece ser que esta nueva temporada que viene a refrescar el verano con sangre fresca sigue por el mismo camino. Si los últimos capítulos de la anterior temporada abrieron ya nuevas tramas y plantearon interrogantes, en especial con el cliffhanger final, el capítulo del domingo sirvió para sumar expectativas a las historias de todos los personajes.

Con la tercera temporada, parece ser que True Blood se decidirá por exprimir más a los personajes y profundizar en algunos que quizás no se habían aprovechado lo suficiente. Este es el caso de Jessica, la joven chica a la que Bill convirtió en vampiresa, que tiene que combatir contra una adolescencia más ardua de lo normal, porque no sólo convive con el ataque de hormonas propia de su edad, sino que además es atacada por unos instintos vampíricos difíciles de controlar. Como muestra esta adolescencia multiplicada, el mundo vampírico sirve a los creadores de la serie para exagerar nuestro propio mundo y presentárnoslo agrandado. De esta fórmula se sirven otras temáticas habituales de la serie como el racismo, la intolerancia, el fanatismo o las drogas.

Por otro lado, los nuevos capítulos prometen contarnos más sobre dos personajes en busca de sus orígenes: Sam (que quiere encontrar a su familia) y Sookie (que ya en la segunda temporada empezaba a sospechar que no era del todo humana).

También será interesante adentrarnos algo más en el calvario de los vampiros, seres que, por estar ya muertos, son inmortales. Y se aburren de sus vidas eternas, lloran sangre, no pueden vivir bajo la luz del sol y viven el sexo de una forma especial. Al lado de éstos están los humanos, que difícilmente pueden soportar la idea de envejecer, enfermar y morir al lado se sus compañeros nocturnos.

Además de adentrarse más en los personajes, la serie seguirá abriéndose al mundo mágico, con la entrada en escena de los hombres lobo, el problema del tráfico de sangre V dentro del propio mundo vampírico y el mayor contacto con la jerarquía de los vampiros. Pequeñas dosis de novedades para mantener bien vivo el universo cada vez más consolidado de True Blood, que sabe cómo jugar bien sus cartas de siempre.

'Don Quijote' a lo 'Piratas del Caribe'

2010-06-15T10:39:00.001+01:00

Cuando aún no se ha terminado de rodar la esperadísma película de Terry Gilliam sobre Don Quijote de la Mancha, encontramos la noticia de que quizás otra adaptación nos llegue incluso antes a nuestras pantallas. La Warner prepara una nueva versión sobre el clásico de Miguel de Cervantes y lo incorpora a la “vía rápida” de producción, lo que significa que su estreno podría producirse en 12 o 18 meses. Aunque poco se sabe todavía acerca de la producción, sí hemos conocido que la producirá Jon Silver. Silver es conocido por haber producido Matrix o Sherlok Holmes. Podemos suponer pues que la obra de Cervantes se reinventará para convertirse en una cinta de aventuras a lo Piratas del Caribe.

Esta nueva superproducción de la Warner tratará la vida de un Don Quijote que no está loco y se enfrenta contra molinos de viento, si no que los enemigos con los que luchará serán reales en un mundo fantástico pero terrenal y tangible. Será, por lo tanto, más que una adaptación, una nueva película de aventuras que seguramente acabará por convertirse en un éxito.

Era de esperar que Hollywood se interesase por una de las obras más grandes de la literatura de todos los tiempos. Es más, el todopoderoso Jon Silver ya demostró su interés por el arte de la pluma al producir las aventuras del detective Sherlok Holmes. Parece ser casi todas las obras producidas por Silver acaban siendo un éxito, por lo que podemos esperar que la adaptación del Quijote también lo sea. No obstante, debemos recordar que entre la filmografía producida por Silver, encontramos también grandes fracasos como Speedracer.

Mientras tanto, Terry Gilliam sigue a su ritmo en la producción de su propia versión, The Man Who Killed Don Quixote. El rodaje de esta cinta se ha visto interrumpido en varias ocasiones por una serie de infortunios que hacen que la película esté tardando más de lo esperado. De hecho, se empezó a rodar hará unos diez años con Jonnhy Deep, pero la obra no llegó a terminarse. Este film que ahora ha reemprendido su grabación, girará en torno a un director de cine (Ewan McGregor) que será confundido por Don Quijote (Robert Duvall) y tendrá que ayudarle a buscar a su eterna amada. McGregor se convertirá involuntariamente en su Sancho Panza.

La versión de Gilliam parece, a priori, mucho más atractiva que la de la Warner, que si no me equivoco, acabará convirtiéndose en una superproducción en la que se acabarán desdibujando los personajes en beneficio de una desmesurada carga de acción. Tendremos que esperar a ver las dos para opinar.

Cinema Jove 2010: 25 años apostando por el cine

2010-06-14T20:21:00.002+01:00

El Festival Internacional Cinema Jove celebra este año su 25 aniversario. Valencia se vestirá de gala para conmemorar el cuarto de siglo de este festival en donde podremos ver "el mejor cine internacional con autores jóvenes pero con carreras intensas", según afirmó su director, Rafa Maluenda. Con motivo de este aniversario, además de las proyecciones oficiales, se han programado diversas actividades como un ciclo especial, una exposición y podremos asistir también a la presentación de un libro conmemorativo. El Festival dará su pistoletazo de salida el próximo sábado 19 y se alargará hasta el sábado 26 de junio. La Pantalla Mágica intentará exprimir al máximo su tiempo para que no os perdáis ni un detalle de lo que pasa en la capital del Túria. De momento, este fin de semana se han dado a conocer los títulos de los largometrajes y cortometrajes que participarán en la sección oficial. ¿Les echamos un vistazo y vemos qué tal pintan?

La sección oficial de largometrajes contará este año con nueve títulos no estrenados en España. La muestra contiene siete obras de directores noveles que aspiran a la Luna de Valencia junto a otros directores ya consagrados a nivel internacional. El gran número de realizadores primerizos demuestra el gran interés del Festival por apostar por nuevos talentos.

- Gainsbourg, de Joann Sfar, un biopic inusual sobre el compositor de la controvertida Je t’aime… moi non plus que cuenta entre el reparto con la top model Laetitia Casta en la deseada piel de Brigitte Bardot, será la encargada de abrir el Festival.

-J'ai tué ma mère, de un jovencísimo canadiense Xavier Dolan (21 años). Fue seleccionada para optar al Oscar a la mejor película extranjera por su país y ganó tres premios en Cannes 2009. Está protagonizada por él mismo.

- Street Days, de Levan Koguashvili, se zamublle en la corrupta sociedad de la capital de Georgia, Tblisi.

- Eamon, ópera prima de Margaret Corkery, es una agridulce comedia sobre las modernas costumbres sexuales en Irlanda. Uno de los cortos de Corkery, Afternoon, ganó la Luna de Valencia 2005.

- Father's Acre, de Viktor Oszkar Nagy, drama húngaro con reminiscencias a la escritura del dramaturgo ruso del siglo XIX, Iván Turgénev.

- Mall Girls, de la polaca Kasia Roslaniec, trata las entrevistas que la realizadora hizo durante varios años a través de una red social. El debate nacional se ha alzado en Polonia por esta cinta porque aborda la decadencia moral que afecta a los menores de esta sociedad, 20 años después de la caída del comunismo.

- El fruto, de los argentinos Miguel Baratta y Patricio Pomares, es el híbrido entre ficción y realidad en la vida en Carlos Keen, un pequeño poblado de unos 400 habitantes en el interior de una provícina de Buenos Aires. Lo más destacable es que los personajes son los propios habitantes del pueblo, que no habían actuado nunca.

- Submarino, del veterano cofundador del movimiento Dogma en Dinamarca, Thomas Vinterberg.

- Bad Family, del también veterano. Aleksi Salmenperä.

Los 67 seleccionados en la Sección Oficial de cortometrajes podéis verla al completo aquí. La lista es muy extensa y no podemos comentarla toda pero destacamos la sección "Actores tras la cámara" en la que podremos ver los cortometrajes dirigidos por Leticia Dolera, Marta Dolera o Álex Brendemül, entre otros. Esta sección busca diversificar en torno a la ficción, documental, animación y experimental.

Como habíamos comentado, para conmemorar el cuarto de siglo del Festival, se ha programado un ciclo que resume la trayectoria de 13 reputados cineastas que pasaron por el certamen valenciano antes de consolidar sus carreras como directores. La iniciativa consiste en proyectar las películas con las que se dieron a conocer através de Cinema Jove, emparejadas con sus últimos films. Algunos de estos autores son el belga Joachim Lafosse, el rumano Cristian Mungiu, los uruguayos Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll, el australiano de origen neozelandés Andrew Dominik, el alemán Hannes Stöhr, el estadounidense Bryan Singer y la alemana Maren Ade.

25 años inquietos (1986‐2010) es el libro publicado también para esta ocasión el que, según palabras del director, Rafael Maluenda: “ se pretende aportar una primera aproximación, quizá de urgencia, a uno de los eventos cinematográficos más singulares, con una medida evolución de 25 años, donde cada paso se ha dado evitando bandazos y cambios bruscos de rumbo". Maluenda marca el eje de la publiacción que recopila textos encargados a cineastas, críticos de cine, analístas y colaboradores del Festival.

Además, con motivo del aniversario, podremos asistir también a la exposición fotográfica de Daniel García Sala, el fotógrafo oficial de Cinema Jove. Allí estarán recopilados los 25 años de Festival vistos a través de un objetivo. La exposición contará de 140 fotografías.

Por último, nos gustaría destacar el Premio "Un futuro de cine" que se entregará a la actriz Natasha Yarovenko por la proyección de futuro que han visto en ella. La actriz ha sido una de las últimas musas de Médem en Room in Rome y estará en Cinema Jove 2010 para recoger este premio tan alentador.

Estas, y muchas otras actividaes en Cinema Jove 2010. No os perdáis los especiales de La Pantalla Mágica.

'Persons Unknown', las series son para el verano

2010-06-14T09:09:00.002+01:00

El pasado lunes siete de junio la cadena estadounidense NBC estrenó lo que será una de sus apuestas para este verano, Persons Unknown. Después de haber estado rondando meses y meses por la cadena, finalmente han decidido emitirla en esta época que podríamos considerar como un mal momento para estrenar una serie. Parece ser que las series de “segunda” se estrenan en esta campaña estival para llenar el vacío de las grandes series que están acabando sus temporadas hasta esta misma semana. Se supone que son series ligeras para una época del año en que se suele ver menos la televisión. Pero, ¿de qué va Persons Unknown? Pues la premisa sobre la que se sustenta es muy pero que muy interesante. La serie narra la historia de un grupo de personas desconocidas y sin relación aparente entre ellas, que un día despiertan en un hotel de un pequeño pueblo desierto. Todos han sido secuestrados de diferentes lugares del país y nadie sabe por qué está ahí. Lo único que saben es que están siendo vigilados constantemente por cámaras de seguridad y que podrían acabar muriendo allí. La historia suena interesante pero, ¿entonces por qué se ha dejado una serie tan aparentemente potente para esta temporada?

En primer lugar, la premisa, aunque interesante, no es tan original como pensamos. La historia es la mezcla del Gran Hermano de 1984 de George Orwell, con el aislamiento que ya proponía la saga de películas Saw o hasta incluso The Prisoner. No nos engañemos, aunque no sea lo más original del mundo; no es una mala combinación. Esta mixtura de influencias podría llegar a convertirse en algo muy interesante pero, el problema principal es otro. Después de ver su primer capítulo, creo que estamos ante lo que podríamos llamar “síndrome Flashforward”.

El “síndrome Flashforward” podríamos definirlo como aquella trama que resulta interesante por si misma pero que se ve ahogada por la mala construcción de sus personajes. En la cancelada serie de ABC teníamos un inicio potente, como lo tenemos aquí; pero los personajes no tenían verdad en si mismos y actuaban de una manera que resultaba extraña a ojos del espectador. En Persons Unknown tenemos más de lo mismo.

Lo primero que nos llama la atención es la facilidad con la que asumen su cautiverio y la extraña situación a la que han sido llevados. Lo mismo ocurrió con Flashforward, en donde los personajes rápidamente asumieron que lo que habían visto era su futuro, sin preguntarse siquiera por qué. Pero además, los personajes de la serie de NBC, están extremadamente estereotipados. Tenemos a Joe, el claro líder con un secreto sobre su pasado que no quiere revelar. En el primer capítulo ya vemos también una clara tensión sexual con su partener femenino, Janet, la madre abnegada que necesita volver con su hija. Pero tenemos más; tenemos a un soldado yankee que no para de hacerse el valiente y cada dos por tres, en situaciones difíciles, les dice al resto: “tranquilos, este es mi trabajo”. Tenemos también a un vendedor de coches muy temperamental que no creemos que dure mucho y a una rubia guapa que fue secuestrada mientras estaba de fiesta. Y así, podíamos seguir con el resto, pero creemos que no hace falta porque este tipo de personajes nos lo sabemos ya de memoria.

A pesar de estos personajes mal desarrollados (que esperemos comiencen a evolucionar en el nuevo capítulo de esta noche), hemos de destacar también algunas cosas buenas como la combinación en la realización de planos normales con planos supuestamente grabados por las cámaras de seguridad. Al ver la perspectiva de estas cámaras nos sentimos atrapados con los protagonistas y, por supuesto, nos preguntamos quién hay detrás. De ahí, los interrogantes se multiplican debido a la extraña atmósfera de la serie. ¿Qué quieren de ellos? Bueno, aunque muchos hayan criticado que se planteen tantos interrogantes, yo creo que es interesante para mantener la tensión en una historia que, sin estas cuestiones, creeríamos ya haber visto antes.

Destacamos también el momento galletas de la fortuna que será lo que propiciará el cliffhanger de turno para dejarnos con el corazón en un puño por saber cómo actuará la madre amantísima, Janet. Esperemos que los cliffhangers no se conviertan en lo que fueron en el Flashforward de sus inicios y podamos ir resolviéndolos poco a poco, sin dejarlos de lado en los próximos episodios.

Y para concluir, otro apunte malo (vaya, parece que lo malo gana a lo bueno), bajo nuestro punto de vista. En este primer capítulo en el que se intentan contar demasiadas cosas, no era necesario meternos ya en la narración paralela con el exterior en la que un policía súper entregado por la causa, comienza a investigar la desaparición de Janet. Personalmente, preferiría que no me hubiesen sacado de ese pueblo fantasma porque no me interesa la historia de el típico policía que adora su trabajo. y lo da totdo por la causa La historia que nos interesa es la de los secuestrados, siempre y cuando nos la cuenten bien contada. Tendremos que esperar a ver cómo se va desarrollando la trama para poder juzgarla con un mejor criterio. La serie, para bien o para mal, está dirigida por Christopher McQuarrie, director que ganó un Oscar por The Usual Suspects.

De momento, os dejamos con el tráiler y, ahora que estamos de sequía, os recomendamos verla para que juzguéis por vosotros mismos.

Como apunte, fijaros en dos cosas: ¿la tipografía del tráiler no os recuerda sopechosamente a la de Flashforward y su "On October 6th..."? Y también fijaros que el vídeo lleva colgado en Youtube hace un año, así que imaginaros cuánto tiempo lleva la serie rondando por ahí. Esperemos descubrir pronto si merecía haber seguido guardada en un cajón.

Una de actores: Ricard Sales

2010-06-13T18:25:00.004+01:00

Hoy en “Una de actores” tenemos con nosotros a Ricard Sales, al que muchos de vosotros conoceréis por su papel de Gus en Hospital Central o, el más reciente, Arturo Reverte de la aclamada Gran Reserva. Este actor barceloní se ha formado en el Actors Center de Londres y, aunque su carrera se ha desarrollado principalmente en el teatro, le vemos cada vez más en nuestras pequeñas pantallas. Conozcamos un poco más a Ricard que ha respondido con mucho gusto a las cuestiones que La Pantalla Mágica le ha planteado.

- En primer lugar, muchas gracias Ricard por tu tiempo. Sabemos que has interrumpido tus vacaciones para atendernos.

Es un placer.

- Tu carrera ha ido hacia arriba poco a poco. Has pasado de ser un secundario en ficciones españolas, a ser uno de los protagonistas en una de las series de más éxito del momento, Gran Reserva. ¿Cómo ha sido el camino hasta llegar a este punto?

Ha sido muy gratificante. He tenido la oportunidad de trabajar en múltiples proyectos y con muchos directores y actores increíbles. He aprendido mucho de ellos y me han permitido interpretar gran variedad de personajes. Ha sido un rodaje personal increíble.

- ¿Siempre has querido ser actor?

Desde los 14 años. A esa edad rodé mi primera película Un amor claro oscuro. Enseguida lo vi claro y mi vida se centro en formarme y prepararme para poder vivir de ello. Realmente tienes que tenerlo muy claro y sentir una vocación muy grande, porque el camino suele ser largo y duro. Yo jamás me rendí y ahora parece que es el momento de empezar a recoger los frutos de lo sembrado.

- Podríamos decir que tu primer gran papel lo tuviste en Hospital Central. ¿Qué supuso para ti trabajar en una serie tan consolidada por la audiencia?

Por supuesto que fue una gran oportunidad, por que empezó a abrirme puertas en el mercado de la ficción televisiva en Madrid. Hasta el momento yo había trabajado mucho en teatro y en tv movies, pero su repercusión no era la misma que una serie de éxito como Hospital Central. A pesar de ello no diría que ese fue mi gran papel. Los dos papeles de los que me siento más orgulloso hasta el momento son en dos tv movies: Comme sur des roulettes una película francesa dónde interpretaba a un enfermo con una miopatía severa y No estás sola, Sara dónde daba vida a un maltratador.

- Después de tu paso por esta serie, volviste a Barcelona para interpretar a Miki en Ventdelpla. ¿Cuán diferente era el ritmo de trabajo de una seria a otra?

Todas las series tienen un ritmo muy parecido. Básicamente ágil. Ambas eran series que llevaban tiempo en antena y el equipo técnico tenía muy por la mano las localizaciones y los tiros de cámara que funcionaban. Era llegar ensayar y a rodar.

- ¿Cómo surgió la oportunidad de participar en una serie de la envergadura de Gran reserva?

Supongo que Carlos Sedes (director) tuvo mucho que ver, a pesar de demostrar en el casting de la serie que daba la talla para el papel. Ambos habíamos trabajado juntos en No estás sola, Sara y al final del rodaje me comunicó que le gustaría contar conmigo para Gran Reserva. De todas formas, reitero, Ramon Campos (productor de la serie) jamás me hubiera cogido si no confiara también en mí para el papel.

- Allí compartes protagonismo con grandes del panorama español como Ángela Molina o Emilio Gutiérrez Caba. ¿Cómo es trabajar con actores tan consagrados?

Es todo un gustazo. Y no solo con ellos, actores de la talla y potencial de Francesc Garrido, Tristan Ulloa... Cada día comparto con ellos todo su arte y ejerzo de esponja. Intento empaparme de todo lo que ellos saben.

- ¿Sentará la cabeza Daniel y dejará de ser tan impulsivo?

Esa, al igual que otras muchas preguntas, son incluso para mí una incógnita. A ver que se les ocurre a los guionistas para la segunda temporada…

- ¿Qué tiene Ricard Sales de Daniel Reverte?

Ambos somos muy impulsivos. Tengo mucho temperamento, y me considero una persona visceral, pero me controlo bastante más que Daniel. Digamos que no meto tanto la pata.

- Gran Reserva es la serie más vista de los jueves actualmente. ¿Por qué crees que ha tenido tan buena acogida por la audiencia?

Porque tiene todo lo necesario para gustar. A nivel de tramas, tiene intriga, amores y desamores, traiciones, celos, envidias, secretos… y luego está enmarcada bajo una producción exquisita. Me siento orgulloso de estar haciendo un proyecto tan serio y cuidado.

- ¿Tendremos una segunda temporada?

Parece ser que si la audiencia nos sigue apoyando así nos la vamos a ganar a pulso, ¿no?

- Próximamente te veremos en Ermessenda, el nuevo proyecto de Lluís Maria Güell que narra la vida de Ermessenda de Carcassona, condesa de Barcelona, Girona y Osona. ¿Cuál es tu papel en esta mini serie?

Interpreto a Roger de Tosny, el jefe de un ejército de mercenarios normandos que son contratados por la condesa para expulsar a los sarracenos de la península. Creo que el resultado de esta película será increíble. La ambientación es alucinante y también la escudan un cartel de actores de primera.

- Has participado también en varias películas cinematográficas. Pero, ¿veremos próximamente a Ricard Sales en el cine? ¿Cuáles son tus proyectos más inmediatos?

Hay un par de proyectos merodeándome, pero me disculparéis que no hable de ellos. Aquí las producciones caen o cambian de un día para otro y la verdad es que no me gustaría gafarlo anunciándolo antes de tiempo. Así que me lo guardaré bajo secreto de sumario…

- ¿Qué te queda por hacer?

¡De todo! Y cuando acabe me gustaría volver a interpretar todos los personajes que ya haya interpretado para intentar superarme.
-
- ¿Cine, teatro o televisión? ¿Qué prefieres?

Imposible escoger. Cada género tiene su magia. Es como si te dicen ¿Carne o pescado? Que aburrida sería una dieta solo de carne, ¿no?

- Y la pregunta final que hacemos a todos nuestros invitados. Parece que la ficción española está en alza. ¿Crees que llegará el día en que nuestros productos podrán competir con los norteamericanos?

¡Ojala! De momento se está empezando a arriesgar con los proyectos y la calidad es cierto que está mejorando mucho, pero aún nos queda por llegar a la altura de las series yankees. Piensa que solo en producción invierten más que nosotros en una película de cine. Eso es una gran ventaja, pero todo se andará.

- Muchas gracias Ricard por tu tiempo y enhorabuena por tu trabajo.
- Gracias a vosotros. Hasta pronto.

PANTALLAZOS:

- 3 series que adoras
Lost

Entourage

Extras

- 3 series que no soportas
Diréis que no me mojo, pero lo que no soporto lo olvido enseguida.

- 3 personajes inolvidables
Daniel Day-Lewis My left foot, Marlon Brando Streetcar named desire, o El último tango en Paris Javier Bardem Before night falls

- 3 personajes para olvidar
Alguno mío por desgracia

- 3 películas para recordar

Jamón Jamón de Bigas Luna, La ley del deseo de Pedro Almodóvar y Vacas de Julio Medem

- 3 películas para olvidar

Me olvidé

- Mejor serie española

Gran Reserva

Ha sido un placer tener a Ricard con nosotros. Esperemos que le sigan yendo tan bien las cosas. Desde aquí le deseamos toda la suerte del mundo.

Elena Anaya protagonizará el nuevo film de Almodóvar

2010-06-13T10:29:00.002+01:00

Aunque durante mucho tiempo se había estado barajando el nombre de Penélope Cruz para el papel, finalmente será Elena Anaya la que protagonizará La piel que habito, la nueva película de Pedro Almodóvar que comenzará a rodarse en agosto. La ausencia de Cruz debida a su papel en la cuarta entrega de Piratas del Caribe, ha facilitado la entrada de Anaya, que pasará a convertirse en la nueva "chica Almodóvar". La nueva musa del director manchego estará acompañada de la veterana Marisa Paredes y de Antonio Banderas, que vuelve a trabajar con el realizador después de 21 años.

Elena Anaya ya había colaborado con Almodóvar en un pequeño papel en Hable con ella, pero esta vez será la protagonista absoluta del film. Sus últimos papeles en películas como Room in Rome, Hierro o Sólo quiero caminar, la han avalado como lo que ya veníamos viendo, una gran actriz que dará mucho que hablar en los próximos años. A sus 34 años, ha participado ya en más de una veintena de películas, algunas de ellas, fuera de España. Parece ser que ha sido Room in Rome, la última cinta de Médem, la que mejores críticas le ha traído y la que le va a abrir muchas puertas en el mundo de la interpretación.

El nuevo proyecto de Almodóvar será una adaptación cinematográfica de la novela Tarántula de Thierry Jonquet, publicada en 1995. Almodóvar lleva años escribiendo versiones de esta obra, hasta que finalmente ha decidido rodarla. La pelícual, en palabras del propio Banderas, amenaza con ser dura y provocadora como las de la primera época del director. Él mismo ha afirmado que tratará de retratar una situación límite que afectará a dos personajes. Será un film de terror, pero sin gritos ni sustos.

La piel que habito cuenta la historia de un cirujano plástico (papel que encarnará Banderas), cuya hija es violada. El personaje de Banderas emprenderá una terrible venganza contra el responsable. En la novela, esta venganza consistía en raptarlo y hacerle un cambio de sexo para convertirle en una escultural mujer y que pueda sentir lo que ha sentido su hija. El artumento en si ya es muy almodovariano y pluma y la cámara del director manchego, puede quedar un film realmente exquisito. Esta historia, contada con los colores y sensaciones que Almodóvar transmite en cada plano, puede llegar a convertirse en una de las mejores películas del próximo año. Además, si consigue dotar a la trama de la iconografía propia tan presente en sus primeras obras, veremos un film de terror como no habremos visto nunca. Veremos si Almodóvar consigue reinventar este género.

Aunque el guión no está terminado todavía, Almodóvar ha afirmado sobre el proyecto que: "Me ha atrapado La piel que habito, un material muy nuevo a todo lo anterior porque me ha pillado en pleno cambio. Me veo como una persona de mediana edad que, como no quise celebrar los cuarenta, cuando llegué a los cincuenta tuve que pasar la crisis de las dos décadas». Según sus propias palabras, «es una historia durísima de venganza, con chicos y chicas y un personaje muy diabólico que me está costando ponerme en su piel».

Estamos deseando conocer un poco más sobre este proyecto y, por supuesto, de ver como se las arregla Elena Anaya ante el nuevo reto que supone trabajar con este gran y alabado director. Puede que esta sea la película que la lleve directamente al estrellado (si es que no ha llegado ya). Además, será interesante ver la nueva colaboración del internacional Banderas con Almodóvar, ya que desde Átame, no habían trabajado ya más juntos. Marisa Paredes, incorporará ese saber estar que lleva demostrándole desde hace mucho tiempo al director. A priori, un cásting muy atractivo que estamos seguros que sabrá estar a la altura de lo que un film de este tipo requiere.

Desde La Pantalla Mágica os iremos informando de las novedades que vayan surgiendo sobre esta película y de las posibles modificaciones que puedan ir surgiendo.

Lluís Arcarazo: «Me imagino a un espectador sensible e inteligente y procuro estar a su altura»

2010-06-12T16:29:00.002+01:00

El guionista Lluís Arcarazo es uno de los arquitectos de la tradición en telenovelas de Televisió de Catalunya (TV3). Entre las exitosas series en las que ha trabajado, destacan Poblenou, Nissaga de Poder o El Cor de la Ciutat. En horario nocturno y semanal, también ha escrito en La memòria dels cargols o en la reciente La Sagrada Familia, además de otras producciones. Uno de los momentos más especiales de su carrera fue su participación en la película Salvador (Puig Antich), que le valió un Goya al mejor guión adaptado en el año 2007. Tras más de veinte años ligado a la televisión catalana, el guionista cree que el medio se encuentra ahora ante las puertas de un cambio. Conresta entrevista inauguramos una sección dedicada a profesionales del medio audiovisual que nos hablarán de su trayectoria y también de cómo ven el panorama de la ficción en España.

Lluís nos recibe en su despacho en pleno Raval de Barcelona. Las paredes decoradas con monigotes dibujados por él mismo, están repletas de fotografías con actores, productores y guionistas; que nos dejan entrever su larga trayectoria. En la pared de la derecha, un enorme mural con postits sobre su nueva serie. Buscamos el Goya, pero no está allí, lo guarda en un lugar más íntimo.

- Has trabajado en distintos géneros y formatos a lo largo de tu carrera profesional. ¿En cuál de ellos te has sentido más cómodo?

Comencé haciendo infantiles. Durante muchos años estuve haciendo programas y era algo que me gustaba. Siempre he creído que el hecho de haber trabajado en programas te enseña mucho de los mecanismos de la televisión. Luego empecé a hacer dramáticos, que es a lo que me he dedicado desde entonces. Es lo que más me gusta, tanto en cine como en televisión. La cosa es si el medio y el presupuesto te permiten escribir las historias que te gustaría.

- ¿Cuál fue tu primer trabajo como guionista?

Consistió en escribir un guión de minuto y medio sobre un libro de León Tolstói. Invertí tres o cuatro días y me quedó fatal, pero como no había tanta competencia como ahora, me dieron la oportunidad de equivocarme y corregir mis errores. Poco a poco fui colocando pequeños guiones.

- ¿Cuáles fueron tus primeros pasos en los dramáticos?

Trabajé en alguna producción de Esteve Duran haciendo corrección de diálogo, pero la primera faena dramática importante fue Les Teresines, con La Cubana, donde yo y otro guionista ayudábamos a construir el argumento de cada episodio. Pero cuando se concreta esta vertiente de guionista de dramáticos es en Poblenou.

- ¿Qué secreto tenía el guión de Poblenou para que conectara tanto con el público?

Poblenou es muy importante en la historia de los dramáticos de Cataluña, porque inicia una carrera de telenovelas con el formato diario seriado que no ha parado hasta ahora. La importancia de Poblenou radica en que se encuentran unos temas, un retrato cotidiano de los personajes y un tono que enganchan a la audiencia y hacen posible la continuidad de este formato. También tiene otra cosa muy importante, y es que aprendimos un sistema para hacer seriales. Se nos ocurrió que unos escaletaran episodios, es decir, que decidieran qué sucedería en cada secuencia; que cinco escribieran un episodio cada semana, y que otra persona lo revisara todo antes de que Josep M. Benet i Jornet le diera el visto bueno. Este sistema tan sencillo era el que permitía que escribiéramos cinco episodios a la semana de manera ordenada, coherente y asegurando una unidad de estilo.

- ¿Se mantuvieron las tramas cercanas en series posteriores como Nissaga de Poder?

Sí, la segunda serie, Secrets de Família, supuso la consolidación del formato en TV3. Era una serie de la clase media centrada en la estructura familiar. Una cosa que vimos desde el principio era la importancia de la proximidad con el espectador, desde la elección del escenario donde sucedían las tramas, en este caso Girona. La tercera serie fue Nissaga, que quería romper con el tono intimista y se inspiraba claramente en series como Falcon Crest o Dinastía. Aunque el gancho era la gran tragedia de Eulàlia Monsolís y su hermano Mateu, a través de la gente del pueblo se jugaba la baza del costumbrismo y del realismo social que hacían cercana la serie. De hecho, ésta es una máxima que se ha aplicado en todos los seriales: hablar de los problemas reconocibles en la tradición de Gran Bretaña o de Italia, acompañados de las grandes tramas del folletón del siglo XIX, excepto en El Cor de la Ciutat, en donde huimos de las tramas clásicas de la telenovela.

- ¿Por qué se buscó huir de estas tramas en El Cor?

Después de Nissaga de Poder vino otro serial, Laberint d’ombres, en el que descansé y me fui a hacer La memoria dels cargols. En Laberint d’ombres la intriga, la violencia y lo espectacular, con el psicópata Salvador Borés, estaba muy presente. Por eso, cuando nos pidieron a Jordi Galceran y a mí una telenovela, había implícito el deseo de cambiar de registro. Como reto personal, decidimos hacer una serie donde nadie matara a nadie, quien se quisiera suicidar lo consiguiera, todo el mundo conociera a sus padres y no hubiera incesto. Esto se procuró durante los primeros tres años, pero algunos elementos fueron saltando con la evolución de la serie.

- ¿Qué te pareció que la serie se alargara tanto? (El Cor estuvo en antena 10 temporadas)

Era el objetivo. Nos pidieron una serie con una estructura y una coralidad que pudieran alargarla indefinidamente. Lo que pasa es que alargar una serie provoca un desgaste, a veces en el espectador, pero siempre en los guionistas y en el equipo que trabaja en el proyecto. El peligro es que los personajes están tan cargados de historia, que más que ser el creador eres el administrador de su vida. Todo el mundo sabe ya como reaccionaría el personaje, y si quieres sorprender tienes que buscar algún recurso. Es fácil caer en un efecto de repetición: gente que se enamora reiteradamente de otros personajes, enfrentamientos generacionales que se habían visto tres años antes, una gran promiscuidad entre los personajes...

- ¿Cómo cambia el proceso creativo si se escribe para una serie semanal o una película?

Cuando escribes una serie semanal hay más tiempo para escribir y para que te corrijan. Además, por la noche, juegas en una liga diferente, porque compites con otras cadenas que también han apostado por sus mejores productos en la mejor hora. En el mundo del cine, si tienes la suerte de trabajar con un productor y un director con el que te entiendes y que confía en la figura del guionista, es una delicia trabajar. Si trabajas con un realizador que tiene la obsesión de preservar su autoría o con un productor que quiere imponer sistemáticamente sus criterios, pude llegar a ser un calvario. También ocurre que el cine queda, mientras que la tele se va. La tele es bonita porque es inmediata y ves su impacto, pero al mismo tiempo pasa como un efecto estela. Queda un imaginario global de la serie, pero escenas en concreto en las que has podido trabajar mucho, desaparecen rápido.

- Desde Poblenou a La Sagrada Família, ¿cómo crees que ha cambiado la televisión?

Creo que estamos en el momento más delicado de la televisión. Es un momnto de evolución que es excitante pero que al mismo tiempo veo muy peligroso para la producción de dramáticos. Ahora tenemos muchas emisoras: la TDT, la televisión de pago y, en cuatro días, la TV por Internet. Este efecto multiplicador es muy atractivo para el espectador, pero los generadores de contenidos se encuentran con la segmentación de la audiencia. La tercera temporada d’El Cor tuvo un 47% medio de audiencia. La televisión esmeraba recursos en producciones que daban un rendimiento muy alto. Ahora el pastel se reparte mucho más, y un dramático que haga un 15% hoy se considera que va bastante bien. Podríamos llegar a un punto crítico en el que no valga la pena financiar un producto demasiado caro para el rendimiento que te da. En el ámbito doméstico, estamos a las puertas de un cambio que no sé adónde irá.

- ¿Cómo podría competir la televisión catalana con la española o la norteamericana?

Esta es una pregunta que se hace mucha gente y nadie tiene la respuesta. Quizás tenemos que empezar a pensar en hacer coproducciones sistemáticamente, aunque en Cataluña tenemos el tema del idioma, que condiciona esta salida. Hará falta analizar si vale la pena coproducir con televisiones europeas y hacer un tipo de historias que puedan interesar a todo el mundo. También creo que hay que cambiar vicios que tenemos en la producción de las series. Quizás tenemos que plantearnos un ejercicio de imaginación a la hora de producir las historias, porque ahora el precio es un elemento muy importante a tener en cuenta.

- ¿Qué supuso la escritura del guión de Salvador, teniendo en cuenta la sensibilidad de la temática?

Por razones sentimentales, la de Salvador era una figura que me interesaba mucho. Uno de los miembros del MIL (Movimiento Ibérico de Liberación) había ido a mi escuela, y políticamente me había sentido atraído por las ideas de Salvador. Durante unas vacaciones de Semana Santa leí el libro de Francesc Escribano (Cuenta atrás: la historia de Salvador Puig Antich) y le dije que se tenía que hacer una película. Me propuso de guionista, y entonces conocí a Jaume Roures y Manuel Huerga. A los dos les había ocurrido lo mismo: estaban unidos emocionalmente con la historia de Salvador Puig Antich. La experiencia fue magnífica. Me entendí muy bien con los dos. Huerga es muy respetuoso con el guionista. Puede discutir cosas, pero se deja convencer si le das argumentos y haces buenas propuestas. En cuanto a Roures, daba gusto ver a un productor tan implicado con esta historia. El proyecto me dio la oportunidad de conocer todo el entorno de Salvador. De hecho, hice buena amistad con sus hermanas, conocí a su abogado, al carcelero y a los compañeros del MIL. Fue una inmersión muy gratificante. Y después, durante el proceso de escritura del guión, nos fuimos dando cuenta de que lo que nos ocurría a nosotros en cuanto a implicación emocional, era una cosa muy colectiva. Lo único que puedo decir es que nosotros tres estamos muy orgullosos de la película. Con sus aciertos y sus errores, hicimos la película que queríamos hacer y creo que es la más importante que nunca escribiré.

- ¿Cómo abordaste la adaptación del libro y de los hechos históricos?

Cuando haces historia, existe una tensión muy grande entre las necesidades dramáticas y el rigor histórico. Si quieres ser muy fidedigno puedes conseguir que aquello sea un plomo; si quieres ser muy dramático puedes desnaturalizar la historia que estás contando. Hay un elemento muy importante del tratamiento del personaje de Salvador que es el intento de presentarlo en su condición humana. Cuando leí el libro de Escribano, vi que había hecho una cosa que no había hecho nadie: explicar que ese hombre que veíamos en fotos y a veces parecía un Jesucristo o un Che Guevara, o una mezcla de los dos, era un tío que iba al Celeste y tenía mucho éxito con las chicas. Cuando empecé a hacer la adaptación, la primera idea era seguir la estructura de cuenta atrás, que funcionaba en el libro y parecía muy cinematográfica, pero era muy depresiva. Constantemente recordaba que aquello iba a acabar mal. A mí me gustaba representar la época del MIL como una época muy divertida, con jóvenes que hacían lo que querían hacer, robaban bancos; en cierto modo eran como Robin Hood. De aquí y después de haber visto por enésima vez Uno de los nuestros, pensé en hacer lo mismo: empezar por una escena de la mitad, la detención de Salvador. Enseguida hay un flashback donde vemos todo lo que pasó hasta esa situación. La primera parte es el subidón, y después viene la segunda parte, que es el precio que se paga. Procuré ser bastante fiel a los hechos y libre en la estructura.

- ¿Hay normas o ingredientes para hacer un buen guión?

Como dijo mi amigo Jordi Galceran, «el éxito en el guión se rige por unas normas muy precisas que nadie conoce».

- ¿Quizás lo importante es hacer algo que a uno mismo le gustaría ver?

Yo me imagino a un espectador sensible e inteligente y procuro estar a su altura. Hay que respetar al espectador y pensar cómo explicarle una cosa que a ti te interesa mucho.

- ¿El guionista tiene que haber vivido las experiencias sobre las que escribe?

A veces hay un perfil de guionista a quien le gusta mucho el cine o la tele y quiere escribir a partir de experiencias no vividas, sino vistas en la pantalla. Las páginas que escribes que tienen más fuerza son las que están basadas en vivencias que has podido experimentar directamente o a través de otras personas, pero de manera vivida. Eso no quita que gente con mucho talento que no ha vivido nada y se pasa la vida viendo pelis, pueda encontrar un lenguaje que conecte.

- ¿Es fácil la integración del guionista en el equipo de una producción?

El guionista normalmente es un intruso, porque escribe, por lo tanto es un escritor, y escribe para el mundo del cine y la televisión, por lo tanto pertenece al mundo audiovisual. Son muy distintos el cine y la tele. Es decir, el cine es el reino del productor y del director. Sólo hace falta ver los créditos, que dicen “una película de”, cosa que antes no se hacía. En las críticas de cine, el guionista sólo sale en la ficha cuando va asociado a un director, como por ejemplo Arriaga con Iñárritu. En el mundo de la tele, el peso que tiene el guionista es mucho más importante. Esto no significa que se traduzca en una influencia mayor, pero sí que se anuncia quién ha escrito una serie determinada. La tendencia es que los guionistas reclamen un papel más importante y se conviertan en productores ejecutivos. Es decir, que el padre de la idea pueda tener influencia en el desarrollo del proyecto.

- También has trabajado en teatro...

Sí, he hecho dos adaptaciones para teatro, Aloma y Les papallones són lliures, de Leonard Gershe, obra que me gustó mucho. En el caso de Aloma, como ya había trabajado con Dagoll Dagom como guionista, el sistema de trabajo no me resultó extraño.

- ¿Cómo resultó este paso por el teatro?

Lo encontré muy emocionante. En el teatro puedes ver las reacciones del público, para bien y para mal. Ya había visto el proceso desde fuera porque tengo amigos autores: hay fase de euforia, de dudas, de pánico, y luego todo se va colocando en su sitio hasta el último momento, en el que no sabes si funcionará. Es muy chulo ver los ensayos y cómo las cosas van cogiendo forma. Es muy emotivo cuando se estrena la obra. Tienes la sensación de que ya ha pasado. Se seguirá representando, pero hay una sensación de «por fin, lo hemos hecho y ha salido bien». Es difícil de explicar; no ocurre ni en el cine ni en la tele.

- ¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Ahora estoy a punto de hacer la segunda temporada de La Sagrada Família, estoy empujando una miniserie sobre Ferrer i Guàrdia, de la cual estoy haciendo el tratamiento, y estoy empujando otro proyecto que se llama Noche y Día, que estamos viendo si podemos vender a nivel estatal.

Lluís, un fiel seguidor de La Pantalla Mágica.

Escuela González Iñárritu: 'Mammoth'

2010-06-12T15:32:00.015+01:00

Lo primero que llama la atención es el título del film, Mamut, que invita a pensar en cualquier cosa, puede que incluso en lo que es: una historia de historias, al más puro estilo Babel (Alejandro González Iñárritu, 2006) aunque algo limitada, y no por eso menos válida; no pongamos los listones tan altos. La respuesta al por qué del título llega temprana, justo cuando entra en escena una pluma de 3.000 dólares hecha con huesos de mamut, todo un caprichoso despilfarro.

Quien recibe esta horterada de regalo es Gael García Bernal, que es Leo, un creador de una página web de gran éxito convertido en nuevo empresario sin alma de ello. Comparte reparto con Michelle Williams, que hace de Ellen, cirujana de profesión. Juntos forman una triunfadora pareja neoyorkina en este film, el primer trabajo en inglés del director sueco Lukas Moodysson (A hole in my heart, Container).

Una de las primeras cosas que se hacen evidentes en la historia es que, a pesar de tener unos trabajos que les permite un modo de vida más que cómodo, esta pareja de Nueva York no tiene tiempo para estar con su hija Jackie (Sophie Nyweide). Ésta, pasa la mayoría del tiempo con su niñera Filipina Gloria (Marife Necesito), que tiene una historia igual, pero distinta: vive a miles de quilómetros de sus hijos para poder trabajar y darles una buena vida.

Con estas premisas, y a caballo entre Filipinas, La gran manzana y Tailandia, arranca esta película que acaba convirtiéndose en una historia de “amor de madres” que terminarán dudando entre el tiempo y el dinero como piedra angular de la educación de sus hijos.

Como espectador resulta fácil acceder a la historia, a pesar de tener la constante sensación de haberla visto con anterioridad (un par de veces). Quizás esta facilidad existe por el recreo constante en las reacciones de los personajes a través de primeros planos y ligeros movimientos de cámara a hombro. Con esto Moodysson ha conseguido que nos queramos meter en la cabeza de los protagonistas y acabemos de construir la historia con todo lo que no pasa por sus labios. Al cabo de pocos minutos, sin saber bien como, te has quedado atrapado.

Lamentablemente, esta condición del film, y la evidente calidad de la construcción de los personajes (quizás demasiado correctos en la mayoría de las situaciones), queda eclipsada por un mensaje repetido en anteriores trabajos y un estilo que todo el mundo se empeña en desmerecer por emular un lenguaje con claro sello de la escuela González-Inárritu.

Lo hemos visto… ya se ha hecho… no es nuevo… son excusas para no tener que detenerse un instante en escuchar una intimísima banda sonora más que adecuada que refuerza a la perfección la sensación de desorientación, desencanto, soledad y necesidades personales internas. También nos podríamos haber parado a destacar un correctísimo Gael García-Bernal y una sorprendente y llena de sentimiento Michelle Williams. Todo ello sin habernos molestado a analizar cada una de las composiciones del cuadro, estudiadas (yo diría) al milímetro, y una ambientación grisácea que colorea sin esfuerzos todo lo que va pasando en tres bonitas atmósferas.

Quizás con Mamut hemos querido, tal y como estamos acostumbrados, ver o mirar el film en lugar de lo que parece que pretendía Lukas Moodyson: contemplarlo. De este modo, en lugar de hablar del estilo, el lenguaje o la historia, habríamos destacado una constante referencia a la familia de los paquidermos que no se termina de entender, un mensaje antiglobalización demasiado difuso, o un final en el que no se deja ver en qué medida (en el caso de que lo hagan) van a cambiar las vidas de los personajes.

Con todo, y ante las ganas de menospreciar todo aquello que no es novedoso, invalidar la inteligencia al utilizar referentes interesantes, o insultar la necesidad de ofrecer visiones a través de prismas ya creados por uno o dos genios del cine tocados con varita mágica, nos encontramos ante un trabajo bien hecho, correcto, de consumo ligero, y que intenta decir algo… Lo que ocurre es que, en ocasiones, tenemos pocas ganas de escuchar.

‘Fake it til you make it’, Jaleel White vuelve a las pantallas (de ordenador)

2010-06-12T11:56:00.004+01:00

Fake it til you make it es una frase hecha angosajona que viene a significar algo así como tratar de actuar con seguridad (aunque no se tenga) para así conseguir el éxito. Si uno es seguro, el éxito siempre llega. Muy típico de los americanos. Esta es la máxime del personaje que interpreta Jaleel White en una serie escrita, producida y protagonizada por él mismo. ¿Qué no sabéis quién es Jaleel White? Tal vez por el nombre no os suene mucho, pero si os recuerdo esta famosa frase, “¿he sido yo?”; seguro que todos recordáis al carismático Steve Urkel de Cosas de Casa haciendo alguna de las suyas. Pues bien, el actor que lo interpretaba, ahora vuelve a nuestras pantallas con esta serie que podremos ver a través de Internet y que estrenó su primer capítulo el pasado 8 de junio.

El actor californiano ha definido esta serie como "la otra cara de Entourage” pero de bajo presupuesto. A lo largo de los poco más de cinco minutos que dura el capítulo podremos ver a Jaleel como el consultor de imagen de una joven celebridad. La serie, muy sobria en cuanto a realización porque cuenta con un solo escenario principal (muy propio de los formatos para la Red); se ve reforzada por una infografía y efectos que le dan un toque atractivo y refuerzan la acción y la comicidad de la propia serie. Porque sí, por si no lo habíamos dicho, se trata de una comedia de formato corto. Atentos a la llegada del protagonista y como “cuida” su coche, a los recurrentes flashbacks, o a la tarjeta de presentación del personaje.

La serie, al menos en su primer capítulo “Power Breafast”, está llena de guiños que parodian ciertos aspectos del audiovisual norteamericano. El primer y gran guiño es el nombre del propio personaje, Reggie Culkin, suponemos que por el gran olvidado Macaulay Culkin. Además, Reggie, fue una estrella de la interpretación en su niñez que se convirtió en un mito pero que no supo hacer nada más al crecer. ¿Os recuerda o no la historia la del protagonista de Solo en Casa? La manera en que se nos presenta al personaje de Reggie, como un fanfarrón sabelotodo que conduce un Ferrari y lleva los pantalones más escandalosos y horteras que uno podría imaginarse; es una clara parodia de estas jóvenes promesas que no se quedaron más que en eso, una promesa. De ahí la necesidad de "aparentar" para conseguir el "éxito" de la conocida frase que da el título a la serie. Reggie cree tener una apariencia de ganador.

De hecho, el propio Jaleel también se parodia a si mismo en cierta medida ya que, después de su gran éxito juvenil como Steve Urkel, no supo despojarse de este torpe personaje y no ha logrado hacer ningún papel relevante en cine o televisión desde entonces. El Reggie de esta serie, estrella infantil, también tiene su frase particular “I got dibs”, como Urkel la tuvo en su día. Jaleel se convirtió en la sombra de lo que fue, con papeles menores en los que parodiaba al propio Urkel. Además, desde el año 2006 circula un rumor falso por internet sobre su fallecimiento por sobredosis. También se llegó a decir que se había suicidado dejando una nota que reproducía su mítica frase "¿He sido yo?", que le llevó a la fama. El actor tuvo que moverse por otros terrenos ya que durante un buen tiempo fue comentarista de un blog de la NBA. Tal vez, fue durante esta experiencia con la Red fue cuando Jaleel se dio cuenta del poder de este medio y decidió embarcarse en este nuevo proyecto online.

En una época de crisis como esta, la ficción tal y como la conocimos, esta a punto de cambiar. Las cadenas dejarán de invertir grandes sumas de dinero en súper producciones e invertirán mucho menos en propuestas innovadoras y tal vez de menos duración que se puedan realizar con muy poco presupuesto. Los nuevos formatos para Internet son para muchos la solución. Realizadores y guionistas han de redirigir sus carreras y mirar más allá de lo que veíamos hace un tiempo. El mundo de la ficción está cambiando y se necesitan nuevas ideas que sepan sacar el máximo posible de los escasos recursos con los que ahora se cuenta. Rentabilizar el proceso. Por eso, iniciativas como Fake it til you make it, entre muchas otras series para la Red, son una buena salida para profesionales del audiovisual que estaban viendo como sus carreras se hundían.

Os dejamos ahora con el primer capítulo de Fake it til you make it, “Power Breakfast”. Esperamos que os guste. A nosotros nos ha parecido, cuanto menos, original y con cierta gracia que esperamos ver desarrollarse en capítulos venideros.

'En el parque', Santos de Goma

2010-06-11T20:07:00.003+01:00

Seguimos con buenas notícias y buenos vídeos. Ya está disponible el videoclip del que os hablabamos el otro día, En el parque, del gupo Santos de Goma, dirigido por Alfredo López. Os invitamos a verlo y a opinar sobre él tras el salto.

¿Qué os ha parecido? ¿Os ha gustado? ¿Acertamos en nuestra valoración? ¿No creéis que realmente contiene una historia que merece ser tratada como ficción? Esperamos vuestros comentarios.

Futuros Cineastas: 'Last Breakfast on Planet Surf'

2010-06-11T19:52:00.003+01:00

Como ya hicimos el otro día, en esta ocasión os volvemos a presentar un video musical. ¿Por qué lo hacemos si no es ficción propiamente dicha? Pues la respuesta es bien sencilla si tenéis la ocasión de visionar las obras, como lo podréis hacer hoy. La narración de los clips que seleccionamos tienen su base en la ficción y son pequeñas piezas con una introducción, desarrollo y desenlace. En el caso que hoy nos atañe, Last Breakfast on Planet Surf, veremos una peculiar reconstrucción de una historia de amor. El videoclip está realizado por NYSUfilms para el grupo parisino Mondrian.

NYSUfilms está formada por Jesús Hernández y Elías Maldonado, dos licenciados en Comunicación Audiovisual que se dedican a la realización videoclips y publicidad y además, se encargan de la postproducción de sus obras. Ambos son de Málaga, pero trabajan en Madrid.

Last Breakfast on Planet Surf está dirigido por Jesús Hernández y producido por Elías Maldonado. El video forma parte de una trilogía que narra, a través de pequeñas piezas, relaciones de pareja curiosas que nos son mostradas a través de un punto de vista original. La última de las partes, protagonizada por Hyuna Park, que es la que ahora nos concierne, destaca por su impecable realización a base de planos cortos tan cuidados que casi parecen una obra pictórica; y también por su fotografía. La iluminación es elegante y le da un toque sobrio que no quiere aparentar nada más allá de lo que se nos está contando. Pasa casi desapercibida, que es lo que debe hacer una buena fotografía, y así nos hace centrarnos en la historia y, también, en la dirección de arte. La dirección artística, llevada a cabo por Eduardo Parrilla, es muy curiosa y va sumando constantemente a la narración. Cada uno de los elementos que aparecen, está escogido por una razón determinada y servirá para llegar al final. ¡Ay, el final! Atentos a un final graciosísimo que es perfecto para acabar con una gran sonrisa. Y aunque mencionemos ya el final, no olvidemos el principio. Los vídeos de NYSU para Mondrian abren con una tipografía sobre fondo de color chillón que ya nos adelanta el tono de lo que vamos a ver. Pero bueno, veámos ya el último video y a ver qué os parece.

Mondrian - Last Breakfast On Planet Surf from NYSUfilms on Vimeo.

Las otras dos obras anteriores que forman la trilogía son Love, a collision y Beware! The Killer!, que siguen también el particular estilo de NYSUfilms y podéis ver a continuación.

Mondrian - Love, a Collision from NYSUfilms on Vimeo.

Mondrian - Beware! The Killer! from NYSUfilms on Vimeo.

Si queréis saber más sobre Mondrian, este grupo de pop parisino, podéis visitar su Myspace.

¿Qué os ha parecido el video? Si queréis que hablemos sobre vuestras obras y las compartamos, escribid un correo a lapantallamagica.blog@gmail.com

Comic Con 2010 ya tiene lista de series asistentes

2010-06-11T10:43:00.001+01:00

La Comic Con 2010 ya tiene lista de series asistentes confirmada. ¿Qué no sabes qué es Comic Con? ¿Y tu dices que te gustan las series? Comic Con es una convención que se celebra en San Diego anualmente donde asisten, entre otros, los productores, guionistas y actores de las series de moda para presentar adelantos de la próxima temporada. Allí, también se presentan películas, normalmente de género fantástico y acción como Crepúsculo, y, por supuesto, las novedades del mundo del cómic. Este año la convención se celebrará entre el 22 y el 25 de julio. ¿Quieres saber un poco más sobre la Comic Con de este año?

Comic Con ha sido uno de los eventos más esperados por los fans de Lost o Heroes en los últimos años. Allá por 2004, se presentó el gran piloto de Lost ante unos afortunados que quedaron maravillados; y el año pasado pudimos ver un video con un Hurley muy feliz como jefe de Mr. Clucks. Ahora descubrimos como ya nos trataban de presentar la realidad alternativa tan presente en la última temporada. Pero ahora que estas series nos han dejado, ¿cuáles ocuparán su lugar? ¿Qué otras se nos presentarán en esta edición?

Por la lista, siempre sujeta a cambios o modificaciones, tenemos que dar gracias a Todoseries que nos han sabido separar las series por cadenas para hacerlo todo más sencillo:

   - Fox: Glee, Bones, Human Target, Fringe, Terra Nova, Simpsons, Family Guy, Cleveland Show, American Dad
    - NBC: The Cape, The Event, Chuck
- ABC: No Ordinary Family, Castle , V
    - The CW: Vampire Diaries, Nikita, Smallville, Supernatural
    - CBS: Hawaii Five-0, The Big Bang Theory
    - FX: Archer, It’s Always Sunny in Philadelphia, Sons of Anarchy
    - USA: White Collar, Psych, Burn Notice
    - Comedy Central: Futurama
    - Showtime: Dexter
    - HBO: True Blood
    - Starz: Spartacus
    - AMC: The Walking Dead
    - Syfy: Eureka

Comic Con es un evento muy esperado porque allí se presentan, además de las novedades de las series ya en antena; las nuevas series, como ocurrió el año pasado con Flashforward. Gran parte de la expectación que esta serie había creado, además de por la promoción que ABC le hizo, se creó en Comic Con 2009. De esta convención depende en gran medida la repercusión posterior de una serie. Evidentemente, el futuro está en manos de la audiencia y si en Comic Con se crean tantas expectativas y luego no se llegan a cumplir, la audiencia va abandonando el barco progresivamente. Así le ha ocurrido a Flashforward y, esperemos que no le ocurra a ninguna de las nuevas series que se presentarán próximamente como Hawaii Five-0 o Spartacus, por ejemplo. Después de Comic Con, el espectador estará esperando una serie u otra con una gran expectación y comenzará , incluso antes de emitirse la serie; a gestarse el movimiento fan.

Algunos afortunados seguro que ya tienen su entrada e incluso un caro billete para San Diego. La locura del Comic Con lleva a la gente a recorrerse miles de quilómetros y gastarse una gran suma de dinero para poder asistir a esta convención. Si queréis más información sobre la programación o las entradas, aquí tenéis su página web para que podáis ir consultando. A La Pantalla Mágica le encantaría poder asistir, aunque no creemos que pueda ser posible. Este tipo de convenciones revitaliza el mundo de la televisión y de la ficción en concreto. Uno de los grandes éxitos de la ficción norteamericana es que saben cómo promocionarse y cuidan (habitualmente) a sus producciones. Además, este encuentro con el público es la mejor ocasión para conocer la opinión del espectador y una gran experiencia para éste, ya que puede interactuar con guionistas, productores y sus adorados actores. La ficción española podría tomar nota e ir pensando en hacer algo así para cuidar al público que cada vez demanda más de sus ficciones. En una época en que la narrativa transmediática está a la orden del día, no se puede esperar sobrevivir con un simple capítulo, si no que se necesita todo un mundo anexo que traspase las pantallas. Qué mejor que algo como Comic Con para presentar nuevos vídeos y experiencias de las que el espectador pueda participar (recoremos la Lost University presentada el año pasado).

Vistas las series que asistirán, ¿con cuál os quedáis? ¿Por cuál pagaríais por asistir?

'Algo queda', mejor cortometraje en el Certamen SNCFILM

2010-06-10T22:04:00.003+01:00

La Pantalla Mágica intenta siempre hablaros de las últimas novedades y de ficciones de mucha calidad. El pasado 2 de julio, en la sección "Cineastas del futuro", os presentamos el cortometraje Algo queda, de Ana Lorenz. Le auguramos un gran futuro, pese a no haberse estrenado aún. Y así ha sido, pues el corto ha sido galardonado con el premio al mejor cortometraje en el último Certamen SNCFILM. En la gala, celebrada en Madrid y presentada por Cayetana Guillén Cuervo, estuvieron las actrices Marta Belenguer y María Alfonsa Rosso que celebraron junto al resto del equipo el triunfo del cortometraje.

El cortometraje que nos hablaba de la ardua tarea que desempeñan los cuidadores de enfermos de Alzheimer y además contaba con una emotiva relación madre-hija a lo largo de diferentes momentos de su vida. El estupendo guión ya fue premiado en la 2ª edición del mismo certamen y se pudo realizar gracias a la financiación recibida por dicho premio.

La valenciana Ana Lorenz se mostró emocionada por el premio y declaró: “Certámenes como el de SNC FILM son fundamentales para dinamizar el cortometraje pues premian el guión, financian su realización y finalmente apoyan su promoción, ayudando a los cortometrajistas en todo el proceso”. La realizadora cuenta ya con una larga trayectoria a sus espaldas como directora de cortometrajes, videoclips, spots y series de televisión. Además, cabe destacar que fue codirectora del videoclip Fugaz del grupo de música electrónica The Pinker Tones. Este video fue el favorito de 2009 según las listas de MTV España y fue premiado en los festivales Musiclip y Videolife del MUSAC. Actualmente, está trabajando en Conchín se lo traga, un cortometraje dirigido junto a Abel Zamora, que ahora mismo se encuentra en fase de postproducción.

Al acto que tantas alegrías les dio, también asistió el productor ejecutivo Cristian Guijarro que afirmó que “el reconocimiento del jurado es el mejor de los premios, pues significa que tu trabajo consigue conmover y emocionar a grandes profesionales del sector”.

Desde La Pantalla Mágica nos gustaría felicitar a todo el equipo del cortometraje y recordarles (aunque creo que ya deben saberlo, debido al reconocimiento que están obteniendo), que han hecho un trabajo formidable. El cortometraje no es sólo una ficción emotiva y con una narración original y bien contada; si no que además es un gran trabajo de concienciación ante el Alzheimer. Nos consta que algunas organizaciones de familiares de enfermos han felicitado también a los componentes, porque su labor es formidable.

Para aquellos que no habéis visto el cortometraje y seáis de Valencia, os informamos de que se presentará el próximo viernes 18 de junio a las 17 horas en la Filmoteca. Para los que no tengáis la suerte de ser de cerca, os iremos informando de fechas en otras ciudades.

Las series que no nos dejarán dormir: Entrevista con Toni de la Torre

2010-06-09T22:46:00.007+01:00

Toni de la Torre presenta su nuevo libro Las series que no me dejan dormir, una Biblia imprescindible para todos los adictos a la ficción televisiva. Este periodista barceloní, además de haber publicado otras obras sobre House, Lost, Friends o Heroes; colabora habitualmente en el programa de radio El Món a Rac1, en la revista TimeOut y el periódico La Vanguardia. En su nuevo libro encontraremos más de 100 recomendaciones para diferentes tipos de espectadores. Hablamos con él en una interesante charla y constatamos lo que ya pudimos ver en la conferencia que dio con motivo del Lost Day en Barcelona; Toni sabe mucho sobre series. ¿Queréis saber lo que nos ha contado? Si os gustan las series, no os podéis perder esta entrevista.

En su nuevo libro, Toni ha hecho una extensa recopilación que incluye básicamente series de esta última década, aunque algunas se remontan más allá. Muchas de estas series ya no las podemos encontrar en las parrillas habituales de las cadenas. Algunas se cancelaron u otras simplemente llegaron a su fin. En esta época del año, las cadenas norteamericanas están presentando sus Upfronts (novedades para la próxima temporada) y también se despiden de algunas de sus series más preciadas o simplemente cancelan las que no han funcionado. Sin más dilación, vamos ya con Toni de la Torre para que nos cuente todo sobre estas series que nos dejan y, sobre todo, porque hay que mirar al futuro, de las que vendrán.

- Esta temporada nos hemos despedido de algunas series muy queridas por el público como Lost o 24. ¿Crees que se su despedida se podrá haber pospuesto han acabado justo a tiempo?

Creo que en ambos casos han acabado a un nivel muy alto y no han decaído en ningún momento. En especial Lost, ha mantenido un nivel altísimo durante sus seis temporadas. Probablemente se podrían haber alargado. ¿Por qué no una temporada más con una nueva misión de Jack Bauer? Pero el personaje ya había evolucionado hasta un punto en el que era difícil reinventarlo. Las dos han acabado antes de cansar al espectador, y eso es mucho decir en televisión, donde a menudo se alargan tramas buscando el rédito de la audiencia sin tener en cuenta que la serie quizás ya ha llegado a su fin o, simplement, su premisa no da para tantas temporadas (caso Prison Break).

- ¿Crees que sus finales han sabido estar a la altura de su propia trayectoria?

En el caso de Lost sí, indudablemente. Lost ha acabado cerrando las tramas de sus personajes, respondiendo la mayoría de las respuestas pero dejando una gran incógnita (¿qué es ese limbo? ¿quién lo ha creado? ¿cómo se llega a él...). Ése ha sido siempre el stilo de Lost: dar respuestas pero al mismo tiempo soltar preguntas. El interrogante es la esencia de Lost y estoy muy contento que haga acabado así, con una pregunta final para que nos comamos la cabeza durante mucho tiempo. El final de 24 en cambio no me ha gustado en absoluto. Creo que se podrían haber cerrado la trama de Jack Bauer perfectamente pero que la han abierto a propósito para poder hacer la película. No me parece justo que una serie tan televisiva como 24 acabe en el cine. Se merecía acabar como una serie, que es lo que es. Por otra parte, el personaje de Bauer ha evolucionado muy bien durante la octava temporada (se ha vuelto más salvaje, más brutal). Su progreso lógico era que acaba pasándose al otro lado. Yo quería ver a un Jack terrorista asesinando al presidente de Rúsia y, ¿por qué no? a la presidenta de los Estados Unidos. Pero en el último momento los guionistas de han echado atrás y han vuelto a traernos al Jack torturado y fugitivo, lo cual ha sido una gran contradicción.

- Hablemos de otras series que han tenido un precipitado final. Flashforward fue la gran apuesta de la ABC para sustituir a Lost pero ha fracasado. ¿A qué achacas sus malos resultados?

Las altas expectativas, principalmente. Es difícil presentarse como la sucesora de Lost y no fracasar. Si una serie nueva la vemos con la mirada de Lost, comparando, por fuerza saldrá perdiendo. Su planificación tampoco ha ayudado: tenía una premisa de una temporada pero una planificación de seis, lo que ha llevado a la serie a ser demasiado lenta en sus primeros compases (grandes cliffhangers, poco contenido real) y eso ha hecho que muchos la abandonaran al cuatro episodio. Más tarde ha mejorado e incluso ha llegado al notable, pero ya no ha recuperado la audiencia y ha acabado pagando caros sus errores.

- En cambio V, un remake que no despertaba tanta expectación, ha sabido ganarse mejor a la audiencia. ¿Crees que ha funcionado mejor por la fama de su predecesora?

V ha sorprendido mientras Flashforward ha decepcionado. Sin embargo, V tiene otros elementos a favor de los que Flashforward carece, como unos personajes más construidos y complejos, muchas más lecturas (a nivel político y social), y también ha jugado la baza de la sorpresa, cambiando numerosos detalles respecto a la V original. V ha entrado poco a poco y sin atropellar al espectador, pero no ha generado rechazo y se nos ha ganado poco a poco.

- Heroes también nos deja por la puerta de atrás. ¿Merece la pena un capítulo especial para zanjar tramas?

Lo que se merecía Héroes era haber sido cancelada mucho antes. Al final de la segunda temporada, que ya había notado un enorme descenso de calidad respecto a la primera. A nadie le molestará a estas alturas un capítol extra para cerrar tramas, pero la NBC tendría que haberla matado mucho antes a pesar de no tener substituta para ella (se ha esperado a tener The Cape y Undercovers en la recámara).

- ¿Hay alguna serie de las que nos dejan que echarás especialmente de menos?

Lost, 24, Flight Of The Conchords y Rescue Me.

- ¿Y alguna que no o alguna que crees que sería mejor que acabase?

Smallville pide a gritos que acaben con ella ya. Y también Anatomía de Grey, que está completamente agotada. También habría que ir pensando en una salida para 30 Rock, que ha bajado mucho el listón, y para Bones: está en un momento muy dulce, pero no la pueden alargar demasiado porque depende al completo de la química de Brennan y Booth. Otro que creo que debería plantearse la séptima como la última temporada es House, a menos que se les ocurra una idea brillante, la futura relación estable del doctor con Cuddy podría quitar a la serie esa bilis que tanto nos gusta.

- En cuanto a las series que nos vienen; ¿crees que hay alguna que merece que sigamos de cerca?

Muchísimas: Boardwalk Empire, A Ribbon Of Dreams, Luck, Game Of Thrones, Rubicon, Tilda y The Walking Dead, por ejemplo. Y también el proyecto de James Gandolfini, todavía sin nombre, en la que hará de taxista.

- ¿Qué cadena estadounidense crees que afrontará mejor la próxima temporada?

La HBO. Va a ser su año. Recuperará el trono con toda seguridad.

- ABC se ha quedado sin su serie estrella, ¿alguna conseguirá seguir la estela de Lost?

No pretenden crear una nueva Lost. Han quedado escarmentados con Flash Forward. Casi te diré que buscan hacer series que sean lo opuesto a Lost. De todo lo que tienen previsto sólo me llama la atención es Detroit 187.

- Las cadenas norteamericanas se sirven de caras conocidas para reactivar sus parrillas como es el caso de Matthew Perry en Mr.Sunshine. ¿Crees que les funciona o no es garantía de éxito?

Depende de que el papel consiga mostrar una nueva versión de la cara conocida. Si en Mr. Sunshine vamos a ver de nuevo a Chandler Bing pero una versión 2.0. (y todo apunta a que sí) la serie será un fracaso. En cambio Matt LeBlanc va a voler con un papel muy alejado de Joey y creo que su nueva serie, Episodes, puede ser la revelación del año.

- Cambiando de tercio, ¿cómo ves el panorama español de la ficción televisiva?

Francamente, no lo sigo, así que no puedo opinar.

- Finalmente, ¿son necesarias muchas horas sin dormir para hacer una recopilación de series tan extensa como la que nos presentas en Las series que no me dejan dormir?

Supongo que es necesario dedicarse a ello, jaja. Pero sí, el título es literal. He pasado muchas noches sin dormir por culpa / gracias a las series, como la mayoría de serieadictos a los que va dirigido el libro.

PANTALLAZOS:

- 3 series que adoras:

Seinfeld, Lost, 24.

- 3 series que no soportas:

Dos hombres y medio, Gossip Girl, Cougar Town.

- 3 personajes inolvidables:

Dexter, John Locke, Tony Soprano.

- 3 personajes para olvidar:

Hiro Nakamura, Kim Bauer, Horatio Caine.

- 3 mejores finales de serie:

A dos metros bajo tierra, The Wire, El ala oeste de la casa Blanca.

- 3 peores finales:

Expediente X, Roseanne, Felicity.

- Mejor remake:

Battlestar Galactica.

Muchas gracias Toni por atendernos, ha sido un placer poder charlar con un experto como tú.

Futuros Cineastas: 'En el parque'

2010-06-09T10:09:00.001+01:00

Aunque en La Pantalla Mágica nos ceñimos a lo que es el mundo de la ficción, creemos que hay obras que no se encuentran estrictamente en este gran género, pero que merecen también nuestra atención. Hablamos por ejemplo del mundo del videoclip. Un vídeo musical también nos cuenta una historia, normalmente ficticia, que en ocasiones llega a conformar lo que podríamos llamar un “pequeño cortometraje”. Además, la mayoría de los videoclips están realizados por profesionales de la ficción que saben como crear una muy buena narración. Es el caso de la obra que nos atañe hoy: En el parque, el nuevo video de Santos de Goma realizado por Alfredo López.

Alfredo López ha dirigido ficciones seriadas en algunas de las cadenas generalistas como por ejemplo: La pecera de Eva, Impares, Bicho malo, o Generación DF. Es realizador también de cortometrajes como La Carmen, con Fernando Tejero. Además, ha dirigido muchos vídeos musicales para grupos como Addictive Larsen o El Castigo de los débiles. Un trabajo realizado para este último grupo, el videoclip Hablando en plata, fue finalista en los premios MTV. López trabaja habitualmente con la que es su productora y ayudante de dirección, Thalia Berral. Ambos forman parte de Eurotrash Films.

A continuación os dejamos una muestra del trabajo de López y Berral. En primer lugar tenemos el tráiler del cortometraje La Carmen; y a continuación el vidoclip Hablando en plata.

El video que nos atañe, En el parque, que todavía no se ha estrenado, es la carta de presentación del grupo Santos de Goma. El grupo malagueño está formado por Conde (voz, guitarra acústica, teclados y programaciones), Isra (guitarrlas y coros), Claudio (baterías y coros), Álvaro (bajo y coros), y Tristán (guitarras y coros). Podéis escucharles en su MySpace. Os los recomendamos porque tienen un estilo muy particular con canciones que combinan varios estilos como el Rock, Indie Pop, Psychedelic Folk, o Bubble Gum. El disco de Santos de Goma podéis encontrarlo en tiendas desde el pasado 24 de mayo.

El videoclip que hemos podido ver en exclusiva refleja esta mixtura de estilos musicales con una realización muy cuidada y una fotografía impecable que nos traslada a un mundo muy particular. Os iremos informando sobre el próximo estreno del video y lo podréis ver aquí. Podéis haceros a la idea de la calidad del video a partir de las siguientes fotografías:

No olvidéis que podéis mandarnos vuestros proyectos a sugerencias para que hablemos sobre ellos a: lapantallamagica.blog@gmail.com

Prevent the Blackout: 'Salvar Flashforward'

2010-06-08T14:16:00.002+01:00

El seis de octubre de 2009 el mundo entero se desmayó durante dos minutos y diecisiete segundos. Ese día comenzó Flashforward, la gran apuesta de la ABC para sustituir a Lost, su gallina de los huevos de oro. En mayo de 2010, ABC decidió cancelar la serie con un cliffhanger que dejó a los que todavía la seguían con ganas de más. Ahora estos seguidores han dado un ultimátum: el diez de junio habrá un nuevo desmayo general; esta vez, para cambiar el destino.

La original propuesta es la consecuencia de una campaña en Internet llamada Prevent the Blackout. El objetivo de esta iniciativa es reunir al mayor número de gente posible el próximo día diez de junio frente las oficinas de ABC en diferentes ciudades (Nueva York, Chicago, Los Ángeles, entre otras). Una vez allí, a la misma hora, se producirá un desmayo general en el que miles de personas perderán el conocimiento durante dos minutos y diecisiete segundos. Los seguidores, insatisfechos con la suerte que ha corrido la serie, tratan de movilizar a cuanta más gente posible para demostrar a los directivos de la ABC que es mucha la gente que quiere una segunda temporada de Flashforward.

Además, desde la cancelación, algunos seguidores han ido enviando a Stephen MacPherson, presidente de la ABC, algunos regalos como calendario con un círculo en el 29 de abril (fecha en que se produjo el segundo apagón), pulseras como la que Charlie regaló a su padre y muchas cartas pidiendo su regreso. La campaña se completa con una extensa movilización en las redes sociales como Facebook, en donde se ha creado el grupo Save Flashforward, que cuenta ya con más de 22.000 miembros.

¿Tendrá algún efecto esta iniciativa? ¿Conseguirán los seguidores que vuelva Flashforward? Desde La Pantalla Mágica creemos que no, aunque nos gustaría decir lo contrario porque desde el parón que se hizo en la emisión, la serie mejoró muchísimo y la trama empezó a tener mucho más interés. A pesar de que éstos acérrimos seguidores intenten mover algún hilo, los resultados de audiencia hablan por si solos. Y ya sabemos que es la audiencia es la que manda.

¿Qué opináis vosotros? ¿Qué os parece esta iniciativa?

Una de recomendaciones. 'Yo, también'

2010-06-07T12:29:00.002+01:00

Emotiva, sin caer en la lágrima fácil; cómica, sin caer en la parodia ofensiva. Así es Yo, también (2009). Una gran actriz que cada vez logra sorprendernos más, Lola Dueñas, acompaña a la gran revelación, Pablo Pineda. Unos secundarios buen puestos y sin caer en la sobreactuación, pese a lo difícil que debió ser su dirección. Una película que trata de modernizarse con su realización (voluntariamente) descuidada en cuanto a movimientos de cámara y focalización. Una recomendación para aquellos que les guste el cine español y una temática que vas más allá de contar simplemente nuestras miserias, ya que narra una miseria universal con un atisbo de esperanza a partir de un final, tal vez demasiado edulcorado.

Yo, también es una película sobre la amistad y el amor, con todo el consecuente sufrimiento que esto conlleva. Pero lo diferente aquí, reside en el hecho de que uno de los dos polos, una de las dos partes de la pareja; es un chico con Síndrome de Down. Bueno, chico de 34 años que, cómo él dice, ya es un hombre. ¿Y qué más pasa aquí? Pues que no somos tan abiertos de mente como creemos y por muy trabajador social que seamos; tenemos todavía muchos prejuicios. A partir de ahí, la historia transcurre sin mucho más que contar. Problemas del pasado que atormentan al personaje de Lola Dueñas y un Pablo Pineda que lucha por ser “normal” a ojos de la sociedad. La inteligencia (tiene dos carreras) y perseverancia (que no es tanto un rasgo del personaje si no más bien del propio Pineda) de Pablo es la esperanza que brilla dentro de un mundo tan lleno de tristeza y desigualdad.

La historia, que como ya hemos dicho, es verdaderamente emotiva pese a que la trama es más predecible de lo que desearíamos; acaba convirtiéndose en una narración bastante original por la forma en qué está contada y por cómo la cuentan sus personajes. En primer lugar, si hablamos de la labor de los dos directores noveles, Álvaro Pastor, Antonio Naharro, no podemos hacer más que aplaudirles. La manera en que descuidan voluntariamente la cámara es verdaderamente útil a la hora de impregnar a la historia de un gran realismo. Además, jugar con el desenfoque le da un toque desenfadado que moderniza la obra y le da vida. Notable alto también para el montaje, que juega un papel fundamental para narrarnos el paso del tiempo.

Por otro lado, destacamos de nuevo la gran labor de los dos actores principales, tan galardonados por sus papeles. Cuando se presentó la película en la XIX edición del Festival de San Sebastián, ambos fueron galardonados como mejores actores. Pineda, muy limitado para próximos papeles, realiza un trabajo impecable y el espectador empieza a sentir un gran cariño por él desde los primeros minutos de la cinta. Lola Dueñas, brillante como siempre, puede hacer lo que quiera. Ya puede teñirse el pelo amarillo pollo, como volverse a poner morena; las sensaciones que esta mujer transmite con tan sólo su expresión facial son suficientes para contar una historia. Y los secundarios, muchos de ellos con Síndrome de Down, además de estar muy bien dirigidos; no caen tampoco en la sobre actuación si no que refuerzan la trama brillantemente. La historia de dos de ellos es especialmente encantadora, con una fuerza increíble que en ocasiones, llega incluso a superar a la narración principal.

Todos estos elementos se combinan bajo la perfectamente insertada música diseñada por Guille Milkyway, que ganó un Goya por este trabajo. Os dejamos con el tema principal de la película, con algunas imágenes de la película. Para ir abriendo boca.

Futuros Cineastas: 'Culpable'

2010-06-05T10:26:00.003+01:00

Hoy, en "Futuros cineastas", os presentamos el cortometraje Culpable, dirigido por David Oliete y con guión de Ruth Caudeli. La obra nos presenta un amor llevado al límite; un personaje obsesivo empujado hasta el final. "¿Hasta dónde llegarías por amor?". Esta es la pregunta que Culpable nos lanza.

David Oliete es Licenciado en Publicidad y Relaciones Públicas y la guionista, Ruth Caudeli, en Comunicación Audiovisual. Ambos han estudiado el Máster en Innovación y Calidad Televisivas de Televisión de Cataluña, en su módulo de ficción. El proyecto corresponde a una presentación de personajes tutorizada por el guionista Lluís Arcarazo, ganador de un Goya al mejor guión adaptado en 2007 por Savador (Puig Antich).

Lo sentimos, de momento, sólo en catalán.

Culpable from kenaprenguis on Vimeo.

Os dejamos también con el making off:

CULPABLE (the making of) from kenaprenguis on Vimeo.

Una de recomendaciones: 'Dr. Horrible's Sing-Along Blog'

2010-06-04T11:05:00.004+01:00

La Pantalla Mágica os trae hoy en "Una de recomendaciones" una de las historias más hilarantes de los últimos tiempos. Dr. Horrible's Sing-Along Blog es una historia de héroes y villanos. Pero no se trata de una historia al uso. Dr. Horrible es una comedia musical y además, protagonizada por Neil Patrick Harris, el fantástico Barney de How I met your mother. Pero es que encima, la obra lleva el sello de Josh Whedon, el creador de Buffy, the vampire slayer y Dollhouse. ¿Qué por qué tenéis que verla? Pasad adentro y os seguimos contando.

Dr. Horrible's Sing-Along Blog es la historia de un aspirante a súper villano. La historia en si ya es particular debido al punto de vista que nos narra. La némesis del protagonista, en este caso, será el héroe Captain Hammer. Los dos lucharán por conseguir el amor de una ingenua Penny. Dr. Horrible nos narra su historia a través de un videoblog en el que nos contará sus planes para acabar con el mundo con su rayo congelador y hacerse con el poder. Pero, pese a querer ser un villano, el pobre Dr. Horrible, no deja de ser un buenazo que perderá la cabeza por su amada. A todo esto, hemos de añadirle el toque musical que acaba por redondear esta genial comedia.

Uno de los aciertos más grandes de esta producción es, sin duda, el cásting. Neil Patrick Harris encabeza un reparto brillante capaz de hacer un musical ameno y tremendamente divertido. No hay duda de que Harris es uno de los nuevos magos de la comedia actual, como lo viene demostrando temporada tras temporada en How I met your mother, en donde destaca por encima del resto. El saber hacer de Harris le convierten en un villano entrañable del que nos enamoramos nada más verlo. Pese a sus intentos de destruir el mundo con su rayo congelador y repetir que tiene un doctorado en "horribleness", el personaje, que acaba siendo un perdedor, nos produce una gran empatía. El villano se convierte en ese ser con el que el público se siente identificado pues no deja de ser un pobre loser cuyas únicas aspiraciones son poder llegar a convertirse en miembro de la Liga del Mal.

El público se decanta del lado del Dr. Horrible y desprecia al héroe Captain Hammer, interpretado por Nathan Fillion. Hammer es el estereotipo del héroe llevado hasta la ridiculización: es engreído, egocentrista, y se cree superior en todos los aspectos. La comicidad de la obra reside justo ahí, en la estereotipación extrema de los personajes hasta caer en lo rídiculo. La acentuación de los rasgos propios del héroe o del villano resulta incluso tan teatral que el espectador entra en el juego satírico rápidamente. Son personajes perfectamente construidos bajo el halo de un estereotipo ridículo. La chica, ingenua, se enamora del héroe, como es habitual, pese a que a la vista del público, Captain Hammer es casi despreciable y se lo hace pasar mal al torpe Dr. Horrible. Todos hemos sido alguna vez el Dr. Horrible.

Por otro lado, hay dos aspectos que no podemos olvidar mencionar y que de bien seguro atraerán vuestra atención. En primer lugar, la realización es exquisita. La narración que Harris hace vía videoblog nos acerca a los sentimientos más profundos del villano. Descubrimos aquí su vulnerabilidad y su lado más humano. Por otro lado, todo esta combinado con unas canciones muy pegadizas y narrativamente eficaces. Además, son tremendamente divertidas y en algunas ocasiones podemos llegar a ver como Harris se dirige directamente a la cámara.

La historia fue ideada por Josh Whedon y sus hermanos para emitirse directamente por internet durante la huelga de guionistas del año 2008. La narración consta de tres actos de unos catorce minutos cada uno, que se emitieron como tres capítulos independientes. El 31 de octubre de 2008, la revista Time la nombró número 15 en el Tiempo 's Top 50 inventos de 2008. También ganó el People's Choice Award por "Favorite Online Sensation", y el Premio 2009 Hugo por Mejor Presentación Dramática, Short Film. En la inauguración de 2009 Premios Streamypara la televisión por la web, el Dr. Horrible ganó siete premios: Premio del Público a la Mejor Web de la Serie, Mejor Dirección de una Serie de Comedia Web, Mejor Guión de una Serie de Comedia Web, Mejor Actor en serie de comedia Web (Harris), Mejor Montaje, Mejor Fotografía y Mejor Música Original Música. También ganó en 2009 Primetime Emmy para la Clase Especial Pendiente - Corto formato Live-Action Entretenimiento Programas. Vamos, que estamos hablando de una obra reconocida tanto por crítica como por el público.

Aquí os dejamos con el tráiler de esta producción que no os podéis perder.

Islas Mitológicas: 'Lost' no ha sido la única

2010-06-03T15:36:00.004+01:00

Lost sigue dando de qué hablar. Y su final, todavía más. A estas alturas, creo que a todo el mundo le ha quedado claro ya que la Isla de Lost es un personaje más. Su entidad como protagonista casi indiscutible de la serie, hace que tengamos que referirnos a ella como “Isla” con “i” mayúscula porque se trata ya de un nombre propio. Además, la utilización de la prosopopeya (metáfora ontológica que define una realidad no humana como humana) para definir a este ente en principio inanimado, la hacen meritoria de una atención especial. Esta personificación de una isla, no es la primera vez que se da en el audiovisual y, por supuesto, tampoco en la literatura. Os avisamos de que tras el salto os encontraréis con un extenso artículo que argumenta la mitología asociada a la insularidad y, en última instancia, el por qué no eran necesarias explicaciones racionales al llegar al Génesis de Lost.

Toda isla es un mito. No tan sólo la Isla de Lost, si no toda isla. La Real Academia de la Lengua define el término “isla” como “porción de tierra rodeada de agua por todas partes”. Esta definición sería correcta en el mundo de lo real, pero en la literatura y el audiovisual, esta acepción no llegaría a definir en absoluto lo que una isla viene a representar.

Encontramos islas en la más remota literatura. Estas zonas de tierra firme suelen mostrarse como espacios maravillosos en la tradición ya formalizada de las mitologías que evolucionan a lo que hoy en día concebimos como espacios narrativos con múltiples posibilidades. Las islas van más allá del relato de naufragios. En la Odisea de Homero, las islas son estructurales al relato cuando Ulises navega entre algunas de ellas verdaderamente fantásticas. Miles de años después, la odisea contemporánea que vive Leopold Bloom en el relato de James Joyce nos acerca al microcosmos de un hombre en una isla. El mundo de las nuevas islas refleja, según la profesora de la universidad de Deusto, María Luz Suárez, “el desorden espiritual y la incapacidad de nuestra época: sus tradiciones y convenciones perdidas, su orden mundial perdido y su falta de creencia en la religión y el mito”. Con la llegada del fantástico moderno, la insularidad se convierte en uno de los principales referentes para el desarrollo de ficciones inverosímiles o hiperbólicas en como las novelas y películas de piratas como Pirates of the Caribean o Waterworld o las series de ciencia ficción como Lost. Estos productos de entretenimiento derivan también en expresiones figurativas de aspectos mucho más profundos como el exilio forzado o voluntario, el solipsismo humano, la experimentación de una “sociedad natural” o la emergencia del inconsciente frente a la identidad.

Las islas, como vemos, son tratadas de distintos modos, pero, ¿cuáles son los atributos que la predisponen de esa manera a la fantasía? El más relevante es la condición de soledad o estado aislado que la propia isla conlleva. Sin embargo, no es su periferia sumida en agua lo que la induce a esos mundos fantásticos si no más bien el hecho de su estado suspendido en agua. El antropólogo y mitólogo Gilbert Durand explica como el mar es una enorme imagen funeraria y a su vez expresión de temporalidad mutable. La tradición indoeuropea localiza el mundo de los muertos en el infinito más allá del océano. En la literatura caballeresca de influencia céltica, las islas o los espacios cerrados por agua son reinos maravillosos.

Ávalon o Avalón es una de estas islas legendarias de la mitología celta en donde según la leyenda, los manzanos daban sabrosas frutas durante todo el año. Esta isla ubicada en algún lugar de las islas Británicas, era un paraíso de eterna primavera en el que nadie envejecía, la paz era perpetua y no existía la fatiga. Era semejante a otros reinos como la Atlántida, en donde sus habitantes gozaban de una Edad de Oro. Se dice que fue el lugar donde fue llevado el rey Arturo para ser curado de sus heridas tras su última batalla en Camlann. Geoffrey de Monmouth, un escritor del siglo XII, dice de Avalón en su libro Vita Merlini: “ Se llama Isla Afortunada […] el grano y la uva se dan sin cuidado alguno, y en los bosques crecen los manzanos sobre la hierba bien cortada. La tierra ofrece espontáneamente todos los frutos en abundancia”. Otra isla más que presenta un paraíso fantástico en donde casi todo es posible y que nos lleva a las islas afortunadas. Se trata de tierras de abundancia, riqueza, juventud eterna y de goce que siguen disfrutando de la bendición de los dioses. El Génesis de la Biblia especifica que el Jardín del Edén está rodeado por cuatro ríos, convirtiéndolo casi en una isla en la que todo tiene lugar. Por su parte, el Hades griego estaría también rodeado de agua, en este caso, de cinco ríos.

Por otro lado, la evanescencia de la isla aumenta todavía más ese carácter fantástico. Al encontrarse en un medio móvil, la isla no parece tener una existencia real ya que no ha de quedarse anclada. De este modo surge el mito de la isla-móvil o la isla tortuga. Ésta está relacionada con los mitos indoeuropeos de la creación pero tiene una presencia plástica en relatos como el de Simbad, que descubre que ha desembarcado en el lomo de un monstruo marino. Podemos también hablar de una isla sumergida como la que Platón presenta, la Atlántida; un lugar idílico destruido por la impiedad de sus habitantes. (argumento que la madre de Jacob da para prohibir la entrada de más gente). No obstante, hasta el siglo XIX no se retomaría la hipótesis del continente sumergido. Con esta teoría de la inmersión de la tierra se trataron de explicar las migraciones prehistóricas. De este modo empezaron a surgir otros continente perdidos como Lemuria o Mu que se verían desarrollados por el imaginario fantástico, ocultista y de ciencia ficción del siglo XX. Estos continentes son, en muchos casos, lugar para monstruosos seres con atributos cefalópodos llegados más allá de las estrellas, según la representación del autor de novelas de ciencia ficción y terror, Howard Phillips Lovecraft.

Por lo tanto, la isla se sitúa como un referente que desafía los límites del tiempo y el espacio. El aislamiento o alejamiento del resto del mundo que su condición le proporciona crea una especie de microcosmos o mundo en miniatura. Este micro universo se puede observar en la Atlántida de Platón y su mundo autosuficiente y regulado y reaparecerá en tres de las grandes utopías del Renacimiento: la homónima de Tomás Moro, la Nueva Atlántida de Francis Bacon y la Ciudad del Sol de Tomaso Campanelo. La isla, se concibe pues, como un lugar ideal para la experimentación, ya que permite la regulación entera del microcosmos. Poco a poco, pasamos de un paraíso mítico a uno más racionalizado.

Durante este proceso de racionalización del paraíso, vamos encontrando obras variadas que siguen contando con el componente fantástico que caracteriza a las islas. La recopilación de cuentos fantástico árabes del Oriente Medio, Las Mil y una noches, transcurre entre islas. Jonathan Swift publica en 1726 Los viajes de Gulliver, que ocurren también en islas. A parte de sus viajes a Liliput o Brobdingnad, Gulliver visita también una isla llamada Lupata. En esta ínsula, que flota en el aire y sobre el agua, todos son sabios. Las personas que viajan a ésta se llevan conocimientos inaplicables. El poeta y periodista argentino, Jorge Aulicino, en su artículo “Islas de la literatura” publicado en la edición digital del diario Clarín, afirma que Lupata prefigura la isla de Lost, llamada Herbert Jablonski por los propios creadores de la serie. “Esta Lupata está invadida de fenómenos extraños y dominada aparentemente por uno o más psicópatas o psicóticos”.

La isla del doctor Moreau, escrita por H.G. Wells en 1898 sirvió como prototipo de las islas imaginarias en las cuales suceden hechos terroríficos. En la isla que presenta Wells se desarrollan humanos a partir de especies salvajes. En este caso, la hechicera Circe de La Odisea que convertía en cerdos a los hombres de Ulises, pasa ahora a ser un sabio algo loco que trata de hacer el proceso inverso, convertir a los cerdos en hombres.

Según el mismo Aulicino, las islas parecen neutralizar, al menos imaginariamente, las sucesiones de causas y efectos y las asociaciones de los hechos particulares con aquellos generales. Anulan la historia y la racionalidad. Con ejemplos como La Isla del Tesoro, de Stevenson, vemos que las islas contienen tesoros sustraídos de la economía y la vida del resto de la civilización. Con el Avalón que hemos visto, se conservan despojos arcaicos y míticos como el cuerpo del Rey Arturo y con obras como Robinson Crusoe de Defoe se desafía al hombre civilizado. La civilización se hace mítica y se aleja en la isla de Crusoe; la isla se suaviza ante los recursos del homo habilis. Encontramos también las islas paradisíacas como las del propio Stevenson que tratan de ser ahistóricas.

Sin embargo, María Luz Suárez sugiere que en las nuevas robinsonadas el microcosmos de la isla está regido por la misma anarquía que el macrocosmo caótico que representa el mundo exterior. En estos casos, el náufrago representa al ser humano en general y se acaba destruyendo no solamente a sí mismo, si no a la propia naturaleza de la isla. Esta naturaleza es, al principio del aislamiento, casi siempre benévola. La isla que Golding presenta en su novela, El señor de las moscas, es un paraíso tropical que los niños acaban convirtiendo en un infierno en llamas. En John Dollar hay agua y frutas pero las niñas lo ignoran porque no tienen instinto de exploración y el miedo les impide adentrarse en el bosque. El Año de Gracia nos muestra como la crueldad y amoralidad de la naturaleza en la isla es producto de la crueldad y amoralidad del hombre. Esta visión sería la que la madre de Jacob y su hermano trató de inculcarles y, la que más tarde, antiJacob defensaría.

No obstante, podemos encontrar algunos casos en los que la naturaleza exterior es intrínsecamente malévola. La isla de Foe, es inhóspita e indiferente al sufrimiento humano y en The Mosquito Coast, ésta tiene su propio poder y se resiste a la inventiva del nuevo Robinson americano. La condición aislada del hombre se refleja en las nuevas islas modernas.

Las islas siguen mostrándose fantásticas y misteriosas en el audiovisual contemporáneo. Las islas siguen siendo especiales, lugar de salvación. Así ocurre en Waterworld, dirigida por Kevin Reynolds en 1995. Después de los casquetes polares de la Tierra se hayan derretido debido al efecto invernadero, la tierra firme queda cubierta por las aguas de los océanos. Los humanos logran sobrevivir gracias a unas islas flotantes. Diez años más tarde, Michael Bay nos presenta otra isla que sirve como salvación y como lugar escogido para sobrevivir. Los humanos causamos una serie de catástrofes ecológicas que nos obligan a buscar otras tierras habitables. Parecemos desprovistos de razón y, por nuestros errores, como en la mitología más clásica, algún ser superior decide desterrarnos de la tierra que conocemos. La isla se presenta como redención, como lugar único para ciertos elegidos para continuar allí sus vidas. La isla, de Michael Bay, se presenta como único lugar del mundo sin contaminar. Otras muchas islas fantásticas aparecen en el Océano Oriental del reino de Narnia. Al culminar este océano, la geografía se vuelve completamente fantástica (ya que el mundo de Narnia es plano) y el cielo se encuentra con la superficie de la tierra.

La isla que nos concierne, la Herbert Jablonski, según Aulicino, es una estirpe de la del doctor Moreau y La invención de Morel de 1940. Adolfo Bioy Casares inventa a un personaje, Morel, que inventa un dispositivo que hace falsa la realidad entera, el tiempo y los hechos en el tiempo. Aulicino afirma que “quien fracasa en la Isla de Lost es Robinson”.

John Locke habla de la Isla como si de una persona se tratase. La Isla le ha elegido. La Isla le ha curado. Habla de ésta como algo que escapa del entendimiento humano porque es visiblemente superior a éste. Locke afirma haber mirado a los “ojos” de la Isla, y con afirmaciones como ésta refuerza la personificación de un trozo de tierra. Más adelante, ya en la sexta temporada, se nos explica el génesis de la Isla en Across the Sea. Esta explicación no convence a muchos de los seguidores de la serie porque creen que se la han sacado de la manga. Un centro neurálgico en donde reside el bien y el mal, el amor y el odio; les parece una respuesta poco acertada y fácil porque no se puede tener todo. Este tema ya lo hablamos en otra entrada, pero desde aquí afirmamos que esa explicación es claramente mitológica, como la que hemos visto sobre el resto de islas mágicas tratadas en la narrativa. La mitología de las islas nunca tiene un razonamiento lógico, porque así es la mitología. ¿Por qué en Avalon los frutos crecían de la tierra sin cuidado alguno? No lo sabemos, pero es una licencia mitológica. ¿Por qué en la Isla de Lost tenía poderes curativos? Es algo que tampoco necesitamos saber. No necesitamos saber más porque creemos en la mitología.

Una de actores: Roger Coma

2010-06-03T11:01:00.001+01:00

La Pantalla Mágica estrena otra nueva sección. "Una de actores" es la iniciativa por parte de este equipo para respaladar la carrera de nuestros actores. En este apartado os ofreceremos entrevistas con actores que comienzan a despuntar en el panormana español de la ficción. Algunos de ellos ya los conoceréis y otros serán nuevos rostros que empiezan a apuntar muy alto. Queremos que los conozcáis mejor y sobretodo, acercaros a su trabajo porque su labor es esencial para que una obra funcione. El actor es la voz de la película o serie, es quien trasmite la mayor parte del contenido del guión. Aunque muchos directores vayan a lincharnos por esta afirmación ; el actor es quizás, el alma de la obra. Es más, la historia esta hecha para ellos.

Hoy, para empezar de la manera más grande posible, tenemos con nosotros al gran Roger Coma. Pasemos dentro para conocerlo mejor y para que nos reponda algunas cuestiones que La Pantalla Mágica le ha planteado.

Roger Coma, actor catalán nacido en Barcelona allá por 1976; ha participado en un gran número de producciones para cine, televisión y teatro. Empezó trabajando para la Televisión de Cataluña y haciendo papeles secundarios en producciones estatales. En el cine ha trabajado en películas como Para que no me olvides de Patricia Ferreira, Salvador (Puig Antich) de Manuel Huega o, más recientemente, en A la deriva de Ventura Pons. En televisión ha hecho casi de todo. Ha pasado por proucciones de culto como Porca Miseria; papeles más comerciales como el de Genesis: en la mente del asesino o el más reciente en Los protegidos de Antena 3. Pero también se ha metido en la piel de un profesor de pueblo en posguerra en Les veus del Pamano o en la mente de un psicópata asesino en El asesino dentro del círuculo. Un actor polifacético al que vamos a conocer mejor ahora con nuestra entrevista en La Pantalla Mágica.

- Gracias Roger por aceptar nuestra invitación. Eres un actor con una proyección de futuro increíble. Cada vez te vemos en más y mejores trabajos. Pero, ¿cómo ha sido tu trayectoria hasta llegar donde estás ahora?

Pues llena de incertidumbre como todo en la vida, nunca sabes cuál será el próximo trabajo, si valdrá la pena. Hay que hacer muchos que son de subsistencia y otros que sí tienen interés.

- Te has ido ganando al público poco a poco a través de personajes muy particulares. ¿De qué personaje guardas una mejor experiencia?

Del que interpreté en la serie Porca Miseria porque era un tipo que creía conocerse y no tenía la más remota idea de lo que le pasaba por dentro, pero se permitía el lujo de dar lecciones e ir de enterado de todo. Mucha gente me dijo que conocía a alguien, un primo, un cuñado que se le parecía. Me di cuenta del valor de este trabajo, hacer de espejo o de amplificador de lo que en la vida no vemos. Cómo detector de mentiras en las que vivimos atrapados.

- En Para que no me olvides, además de con Marta Etura o Emma Vilarasau, compartiste protagonismo con Fernando Fernán Gómez. ¿Cómo fue trabajar con uno de los mejores actores que ha habido en España?

Me cagué de nervios. Su barba imponía una autoridad o una especie de nobleza muy peculiar. Fue encantador conmigo, intentó en las pocas conversaciones que tuvimos ser cercano y me contaba anécdotas de teatro de su vida. Yo tenía que pincharme el brazo para certificar que no estaba durmiendo y era real.

- Después participaste también en una de las series más aclamadas por crítica y público en Televisión de Cataluña, Porca Miseria. ¿Cómo fue participar en un proyecto tan ambicioso y con tan buena acogida?

Tendría que ser una referencia el modo de trabajar. Mucho rigor con los guiones, todos escritos antes de empezar. Personajes que además de superficie tenían un fondo con miserias y frsutraciones parecidas a las humanas no a los estereotipos aberrantes a que nos tiene acostumbrados la tele y ya nos parece que la vida debe de ser así.

- Hace poco estuviste, de la mano de Lluís Maria Güell, en la miniserie Les veus del Pamano. Allí interpretabas a Oriol Fontelles, el maestro de un pueblo con un alcalde fascista. ¿Es más complicado para un actor interpretar a un personaje de una época tan difícil como la posguerra?

Lo único que es difícil de actuar es lo que está mal escrito, la época es intrascendente. Pero cuando tienes un guión lleno de palabras que no cuentan nada personal ahí te hundes seguro. Nada que hacer. Mejor quedarse en casa y no hacerlo. En Les veus del Pamano. La historia está magistralmente bien servida. Luego cómo actor a veces aciertas más y a veces fallas, pero la intención está…

- Les veus del Pamano era una adaptación de la obra de Jaume Cabré. ¿Te ayudó tener una referencia literaria para adaptar al personaje?

La novela está llena de información extra del personaje. Supongo que ayuda. Sobretodo es muy divertido ver que hace el personaje en situaciones fuera del guión. Tiene cierto morbo que no sé si es de utilidad.

- Trabajaste con Güell en esta adaptación y también lo has hecho más recientemente en la tv-movie Ermessenda. ¿Se está creando un tándem Güell-Coma? ¿Tenéis previsto colaborar de nuevo más adelante?

Yo tengo previsto trabajar con él cuando me lo pida, esto es lo único que tengo previsto pero no sé si él tiene previsto algo. La vida de actor es así, tirando a poca autonomía y dependencia del exterior, que caiga un buen trabajo reza todos los días. En caso de saber rezar.

- Después de Les veus del Pamano, cambiaste radicalmente para interpretar al asesino castellonense Joaquín Ferrándiz. ¿Fue duro meterse en la piel de un personaje real de este tipo?
- Un reto. Cómo poner cara de un cierto goce al estrangular chicas y que el personaje no parezca un marciano. Cómo se hace. Todavía no lo sé. En esta trabajo a veces vas completamente a ciegas. Me gustó trabajar la psicología de las entrevistas con Carlos Hipólito que fue un compañero admirable.

- Ahora te hemos visto en Los protegidos, que acabó hace poco su primera temporada. ¿Veremos también al profesor Andrés en la segunda?

Andrés sigue en la segunda, pero no tengo guiones todavía, no sé si se va a transformar en gogó de discoteca o va a seguir en el instituto dando clases de no sé qué o vete tú a saber. Todo es posible… A mí me gustaría que le salieran poderes, me dan envidia los que tienen. Aunque son un coñazo de grabar.

- ¿Es diferente el ritmo de trabajo en una serie para una cadena estatal?

No. Depende de cada serie. Y a mí me depende del volumen que tenga el personaje. No veo diferencias entre Madrid y Barcelona, diferencia importantes, no. Bueno en Barcelona hablan un idioma raro.

- ¿Qué otros proyectos tienes a la vista?
Casarme y ser feliz. Después seguir trabajando, creo que voy a hacer una peli en octubre en Barcelona, pero siempre está todo en el aire hasta el día que empiezas.

- Además de en televisión y en cine, te hemos visto también en teatro. Hace poco te vimos en una adaptación del cuento de la Caperucita Roja, Tres dones i un llop en la Sala Villarroel de Barcelona. Personalmente, ¿cuál de los tres medios te aporta más?

Todos aportan y todos desgastan. Ya prefiero la cámara. Pero en el teatro te permiten ensayar durante dos meses y hasta te pagan por ello, bastante miserablemente es cierto, pero a lo mejo r estamos demasiado bien acostumbrados.

- Finalmente, ¿cómo ves el panorama de la ficción española? ¿Podrá competir alguna vez nuestro cine y nuestras series con las estadounidenses?

Podrá competir cuando lo que se haga sea más genuino y menos estereotipado, mejor vender lo que pasa en un piso de l’eixample que intentar recrear rascacielos y yuppies de Sexo en NY si no es lo nuestro.

- Gracias de nuevo Roger por atendernos. Ha sido un placer tenerte con nosotros.

Aquí ponemos el punto y final a esta charla con Roger Coma en la que nos ha hablado sobre sus experiencias y trabajos y le hemos podido conocer un poco mejor. En breve os traeremos más entrevistas con otros actores.

¿Hay algún actor al que te gustaría que entrevistásemos? ¿Eres actor y quieres hablar con nosotros sobre tu trabajo y experiencias? Escríbemos a lapantallamagica.blog@gmail.com

Futuros Cineastas: 'Algo queda'

2010-06-02T15:00:00.006+01:00

El Alzheimer es una enfermedad que, desgraciadamente, es más común de lo que desearíamos. El olvido se apodera de ellos, pero también de las personas que les rodean. El enfermo acaba siendo un cuerpo desconocido para amigos y familiares; con una mente que, cada vez menos, tiene ciertos momentos de lucidez. El Alzheimer no sólo afecta al enfermo, si no también a su entorno. Algo queda es algo así; la historia de un paciente, pero también una historia del sufrimiento ajeno. Este entrañable cortometraje escrito y dirigido por la valenciana Ana Lorenz, acerca a los espectadores a la dura realidad de esta enfermedad y lo hace de una manera tan natural que nos llega hasta doler.

La historia de Algo queda nos habla de la difícil tarea de cuidar a un enfermo de Alzheimer sin esperar nada a cambio. La apuesta más brillante de este cortometraje es sin duda la narración paralela en dos espacios temporales diferentes. A través de esta técnica, nos introducimos más en la vida de las dos protagonistas, interpretadas por tres actrices diferentes: Marta Belenguer (‘Lala’, ‘Alumbramiento’, ‘7:35 de la mañana’), la brillante Mª Alfonsa Rosso (‘Voltereta’, ‘Nacidas para Sufrir’) y Cristina García (‘Autoindefinits’, ‘Unió Musical Da Capo’). Esta comparativa temporal (vejez-niñez), junto con el tratamiento tan real que se hace de la enfermedad, hacen de este cortometraje una historia entrañable cargada de sentimientos. Una historia que, paradójicamente, va in crescendo a medida que la vida se va apagando, y es esta paradoja la que emociona al espectador. Lorenz no ha intentado darnos pena, y eso se nota. Si la historia no se hubiese tratado con tanta naturalidad, no nos habría llegado tanto. Es una narración veraz que muestra la crudeza del Alzheimer.

Ana Lorenz, además de escribir y dirigir a obra, se ha rodeado de grandes profesionales, muchos de ellos valencianos. Con música de Pascal Gaigne (‘The End’, ‘Azuloscurocasinegro’), fotografía brillante que ha de destacarse de Anna Molins (‘Lupe & Bruno’, ‘Cabaret Kadne’) y la producción ejecutiva de Cristian Guijarro (‘Un juego de toallas’, ‘La Victoria de Úrsula’). No podemos olvidar mencionar la notable dirección artística de Clara Ballesteros, que nos hace saltar de una época a otra muy fácilmente.

Este cortometraje tiene previsto su estreno para el próximo 10 de junio en el 2º SNC FILM de Madrid, del que ya os iremos informando. ¡Mucha suerte!

Recuerda, puedes enviarnos tus vídeos o proyectos a lapantallamagica.blog@gmail.com y hablaremos sobre ellos.

La televisión que nos viene: ¿Habrá una sustituta para Lost?

2010-06-01T21:08:00.001+01:00

Hace tan sólo poco más de una semana desde que concluyó una de las series más influyentes de los últimos años. Hablamos de Lost, el fenómeno mundial que ha enganchado a millones de fans alrededor del mundo, incluso después de haber finalizado. Pero, la pregunta es: ¿y ahora qué? ¿Sabrá la ABC reponerse de esta pérdida? ¿Encontraremos una sustituta que llegue a los niveles que Lost ha conseguido?

Desde que Jack abrió el ojo tirado en la selva allá por 2004, millones de espectadores se pegaron cada semana enfrente de la pantalla. Esa sí era una pantalla mágica; la que reproducía unas imágenes cargadas de emoción y saber hacer. Porque en Lost no sólo se ha desarrollado una buena trama, si no que se desarrolló una nueva manera de hacer televisión. Con esta serie, se dio un vuelco a aquello que llamamos transmedia storytelling o narrativa transmediática. Esta estrategia de marketing hace que la propia serie cruce la pantalla para formar parte de la vida diaria de los espectadores. Como ejemplos lostianos podemos citar la Lost University, la web de Oceanic Airlines, o los mobisodios que nos ampliaban la historia vista por televisión. Estas técnicas de ganarse al público han acrecentado todavía más el fenómeno fan. Todo esto se narra maravillosamente en la obra escrita por Jon Lachonis, Amy Johnston y Javier Grillo-Marxuach, Lost ate my life. Recomendamos fervientemente esta obra que ayuda muchísimo a entender el fenómeno creado alrededor de esta serie. Eso sí, la obra esta en inglés.

Pero ahora Lost ha acabado. No hay ninguna serie en la televisión actual que haya enganchado a tantos espectadores como lo ha hecho Lost. Ni por la trama, ni por la narración. ABC intento fallidamente avanzarse a la pérdida y emitió Flashforward que acabó en un estrepitoso fracaso como ya explicamos. Hay otras series como Mad Men, que pese a considerarse de culto y ser innegablemente buenas, no llegan al nivel de fandom al que Lost ha llegado. Mad Men también trata de hacerse servir de la narrativa transmediática y saltar de la pantalla a Twitter o Facebook, pero no consigue llegar al mismo nivel.

Entonces, ¿llegaremos a tener una nueva Lost en nuestras pantallas? Pues nosotros esperamos que sí, pero no será esta temporada próxima y tal vez tampoco dentro de dos. Las series presentadas por las cadenas estadounidenses en los Upfronts, ya de primeras, no presentan tramas que se den a este fenómeno. ABC, por ejemplo, tratará de explotar el remake de V y seguir con nuevas comedias como Mr. Sunshine; que aunque cuenta con el conocido Matthew Perry (Chandler en Friends), no creemos que logré tener mucha más repercusión que la que ha tenido otra comedia con un “ex amigo”, Cougar Town (con Courteney Cox Arquette). Además, nos saturará un año más con nuevas series policíacas como Detroit 1-8-7. Tal vez su apuesta más interesante sea No ordinary family con la Julie Benz de Dexter, que narra la historia de una familia con poderes. Esperemos que no sea del estilo de Los protegidos. Otras cadenas como la CBS, seguirán tirando de sus puntos fuertos como How I met your mother, e intentarán seguir con el filón de actores de Lost, como Daniel Dae Kim en Hawaii Five-0. La NBC, sin Heroes, seguirá con comedias como 30 Rock o Chuck o dramas juveniles como Friday Night Lights; y además incorpora dramas como The Cape, Outlaws o Undercovers; ésta última sobre dos agentes secretos de la mano del gran J.J. Abrahams. Esta es la gran apuesta de la temporada aunque la trama parece bastante parecida a la de Sr. y Sra. Smith. Fox, por su parte, incorporará, entre otras, una nueva serie de animación, Bob’s Burger, sobre una familia que regenta una hamburguesería. Si queréis saber más sobre los Upfronts 2010, os remitimos a esta página de FormulaTV en la que se presentan todas las novedades.

En definitiva, que bajo nuestro punto de vista, tardaremos todavía un poco en tener de nuevo una serie tan adictiva en nuestras pantallas. El fenómeno Lost puede equipararse a muy otros pocos que no tuvieron la suerte de vivir en esta época tan interactiva como Twin Peaks o The X Files. Esas dos series, sí contenían todo lo que hace falta para enganchar al espectador desde sus más profundas entrañas, pero vivieron unos tiempos en los que la narrativa transmediática no estaba tan en auge. Otras series han tenido también un gran éxito de crítica y público como 24, The Sopranos, The Wire o Six feet under, pero no han movilizado tanto al público.No obstante, la televisión está en constante cambio e iniciativas como las de Cuatro el pasado 23 (aquí ya 24) de mayo, al retransmitir en directo Lost; nos demuestran la necesidad de una serie tan potente para lanzar de nuevo al espectador frente al televisor y no frente a la pantalla del ordenador.

'Room in Rome': gran película, gran BSO

2010-06-01T11:30:00.002+01:00

La pasada semana se estrenó en todas las tiendas de discos la banda sonora de la última película de Julio Medem, Room in Rome. La Pantalla Mágica se hizo, por suerte, con uno de sus CD’s. Digo “por suerte” porque realmente fue una suerte poder encontrar un disco ya que en El corte inglés nos informaron que nuestra copia era la única que les había llegado. Por lo que vemos, la distrubución no está siendo muy correcta; pero como nosotros sí hemos podido escucharla, pasemos dentro a comentarla.

Hemos de decir, ante todo, que somos unos grandes fans de las bandas sonoras. No hay nada mejor para evocar las imágenes de un film, que una buena banda sonora. Los recuerdos se agolpan en la mente y reproducen imágenes como si se estuviesen viendo a través de una pantalla con la más alta definición. Este es el caso de la de Room in Rome. Escuchar la música original de Jocelyn Pook es como volver a ver la película.

La música es, como la película, una sutil metáfora del amor. Si hablamos de la película, que se estrenó el pasado 7 de mayo en los cines (aunque sólo en algunos, y en muy pocos en versión original) tan sólo podemos decir que es quizás la mejor obra de Medem. Para los que no la hayáis visto, el tráiler no le hace justicia. Y aunque no os gusten las anteriores películas del director, os la recomendamos fervientemente porque es una obra única. Aunque dicho tráiler parece que tan sólo nos muestra sexo y dos mujeres sin ropa (algo que habrá llevado a mucha gente al cine, desgraciadamente); nada más lejos de la realidad. A los pocos minutos de película, la ternura y la pasión nos hacen olvidar la desnudez de las dos protagonistas para centrarnos en su corta historia de amor de una noche. Y el final… ¡ay, el final! No vamos a desvelarlo, por supuesto, pero es un final brillante que habrá hecho llorar a más de uno y más de dos.

Como apunte, no podemos olvidar mencionar a las dos maravillosas actrices que hacen de la película, todavía si cabe, más especial. Las dos se funden con la belleza de las imágenes, entre el arte de la misma habitación, perfectamente combinado. Narrativamente, la película es también muy cuidada, pues incluye algunos planos secuencia que ayudan a la historia y nos sumen en un letargo de amor doloroso. Medem ha cuidado cada plano, como si de una obra de arte se tratase. Ninguno está filmado al azar, si no que la composición se ha pensado a conciencia para nuestro goce visual.

Pero volvamos a la música, que como hemos dicho, está compuesta por Jocelyn Pook e incluye temas como “Women’s Magazine Tango” o “Secret Garden”. Además, incluye dos temas de Russian Red, el pseudónimo de la cantante Indie y folk Lourdes Hernández; entre ellos, el tema principal de la película, “Loving Strangers”. Canteca de Macao interpreta también el último tema del disco, “Contigo”.

Desde La Pantalla Mágica os recomendamos especialmente, además del tema principal “Loving Strangers”; la track 1, “Women’s Magazine Tango, y el tercero, “Libera Me”, que acompaña alguno de los momentos más mágicos de la película. No obstante, no dejéis de escuchar todo el disco, porque incluye piezas que son verdaderas obras maestras.

Aquí os dejamos con vídeo con el tema principal del film, “Loving Strangers”, que os sabrá mucho mejor que el tráiler. A aquellos que la habéis visto, os hará ganas de volver a verla; y aquellos que no, no podréis resistiros a ir al cine.

Futuros Cineastas: 'Q descansis'

2010-05-31T23:44:00.002+01:00

Inauguramos esta nueva sección en la que presentaremos los trabajos de futuros profesionales del audiovisual. Muchísimos jóvenes nos preguntamos en este duro momento qué será de nosotros en el futuro. La mayoría está cargada de ilusión y ganas por abrirse camino en este duro mundo en el que hay tanta y variada competencia. Por ello; porque cuesta tanta darse a conocer al público, comenzamos este apartado en el que presentaremos obras realizadas con mucho talento e ilusión. Además, abrimos nuestro buzón para todos aquellos que deseen compartir con nosotros sus obras: lapantallamagica.blog@gmail.com.

Hoy abrimos sección con Q Descansis, de Josep Maria Arnau y guión de David Oliete.

Q Descansis es una obra realizada como presentación de personajes para un taller de guión con el ganador de un Goya al mejor guión adaptado 2007 por Salvador, Lluís Arcarazo. Josep Maria Arnau y David Oliete son Licenciado en Comunicación Audiovisual y en Publicidad y Relaciones Públicas, respectivamente. Ambos han estudiado el Máster en Innovación y Calidad Televisivas de TV3 y están ansiosos por abrirse paso y darse a conocer.

Os dejamos con su obra. Sentimos presentárosla tan sólo en catalán, pero no hemos podido subtitularla todavía.

Q Descansis from Josep Arnau Juan on Vimeo.

¿Qué os ha parecido? ¿Os ha gustado?

Os recordamos que podéis enviar vuestros vídeos y trabajos a lapantallamagica.blog@gmail.com y los publicaremos cuanto antes para que nuestros lectores os conozcan.

Pardillos, 4ª Temporada: Entrevista con su creador, Carlos Azaustre

2010-05-30T19:26:00.002+01:00

Cuando pensábamos que ya nos habíamos despedido de la Isla para siempre; cuando nuestros Losties nos habían regalado un adiós y un see you in another live, brother; no podíamos estar más equivocados. La aventura continúa. No, no nos equivoquemos; no estamos hablando de los supervivientes del Oceanic 815 con destino LA, si no de los del Naufragic Airlines a Cuenca. Sí señores, hablamos de Pardillos y de Yiaaak, Locko, Keit y compañía. La cuarta temporada de Pardillos llega a nosotros con más fuerza que nunca y con la misión de hacernos más llevadera la morriña post-Lost. Después del “tenemos que volver” del doctor Yiaaak Quelosepards, ahora nos toca conocer a los Naufragic Six. Pero, ¿qué más podremos encontrarnos en esta nueva etapa? Hablamos con el mismo autor de las viñetas, Carlos Azaustre, para que nos cuente un poco más sobre esta entrega.

Carlos Azaustre, Aza para los amigos y para sus lectores, nació en Madrid allá por 1984. Estudia Ingeniería Técnica de Telecomunicaciones y en sus ratos libres comenzó a dibujar, sobre todo ilustraciones, cómics y webcomics. A principios de 2005 ingresó en el fanzine Ojodepez. A partir de entonces ha desarrollado su actividad en diferentes periódicos catalanes y webs. Su humor gráfico está muy ligado a la ficción, ya que además de Pardillos, ha tratado muchas series de TV de forma cómica en Zapping Series.

- ¿Carlos o Aza? ¿Cómo prefieres que te llamemos?

Como queráis, Aza que es más corto ;)

- Aza, bienvenido a La Pantalla Mágica. Gracias por atendernos.

Gracias a vosotros por interesaros.

- Antes de hablar de la nueva entrega de Pardillos, cuéntanos, ¿cómo te vino la idea de parodiar esta serie? ¿Por qué Lost?

Bueno, siempre me ha gustado dibujar aparte de que esté estudiando una carrera técnica, pero desde que tengo uso de razón siempre he estado monigoteando. Antes de PARDILLOS, había dibujado para fanzines, periódicos y algunas webs pero eran tiras cómicas o historias cortas, algunas de ellas sobre LOST. Tenía ganas de empezar un cómic más largo y LOST era una serie que me encantaba (y me encanta). No encontré ningún cómic de LOST salvo algunas tiras cómicas sueltas, asique decidí empezar a parodiar la serie por temporadas. Cuando empecé creo que acaba de emitirse la 3ª temporada en EEUU, por eso voy con un poco de retraso.

- ¿A cuál de los personajes le has cogido más cariño? ¿Coincide con el que más te gusta de la serie?

A Locko le doy mucha importancia en la parodia, de ahí el lema “Todo sucede porque el calvo la lía”, Es mi personaje favorito de la serie original. Todo lo que sucede en la Isla ocurre por él, hasta cuando está muerto y es el humo negro el que tiene su forma.

En los últimos capítulos, Jack se transforma en Locke en la manera de actuar y pensar, ahí es cuando me empieza a gustar a Jack.

- ¿Cómo recibieron los fans esta sátira?

La verdad es que muy bien. Nunca esperé que tuviera tanta aceptación. Empecé PARDILLOS como un cómic online, una forma de evadirme de la cotidianeidad y dejarlo en internet para todo aquel que lo quisiera leer. Cuando apenas llevaba 3 o 4 páginas subidas de la 1ª temporada, muchas webs empezaron a anunciarlo y recomendarlo con lo que el número de lectores se fue incrementando. Cuando acabé la temporada, allá por Agosto de 2008, se lo mostré a algunas editoriales españolas por si estaban interesadas en editarlo, pero recibí negativas o simplemente no recibí contestación alguna.

- ¿Cuánto tiempo has tardado en elaborar cada una de las temporadas?

La primera tardé mucho, un año y pico, tampoco la dedicaba el tiempo que les dedico ahora. Más o menos tardo unos 5-6 meses entre que preparo un poco el guión, ver que sucesos fueron claves en la temporada y pensar de que manera puedo hacer un gag o un chiste que le dé la vuelta. Más o menos hago una página a la semana, o 2 si tengo más tiempo. Si sólo me dedicara a esto tardaría menos, pero al tener otros encargos y sobre todo los estudios, el tiempo es muy limitado.

- ¿Cómo surgió la idea de editarlas en papel y que no quedasen como una webserie?

Pues como dije, al finalizar la temporada tenía la idea de sacarlo en papel, de que el cómic llegara a más gente a través de las tiendas. Las editoriales no quisieron porque tienen otros proyectos y autores más conocidos con los que trabajan.

Fue entonces cuando empecé a informarme de que pasos debía seguir para autoeditarme. Tuve la ayuda de JMV un gran dibujante, parodiante y también autoeditor, me dio algunas pautas y consejos y me puse manos a la obra. Pagué una imprenta una tirada de 500 ejemplares para no pillarme las manos, contacté con una distribuidora para que llegara a las tiendas y así empezó todo.

La versión en papel tuvo mucho éxito y he tenido que reimprimir varias veces y hacer tiradas más grandes. Hasta la fecha, la primera temporada ha vendido más de 5.000 ejemplares y entre los 4 números ya se han superado los 15.000 ejemplares vendidos.

- Hablemos ahora un poco sobre la nueva entrega. ¿Qué nuevas historias vivirán Yiaaak y sus amigos después del “tenemos que volver”?

En esta cuarta temporada conoceremos a nuevos personajes, son los que llegan a la Isla en el barco de Naomi, entre ellos están Daniel Farenheit, Frank Doc Lápida, Carlota Farlopa y Emails Quepasatron. Yiaaak intentará por todos los medios sacarlos de la Isla, pero un grupo de supervivientes se quedarán con Locko en las casas de Marina D’harm.

Mientras tanto veremos Flashforwards o Flashdances de los que han conseguido salir de la Isla, también conocidos como los Naufragic Six y por el final tendremos unos flashbacks de Bean Linux y Locko además de ver qué es la Isla y lo que pasa con ella.

- ¿En qué grado eres fiel a la cuarta temporada de Lost?

Intento seguir la trama en orden, cambiándole los nombres a los personajes y las situaciones, introduciendo algo de nuestra cultura, referencias a otras series y programas,… pero básicamente el argumento es el de la serie pero en tono de humor. Algo así como las películas tipo Scary Movie en las que si has visto las películas parodiadas con anterioridad, puedes captar las referencias.

- Basándote en la acogida del resto de entregas, ¿cómo crees que funcionará esta?

Esta temporada llega justo con el fin de la serie, por lo que podría ser que ya el público no esté tan pendiente de todo lo que sale relacionado con LOST y por tanto las ventas sean menores, pero por ahora estoy muy satisfecho con la acogida de este 4º número. Lo hemos presentado en el Expomanga de Madrid y en el Salón del Cómic de Barcelona y aparte de los lectores habituales de otros años, llega gente nueva que no lo conoce y compra todos los números. Hasta ahora el 4º lleva más de 2.000 cómics vendidos en apenas un mes, no sé qué ventas tendrán las grandes editoriales, pero yo estoy muy satisfecho.

- ¿Tienes pensado seguir con la quinta y sexta temporada?

Por supuesto, sean como sean las ventas, habrá 5ª y 6ª temporada. El quinto número empezará Online dentro de unas semanas y la intención es editarlo en papel hacia finales de año, coincidiendo con el Expocómic de Madrid que se celebra por esas fechas. El 6º y último número saldrá ya para el año que viene.

- Y ahora que Lost ha acabado, ¿tienes pensado parodiar alguna otra serie? ¿Tienes algún nuevo proyecto a la vista?

Parodiar a nivel de PARDILLOS por ahora no, tengo aún 2 números por delante y cuando ya saque el 6º lo pensaré. Lo que si vamos a sacar es un recopilatorio de las tiras ZAPPING SERIES, que parodian diversas series de TV. La intención es sacar durante el verano un tomo con más páginas que las temporadas de PARDILLOS y a Color, que incluya tiras e ilustraciones inéditas y algunas historias cortas aparte de las tiras que hay colgadas en internet.

- Una última pregunta final más personal, ¿qué te pareció el final?

Si te soy sincero, nada más acabar me sentí un poco decepcionado. Pero según fue pasando el tiempo, me di cuenta que lo básico respecto a mitología ya había sido respondido, y lo que no se puede intuir. Hay algunas lagunas en algunas cosas, pero es de suponer que no se podría cerrar todo.

Después de verlo por 2ª vez me di cuenta que es el mejor capítulo de toda la serie, y que el final es el mejor que podían darle. La historia de los personajes queda cerrada, la de la Isla no, aunque de ella nos han contado muchas cosas y eso puede dar para hacer más historias, ya sea en otra serie, un spin-off, libros y por qué no, en PARDILLOS.

PANTALLAZOS:

(Al ser la primera vez que vemos los PANTALLAZOS y, aunque es obvio, os explicaremos en qué van a consistir. Los Pantallazos serán unas preguntas breves, tipo cuestionario, para nuestros entrevistados y estarán relacionadas con el mundo que a ellos les rodea.)

- 3 series que adoras: LOST, Big Bang Theory, Friends.

- 3 series que no soportas: No se decirte, si puedo decir programas de TV diría: Gran Hermano, Supervivientes y Sálvame.

- 3 personajes inolvidables: Locke, Chandler, Barney.

- 3 personajes para olvidar: Ana Lucía, Nikki y Paulo.

- 3 mejores finales de serie: LOST, Friends y Battlestar Galáctica.

- 3 peores finales: Los Serrano, Expediente X, Alias.

- Mejor remake: Battlestar Galáctica.

- Mejor serie española: Águila Roja.

De nuevo, muchas gracias Aza por atendernos. Ahora ya podemos estar tranquilos porque para superar la pérdida de Lost, tenemos Pardillos para rato.

El misterio de la vida: Flashforward, lo que pudo haber sido y no fue.

2010-05-30T15:54:00.011+01:00

Carbono, Hidrógeno, Oxígeno y Nitrógeno. Si mal no recuerdo, y a pesar de que mi camino transcurre ligeramente apartado de la biología, estos son los cuatro elementos comunes en todas y cada una de las formas de vida de nuestro mundo. Un cuarteto de ingredientes que juntados y mezclados expresamente de manera artificial nunca devendrán en un organismo vivo. Bueno, más o menos era esto. Es como si fuera necesario una especie de “soplo de vida”, o polvos mágicos procedentes de la varita de la más bella de las hadas madrinas, para que la vida tenga lugar. Lo mismo ocurre con las series de ficción televisiva: podemos juntar los mejores ingredientes, los más adecuados, los que han de conducir al éxito, y lo que obtenemos es un estrepitoso fracaso con su consiguiente cancelación al final de la primera temporada.

Parece ser que algo así ha sucedido con Flashforward, la serie que fue creada para sustituir a LOST como serie de moda y estandarte de la poderosa ABC, y que ha sido cancelada definitivamente con la llegada del temido, y nunca deseado, final de temporada de la ficción en Estados Unidos. Crónica de una muerte anunciada.

Cuando arrancó parecía tenerlo todo, incluso carbono, hidrógeno, oxígeno y nitrógeno… La idea, la historia, el universo de los “blackouts”, vidas entrelazadas, un interesante punto de partida y un prometedor concepto de narración (que lamentablemente quedó difuminado en el segundo o tercer capítulo), habrían sido ingredientes suficientes para lanzar cualquier producto al estrellato. Pero faltaba el toque mágico que no llegó hasta pasados más de diez capítulos… demasiado tarde.
Si te preguntas cuál de los personajes de Flashforward te gusta más, o con cuál de ellos te identificarías, muy probablemente dirás que ninguno, pero quizás tu respuesta sea Simon Campos… la tuya, la mía y la de todos. Ha sido el personaje de la serie que ha despertado un pequeño aire de interés por ser el único que se ha mantenido activo frente a su conflicto. Ha mentido, ha robado, e incluso ha matado. El resto de protagonistas se han rendido quedando en manos de su destino sin rebelarse para cambiar tan desdichado final. Si bien es cierto, uno de los principios aristotélicos de la narración es que el héroe (protagonista) no puede escapar a su destino; un ejemplo entre miles es el del mito de Edipo, que luchó con todas sus fuerzas para cambiar su tragedia. Removió la narración con sus acciones, todas ellas destinadas a cambiar su futuro. La clave es que no lo consiguió, nunca se consigue, pero luchó. Todo lo contrario sucede con Mark Bendford, que desde mi punto de vista dejó de ser el protagonista incluso antes del toque de atención a los guionistas de la serie.
Nos hemos encontrado ante unos personajes sin fuerzas para empujar una historia realmente prometedora y de la que se podría haber sacado mucho jugo, con pulpa y todo. Tras el famoso parón, y después de una buena, aunque tardía, remontada (no de audiencia), Flashforward ha cerrado sus puertas con un final bastante digno pero con lo que decíamos: nadie escapa a su destino. “Nihil novum sub sole”.

Por su parte, V ha sido la gran beneficiada al haber renovado por una segunda temporada y demostrar que ha sobrevivido a la alargada y vasta sombra de LOST y a las innumerables críticas vertidas a raíz del pequeño caos generado por los parones y las dudas. Otras de las series renovadas por ABC son Grey’s Anatomy, Desperate Housewives o Private Practice. Entre las canceladas, sumadas a Flashforward, encontramos a Romantically Challenged, Scrubs y Better off Ted.
Ahora sólo nos queda decir adiós a las series que corresponda, y hasta luego a las restantes, y desear que el desfile de reposiciones y pilotos de los meses de verano, lejos de atrofiarnos el sentido del gusto y apagar nuestra sed de historias, nos proporcione deseo e ilusión para amenizar la espera de la nueva, y todavía lejana, “reentré” del mes de septiembre. Bienvenidos al letargo veraniego de la ficción.

‘Biutiful’ empieza a volar con Iñárritu y Bardem

2010-05-29T12:20:00.001+01:00

Biutiful, el primer estreno del director mejicano Alejandro González Iñárritu después de que se rompiera el tándem con el guionista Guillermo Arriaga, con el que firmó sus tres primeros largometrajes, se saldó en la 63 edición del Festival de Cannes con su primer triunfo, pese a no ganar la Palma de Oro. El actor Javier Bardem recibió la semana pasada el premio a la mejor interpretación por su papel como Uxbal, el descarriado protagonista de la cinta. El galardón lo compartió con Elio Germano por su trabajo en La nostra vita, de Daniele Luchetti. Además, la película, coproducida por Méjico y España, recibió una ovación de cerca de 10 minutos tras su estreno el pasado 17 de mayo.

Las expectativas ante el estreno de Biutiful eran muy elevadas como consecuencia del grado de exigencia marcado por las anteriores películas de Iñárritu, Amores perros, 21 gramos y Babel, que conformaban una trilogía de realismo desgarrado y ritmo trepidante marcada por el tema tan humano y al mismo tiempo tan inhumano de la muerte. La incógnita de Biutiful también radicaba en qué camino seguiría el director mejicano tras su ruptura con Guillermo Arriaga a causa de los enfrentamientos por la autoría de las tres exitosas películas.

En efecto, en Biutiful se producen cambios narrativos sensibles. Del collage de protagonistas y de historias paralelas al que Iñárritu nos tenía acostumbrados, la nueva película opta por centrarse en Uxbal, un ex yonqui inmerso en el tráfico ilegal de mano de obra barata que tiene que criar a sus hijos mientras la vida se le va escapando por culpa de una devastadora metástasis. El protagonismo acumulado por este personaje decadente y sin rumbo, que no da pie a una obra coral, facilita también una estructura narrativa lineal que se aleja del ritmo arriesgado y en ocasiones desconcertante de la trilogía de la muerte.

Además, si en Babel Iñárritu y Arriaga querían plasmar el mundo globalizado a través de una narración de historias entrelazadas que ocurrían en lugares tan dispersos del mapa como Méjico, Tokio y Marruecos, esta vez el argumento tiene lugar en una Barcelona alejada de los flashes y de la cara amable de las obras de Gaudí. Iñárritu muestra una Barcelona diferente en la que su protagonista no es seguidor del Barça sino del Espanyol.

A la espera de que Biutiful llegue a los cines de España, falta ver si la nueva película será capaz de igualar a sus predecesoras en cuanto a originalidad, impacto y éxito tanto de premios como de crítica. Sin ir más lejos, en 2007 Babel logró 7 nominaciones a los Óscar y finalmente se llevó el galardón a la mejor Banda Sonora.

A lo largo de su trayectoria, Iñárritu se ha erigido como un buen cronista de los tiempos caóticos y frágiles en los que vivimos, controlados más de lo que desearíamos por circunstancias y accidentes imprevisibles que nos arrastran al límite. El uso de una estructura no lineal, repleta de saltos en el tiempo, algo muy en solfa actualmente, se hace eco de este desorden generalizado. Las tragedias universales que cuentan sus películas tienen la virtud de hacerse palpables, casi vívidas, mediante un mosaico de historias pequeñas con los pies en el suelo que abren ventanas hacia la complejidad del mundo. La muerte, el amor, la venganza, los remordimientos, la esperanza, la injusticia, la globalización o la inmigración son los grandes temas de hoy y de siempre que Iñárritu lleva al límite.

Le Petit Nicolas, ¿el estereotipo es burdo?

2010-05-28T17:08:00.017+01:00

Muy recientemente, el pasado 6 de mayo, tuvo lugar un encuentro de la Asociación de Mujeres Cineastas y de los Medios Audiovisuales (CIMA) marcado por una de las intervenciones de la directora Isabel Coixet; o al menos así se encargó la prensa escrita de transmitirlo a los aventurados, y casi extintos, lectores que se detienen en las secciones de cine y espectáculos. “El cine de estereotipos me da ganas de vomitar” es la perla que nos regaló la directora de películas como Mi vida sin mi o La vida secreta de las palabras, que con estos títulos bajo su brazo casi obliga a creer a pies juntillas cada palabra que cae de sus labios, pero el tono invita a discrepar. Es obligatorio decir que la afirmación precedía a un buen puñado de matices centrados en la figura de la mujer en el cine y concretamente en las comedias que triunfan en España: personajes encarnados por Jeniffer Aniston o Cameron Díaz, o el cine de Nora Ephron (Sintonía de amor o Tienes un e-mail) que, según Coixet, pertenecen a un cine “dominante” que "incide en lo peor" de los clichés femeninos. Vale, así sí.

A pesar de los matices, la afirmación es tan tajante que remueve las ganas de encontrar un buen ejemplo para rebatirla. A veces hay que esperar un minuto y otras una eternidad. En mi caso, veinte días. Clotaire, Alceste, Eudes, Godofredo, Agnan y Rufus son los amigos de Le petit Nicolas, en el film de Laurent Tirard (Las aventuras amorosas del joven Molière) que lleva este mismo nombre y es una adaptación de las obras de René Goscinni.

El despistado de la clase, el gordo, el matón, el niño rico malcriado, el empollón y el miedica hijo de policía son los clichés que nos presenta esta entretenida y divertida comedia familiar que nos cuenta las aventuras diarias de Nicolas, el protagonista que se mete en un lío detrás de otro a causa de los equívocos, las casualidades y el azar.

La espontaneidad, la ingenuidad y el candor de estos personajes, con un acertadísimo cásting, junto a la dirección artística, son las dos joyas de la película; obviando el reconocimiento obtenido en los premios Cesar franceses al ser nominada por su guión adaptado, y una música que ambienta a la perfección el tono cómico a lo Jaques Tati, al más puro estilo francés; véase el momento en que la familia adquiere un televisor nuevo.

Hay que destacar que, aunque estos jóvenes talentos (muchos de ellos primerizos) centran la atención del espectador, han estado tutelados en el film por grandes actores que hacen un trabajo magnífico en la película. Valérie Lemercier (Arthur et les Minimoys), que encarna a la madraza de Nicolas, Kad Merad (Bienvenidos al norte) interpreta a un padre enamorado de su familia que desea un ascenso en su trabajo, y la dulce Sandrine Kiberlain (Après vous) que es la maestra de los jóvenes protagonistas.

Aunque cuesta encontrarlos, los peros de Le Petit Nicolas radican en la propia adaptación, como ocurre lamentablemente con la mayoría de ellas. A pesar de tener un magnífico guión que entrelaza con éxito diferentes historias de Nicolas (de ahí su nominación a los Cesar), el film se queda a mitad de camino, de dos caminos… Me explico:

Para aquellos que han disfrutado de las historias de Goscini antes de ver la película, Le Petit Nicolas no deja de ser una ilusión que despierta nostalgia y morriña en el espectador a través de un pequeño esbozo de lo que representa un personaje casi mítico en el universo literario infantil francés.

Para los que descubren a Nicolas por primera vez a través del film de Tirard, la historia se queda en entretenida y divertida, que ya es mucho, pero carece de cualquier tipo de connotación más allá de la guía y el dibujo mental que representan las caricaturas y los estereotipos del “dramatis personae”… De ahí su importancia.

Con todo, y ante afirmaciones catastrofistas y apocalípticas que juzgan el rumbo del cine actual, con más razón o menos, con buen timbre o mala baba, la cuestión es que sólo girando un poco la cabecita (fruto de haber puesto la otra mejilla, o no) podemos encontrar comedias que pretendiendo muy poco, consiguen mucho más; como ocurre con nuestros vecinos franceses, que han demostrado con creces que dominan esto de la comedia costumbrista y caricaturesca.

Una de recomendaciones: Misfits

2010-05-28T15:47:00.003+01:00

Estrenamos hoy esta sección en la que La Pantalla Mágica os recomendará alguna ficción que por determinada razón nos merece su atención.

La cancelación de la serie de la NBC Heroes ya es un hecho. Pero, ¿qué habría sido de Heroes si la ambición no la hubiese cegado? ¿Está saturada la ficción de superhéroes? ¿Cómo trataría un canal británico este tema? Todas estas preguntas y muchas más nos hacen dirigir nuestra mirada hasta una modesta serie del canal inglés E4: Misfits.

Misfits da una nueva vuelta de tuerca a la ficción de personajes con poderes y lo hacen con una tremenda calidad. Esta serie se estrenó en 2009 y contó con 6 capítulos que nos supieron a poco. A lo largo de estos episodios se narran las aventuras de cinco chicos problemáticos que reciben una serie de poderes después de una tormenta y mientras cumplen sus horas de trabajo comunitario. La narración combina el drama y la comedia de una manera ejemplar e incluso tiene un toque de drama teen pero que no nos molesta en absoluto.

Misfits, que significa inadaptados, cuenta con cinco personajes que en un principio nos resultan claros estereotipos pero que al final nos sorprenden con giros inesperados que les hacen alejarse de nuestra concepción inicial. Repelemos los caracteres de Nathan, Alisha o Kelly y empatizamos con Simon o Curtis a simple vista. Sin embargo, la corta trayectoria vital que estos personajes realizan en tan sólo seis episodios, les hacen traspasar la pantalla hasta que llegamos a sentirlos nuestros. El estereotipo se rompe por completo para sorprendernos tan gratamente como muy pocas series pueden hacer. Además, el reparto se completa con unos secundarios de lujo que embellecen todavía más la narración.

Podemos afirmar que se trata de una serie de personajes que se sirve de el pretexto sobrenatural para desarrollar unas tramas muy poco convencionales y, sobre todo, diferentes a las de las ficciones norteamericanas. La etiqueta de “serie de personajes” está muy de moda hoy en día, pero la mayoría de las veces está mal utilizada porque se hacen eco de ella para definir a series que presentan una trama más bien floja y en la que los caracteres tampoco llegan a tener especial relevancia.

Pero a parte de lo atractivos que nos resultan estos personajes, no podemos olvidar mencionar la casi hipnótica narración visual que nos propone esta serie. Además de una fotografía brillante, la composición de cada plano está pensada al detalle para convertirse cada uno casi en una obra de arte por si mismo. El tratamiento de la imagen se aleja del que vemos habitualmente y la música está dramáticamente bien colocada.

El rodaje de la segunda temporada de Misfits ha comenzado este mes de mayo, así que tenéis tiempo para poneros al día antes de su estreno previsto para finales de 2010.

No os adelantamos nada de la trama ni sobre la vida de los personajes porque vale la pena que lo veáis por vosotros mismos. La Pantalla Mágica os recomienda fervientemente su visionado y os anima a comentar con nosotros vuestras impresiones. Algunos de vosotros seguro que la habéis visto ya y podéis corroborar nuestras palabras porque se trata de una pequeña joya de la que vale la pena disfrutar cuanto antes.

Apunte personal de La Pantalla Mágica: nos os perdáis el capítulo 4, una auténtica joya narrativa.

Os dejámos con el tráiler de E4 para que vayáis abriendo boca.

Lost Day: una gran iniciativa

2010-05-28T09:42:00.010+01:00

Cuando todos (más bien algunos) nos secábamos las lágrimas por el final de Lost y pensábamos que ya todo había acabado; descubrimos que todavía quedaban cartuchos por quemar. No podemos olvidarnos así como así de la serie que ha marcado nuestras vidas. El halo que deja a su paso tardará mucho en desaparecer.

Caminamos por Barcelona y nos encontramos con gente vestida con camisetas de la Inciativa Dharma. ¡Eso sí que son fans!, pensamos. Y bueno, sí lo son; pero llevan la camiseta por un motivo muy concreto. Si vamos con ellos, al girar la esquina nos encontramos con ¡la cabaña de Jacob! Pero, ¿esto qué es? Y no acaba ahí, también podemos ir a la Estación la Llama o La Flecha. “Guys, where are we?”, diría Charlie. Estamos en Barcelona, de eso no hay duda. Pero Barcelona se convierte esta semana en la Isla de Jack, Locke, Kate y compañía. Y todo gracias a la gran iniciativa de los estudiantes de segundo curso del Ciclo de Grado Superior de Producción de Audiovisuales, Radio y Espectáculos de la EMAV.

Lost Day es un evento que pretende homenajear el último episodio de la serie a lo largo de una semana de actividades que culmina el día 29 de mayo con una traca final. Además de diferentes actividades lúdicas como coloquios, campeonatos de Backgamon, gymkhanas o carreras en silla de ruedas (sí, Locke podría sentirse orgulloso con estos chicos); hoy viernes 28 se proyectará el último capítulo a lo grande en Gavá. Mañana sábado, después de las muchas actividades que podéis consultar en Lost Day , habrá una gran fiesta de celebración final en la discoteca Shoko.

Todo comenzó hace ya unos días, en la fiesta que Cuatro y el Festival de Cine Fantástico de Sitges organizaron con motivo de la Noche Perdida también en la discoteca Shoko. Lost Day participó en el evento dejándonos a todos los fans fascinados con lo que allí habían montado. Estar en una discoteca y que de repente suene “You all everybody” o “Downtown” rodeados por el Humo Negro hasta incluso por Hurley o Locke, no tiene precio. Si lo que querían era aportar una propuesta original, de verdad que lo consiguieron. Consiguieron movilizar a la gente y que se disfrazara y participara activamente en la fiesta.

Pero muchas otras actividades han seguido teniendo lugar en la ciudad Condal. El pasado día 25, en la estación La Llama algunos de los webmasters de páginas dedicadas a la serie se reunieron para dar una interesante y participativa conferencia. Todoseries, PostLost, Lostzilla o The ODI; nos contaron como conocieron la serie y sus impresiones sobre la finale. Allí debatimos sobre teorías y otras anécdotas. Otro punto a favor de esta actividad fue que se retransmitió por Internet y mucha gente de fuera de Barcelona pudo vivirla en directo.

Esta noche podremos ver el último capítulo en una pantalla de cine y mañana, entre muchas otras actividades, Toni de la Torre presentará su libro “Las series que no me dejan dormir” en La Casa del Llibre; pero además hay muchos otros jugos y exposiciones que no os podéis perder. De verdad, acercaros a su centro de operaciones en la Cabaña de Jacob y que os expliquen un poco más sobre el evento en persona. Se os tratará muy bien, os lo podemos asegurar. Para nada son “hostiles” y responden a todas tus preguntas por muy “perdido” que estés. Bromas fáciles a parte, os animamos a que participéis del evento porque iniciativas así no se ven todos los días.
Tan sólo nos queda felicitar a todo el equipo de Lost Day por su fantástica iniciativa y darles las gracias por hacernos más llevadera esta morriña de pasar la primera semana sin un capítulo.

Os dejamos con una de sus promos que no tiene desperdicio.

“La Clínica”, serie piloto del Máster de TV3, finaliza su rodaje

2010-05-27T14:22:00.017+01:00

El pasado 12 de mayo concluyó la grabación del episodio piloto de la serie La Clínica. Este trabajo constituye el trabajo final de Máster de los estudiantes del Máster en Innovación y Calidad Televisivas (Módulo de ficción) que organiza Televisión de Cataluña junto a la Universidad Pompeu Fabra y la Universidad Autónoma de Barcelona. Los estudios están dirigidos por Eduard Boet. Además, cuentan con un gran número de profesionales que han tutorizado a los alumnos como el ganador de un Goya al Mejor Guión Adaptado por Salvador, Lluís Arcarazo o la realizadora de series como Periodistas, Porca Miseria o Infidels; María Almagro.

El primer capítulo de esta serie de misterio que envuelve a un famoso doctor (interpretado por Miquel Sitjar) y a unos extraños personajes, verá la luz a partir del próximo mes de septiembre. Las puertas están abiertas para esta serie ya que su futuro está todavía por evaluar, pero las posibilidades para que continúe no están descartadas del todo. El reparto lo completan Christian Stamm, Beàlia Guerra, Anna Casas, Eduard Lupo, Santi Sans i Montse Sunyer.

El capítulo propone una narración y temática novedosa que pretende acercarse a las producciones norteamericanas pese a su bajo presupuesto y sus 20 minutos de duración. Actualmente, el equipo se encuentra en fase de postproducción.

Además de este capítulo, un segundo grupo de estudiantes del Máster ha rodado también otro piloto para una serie de talante más cómico llamada Lupèn.

Ahora que nos quedamos huérfanos...

2010-05-26T20:27:00.001+01:00

Así son las paradojas de la vida; cuando algo acaba, siempre hay otra cosa que volverá a empezar. Cuando uno muere, otro está naciendo. Y así ocurre también con este blog sobre ficción. "La pantalla mágica" nace justo cuando nos deja, quizás, la mejor ficción televisiva que ha pasado por nuestras pantallas. Y qué mejor manera para estrenarnos, que con este epitafio que escribimos desde el vacío que ahora tenemos dentro y que hemos de llenar con el recuerdo.

La palabra será nuestro recuerdo, para aquellos que no quieran olvidar. Hay algunos que olvidan el largo camino después de pasar unas últimas horas. Después de tanto tiempo, parece ser que el recorrido no ha servido de nada, porque la meta no estaba dónde pensaban. Esos cuantos tal vez no puedan ni quieran cambiar su opinión. Pero tranquilos, no tratamos de adoctrinar ni demostrar nada; tan sólo presentar nuestra reflexión, que es una más dentro de las muchas con las que Lost siempre nos ha obsequiado.

A estas alturas, creo que ya de nada sirve decir el final de esta serie nada tiene que ver con aquello de que todos estaban muertos desdel principio, pues todo iba mucho más allá y quedó bastante claro que cada superviviente, paradójicamente encontró la muerte en su momento. Ha quedado pues esta trama de los sideaways cerrada más o menos satisfactoriamente. Desde aquí creemos que pese a no ser la solución más original posible, sí es la que mejor cierra la trama de personajes y la que mejor nos deja despedirnos de todos ellos. No olvidemos que, le pese a quien le pese, siempre se ha tratado de una serie de personajes, porque islas con misterios ya hemos conocido muchas, tanto en la literatura como en el audiovisual (veáse La isla del tesoro de Stevenson, La isla del Dr. Moreau d H.G. Wells, La invención de Morel de Bioy Casares, o El Señor de las Moscas de Golding).

No obstante, hay gente quien sigue pensando que lo importante era la isla y que no se han resuelto todos sus misterios. La isla era un personaje más y eso ha sido lo más notable en esta narración. La isla se ha entremezclado con Jack, Locke y el resto de una manera casi invisible y hemos conocido partes de su pasado, retales de su vida, como lo hemos hecho con los personajes humanos. Pero igual que no hemos conocido toda la génesis de, por ejemplo, Sawyer; no lo hacemos tampoco de la isla. Se nos ha destacado aquello que se ha considerado importante.

Aún así, todavía no se ha acabado de entender la mitología intrínseca de la serie. ¿Realmente creeis que son tantos los misterios por resolver? La mitología no se sustenta de una base científica y tampoco lo hace Lost. Decir que la fuente de luz es la vida y la muerte, lo bueno y lo malo; no es una explicación fácil ni sacada de la manga para no pisarse los dedos. Esta explicación tiene su origen en las ideas alquimistas y axioma de María: «el Uno se hace Dos, el Dos se hace Tres, y del tercero nace el Uno cómo Cuatro». Al principio todo está unido, el ser es uno. Y así se demuestra en los relatos más antiguos como el Génesis. Del todo, Dios comenzó su creación y empezó la dualidad que tan clara vemos en Lost: En el principio Creó Dios los cielos y la tierra. Y la tierra estaba sin orden y vacía. Había tinieblas sobre la faz del océano, y el Espíritu de Dios se movía sobre la faz de las aguas. Entonces dijo Dios: "Sea la luz", y fue la luz. Dios vio que la luz era buena, y separó Dios la luz de las tinieblas. Dios Llamó a la luz Día, y a las tinieblas Llamó Noche.
Y del todo vemos la escisión en la inevitable dualidad; lo bueno y lo malo; la luz y las tinieblas.

Apolo (dios de la luz, el sol y la verdad) y Dionisos (dios del vino, de la locura ritual y el éxtasis), Caín y Abel, Jacob y el hombre de negro. Polos opuestos irreconciliables nacidos de un mismo ser. Uno representa la luz; otro la oscuridad. La dualidad es consecuencia necesaria de esta totalidad. Y la vemos reflejada en visiones enfrentadas a lo largo de toda la serie: desde Jack y Locke y su batalla sobre la ciencia y la fe; hasta el reinado de Hurley y Ben. Hurley, el que consigue el poder a través de la bondad; y Ben, el que saca su lado oscuro para llegar a lo más alto. El uno no podría entenderse sin el otro. No sabríamos que el blanco es blanco si no existiese el negro.

Así pues, ¿de verdad seguís creyendo que es necesario conocer mucho más sobre la isla? Porque este núcleo de luz simboliza el principio, y significa ese todo creador. ¿A caso acabamos de entender la creación de nuestro mundo? ¿Qué había antes de del Big Bang? “Una pregunta nos llevará a otra”. Evidentemente. Pero aún así, no estamos descontentos pese a no conocer de dónde surgió la energía que creó la Tierra. Nos conformamos y lo asumimos. Es un acto de fe.

Finalmente, tan sólo nos cabe daros la bienvenida a este nuestro rincón. Un lugar en el que queremos compartir todo aquello que vemos a través de una pantalla y nos fascina para que también os llegue a vosotros. Queremos daros nuestra opinión y también informaros de todo lo que creamos que os pueda interesar.

Y que mejor que un “see you in another post, brother” para acabar esta entrada y para demostrar que si una frase ha sido utilizada de tal manera en una serie, igual sí que tenía su significado al final. Porque algunos sí que creemos que “all of this happened for a reason”.